PANORAMA

MOZART - Parte III

2012-01-15T12:09:00.013-02:00

Wolfgang Amadeus Mozart

por Pedro Luso de Carvalho

No texto sobre a vida e a obra de Mozart, dissemos, na última postagem (segunda parte), que a família MOZART foi recepcionada em Londres pelo Rei Jorge III, e que o menino Wolfgang tocou para o monarca; e que Wolfgang e Nannerl foram recebidos pela elite londrina com grande entusiasmo nos inúmeros recitais que deram.

Dissemos, ainda, que Leopold, que se encontrava doente, deixou Londres com os filhos para repousar em Chelsea, onde Wolfgang conheceu Johann Christian Bach, filho mais novo de Johann Sebastian Bach (Christin Bach estava com 28 anos de idade).

Embora fosse grande a diferênça de idade entre eles, Wolfgang e Christin Bach tornaram-se amigos. E foi por intermédio de Christin Bach que Wolfgang teve a oportunidade de conhecer a produção contemporânea de ópera, música sinfônica e música de câmara. Também teve o ensejo de assistir às solenes apresentações das obras de Haendel.

Nas cinco sonatas e nas duas sinfonias que Wolfgang Amadeus Mozart escreveu nessa época, no início de 1764, transparece claramente a influência que sofreu de Johann Christian Bach e de Haendel.

No outono de 1764, o esquecimento viria mais uma vez - como já acontecera em Viena -, em virtude de Leopold ter se retirado de Londres para tratar de sua saúde. Embora já restabelecido, tentou inutilmente obter novos recitais para Wolfgang e Nannerl. Para a família Mozart, todo o êxito até então obtido passou a ser coisa do passado.

J. C. Bach

Leopold compreendeu então que deveria deixar Londres, o que foi facilitado em razão do aconselhamento do embaixador da Holanda, junto à Côrte de Jorge III. Já nos Países-Baixos, mais propriamente em Haia, Wolfgang compôs duas árias, um madrigal para vozes mistas, uma sonata e uma sinfonia.

Da Holanda a família Mozart empreendeu novamente as excursões, e levaram a efeito apresentações em Gand, Antuérpia, Haarlem, Amsterdam, Utrecht, Malines e Vallencienes. Depois estiveram mais uma vez na França: Paris Dijon e Lyon, Daí foram para a Suíca; suas apresentações se deram em Genebra, Lausanne, Berna, Zurique e Schaffhausen.

E, uma vez de volta a Salzburg, Leopold e os filhos, Wolfgang e Narnnerl, estiveram ainda em Biberach, Ulm, Augsburgo e Munique. O retorno à casa deu-se em 1765. A jornada de Wolfgang no exterior fez com que aumentasse muito sua produção musical.

De volta à sua casa, longe de compromissos com apresentações, encontrou tempo e sossêgo para compor mais ainda; e teve mais tempo para estudar, sob a orientação de seu pai. Em 1766, Wolfgang Mozart compôs: seis sonatas, três peças sacras, uma cena para orquestra e duas séries de variações para cravo: a primeira sobre a ária “Laatons Juichen” de Graff e a outra baseada na canção de “Guilherme de Nassau”.

No ano seguinte, setembro de 1767, Leopold e seu filhos, Wolfgang e Nannerl, retornaram a Viena. Wolfgang estava com onze anos de idade. Justamente nessa época, a capital estava tomada pela varicela. Por precaução, a família retirou-se para a propriedade do Conde Podstsky, na região de Olmutz, mas mesmo assim os irmãos foram acometidos pela doença.

Em princípio de 1978 a família Mozart regressou a Viena. O propósito de Leopold de levar a efeito novos recitais, com o esperado êxito e o consequente lucro, como já acontecera em outros importantes centros europeus, foi frustado, uma vez que não obteve o apoio dos imperadores.

Essa estada em Viena, sem o êxito esperado, deu, no entanto, grande proveito a Wolfgang pelas relações travadas com o famoso librelista Metastásio, e por ter tido a oportunidade de conhecer o Dr. Mesmer, famoso por seus conhecimentos de ocultismo e pela prática da hipnose. Wolfgang também conquistou a simpatia do Princípe Arcebispo de Salzburgo, que foi por ele contratado para servir na Capela Arquiepiscopal.

Haendel

Depois, com licença do arcebispo, Wolfgang e o pai partiram para a Itália, o país da ópera. Aí os grandes mestres cultivavam a música vocal. Wolfgang visitou várias cidade, passando quase despercebido.

Embora pouco notado, em 5 de janeiro de 1770, obteve grande êxito num recital que deu na Academia Musical de Verona. Nessa época Wolfgang estava com catorze anos de idade. A Academia prestou ao jovem Mozart uma importante homenagem elegendo-o Mestre de Capela Honorário da Instituição.

Na rápida estada de Wolfgang e de Leopold em Milão, o jovem músico submeteu-se a um teste para o sinfonismo classicista, que florescia na Alemanha e na Áustria. A junta era compostas por importantes músicos milaneses, entre os quais Giovanni Battista Sammartini, um dos construtores da sinfonia e o principal responsável pela transposição das formas instrumentais barrôcas, herdadas da tradição italiana, representada por Corelli, Torelli e Vivaldi.

Na próxima postagem, continuaremos com a vida e a obra de Wolfgang Amadeus Mozart.

Para acessar a primeira parte deste trabalho, clicar em MOZART – Parte I

REFERÊNCIAS:

ANSTETT, J. Ph. Galeria de Homens Ilustres. Rio de Janeiro: Laemmert, 1905.

MASSARANI, Renzo. Grandes Compositores da Música Universal, nº 20. São Paulo: Abril Cultural, s/d.

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MOZART – Parte II

2012-01-08T12:45:00.009-02:00

por Pedro Luso de Carvalho

Na postagem de MOZART - Parte I, dissemos que Leopold Mozart aspirava para seus filhos, Wolfgang e Nannerl, uma sólida posição na música européia, e que, para isso, teria que empreender escursões, contratar professores qualificados e buscar espaços para suas apresentações em grandes platéias; assim, uma vez atingido tal objetivo, teria também, como retorno desse trabalho, o alentado lucro pecuniário, além de prestígio social.

E, para iniciar tal empreendimento, Leopold fez a sua escolha: Munique, capital da Baviera. Aí seus dois filhos fariam, fora de Salzburgo, as primeiras exibições. A recepção pelo Eleitor Maximiliano, para um recital com grande repercussão foi a certeza de que a escolha de Leopold foi acertada.

O pai-empresário sentiu-se encorajado com o êxito. Foi estímulo suficiente para uma viagem mais ambiciosa: Viena, o núcleo de reunião de vários Estados germânicos. Não só a Capital do Império, mas o centro da vida artística internacional. Leopold não poderia esperar outra coisa de seus filhos que não a fama e a fortuna.

Em setembro de 1762, Leopold partiu com Wolfgang e Narnnerl para a metrópole. Na bagagem levaram um cravo para que o filho e a filha pudessem exercitar-se com o rigor imposto pelo pai. A conquista do mundo musical vienense era a meta para Leopold e seus filhos.

Em Linz, ocorreu um contratempo: Wolfgang foi acometido de forte gripe, que o deixou enfraquecido, mas acabou por recuperar-se. Não tardou para que viesse sofrer outras doenças de maior gravidade, que afetaram seu organismo. Cuidados foram tomados na convalescência do menino, que se distraía compondo e escrevendo várias peças importantes, entre elas o Allegro em Si Bemol, para cravo ou Clavicórdio – I.K. 3 e Minueto em Fá Maior, para cravo ou Clavicórdio – I.K.6.

Leopoldo comprazia-se com o resultado dos recitais dados por Wolfgang e Nannerl. No mês de outubro de 1762, a refinada sociedade vienense era unânime em pródigos elogios a ambos. Tanto foi o sucesso dos recitais que logo a Côrte Imperial os convidou para que alí se apresentassem. O recital no palácio Schoenbrunn resultou em grande prestígio para Wolfgang Mozart. Mas, novamente, teve a saúde abalada. Uma escarlatina levou-o à cama. E, sem novas apresentações, Wolfgang logo foi esquecido por Viena.

A escarlatina foi debelada, embora tenha deixado seqüelas, tais como: debilidade física e distúrbios renais crônicos; essa doença viria encurtar a vida do gênio. No mesmo ano de 1762, Mozart, Nannerl e o pai retornaram a Salzburgo. Aí o jovem iria repousar e tratar-se. Nessa pausa, o pai aproveitaria para refazer seus projetos musicais para os filhos.

Em junho de 1763, Leopold retornou com os filhos a Munique, que os recebeu com agrado. Tiveram mais uma recepção na Côrte, na qual o Príncipe Von Zweibrücken acolheu- os e deu-lhes proteção. Assim foi aberto o caminho para que Wolfgang e Nannerl dessem vários recitais na cidade. Depois apresentaram-se em Augsburgo, cidade natal de Leopold, mas aí, nos três recitais que deram, não tiveram o mesmo êxito.

Em agosto de de 1763, a família Mozart chegou em Frankfurt, Alemanha, onde foi bem recebida pelos círculos culturais. Nessa cidade, num dos seus cinco recitais Wolfgang e Nannerl lotaram todos com salões e foram alaudidos efusivamente. Numa dessas apresentações encontrava-se o jovem Goethe, que mais tarde falaria da honra que teve em conhecer Wolfgang.

O êxito de Wolfgang e Nannerl iria desestabilizar emocionalmente Leopold. Exibiocionista e tomado pela vaidade, Leopod almejava agradar o público, e esquecia-se de revelar o valor artístico dos filhos. Na época em que os Mozart haviam alcançado grandes êxitos nas suas excursões, o menino Wolfgang, estava oito anos de idade e Nannerl, com treze anos.

Após um recital para o Príncipe Carlos de Lorena e sua Côrte, Leopold e seus filhos deixaram Bruxelas e viajaram para a França, levando uma carta de recomenção para Melchior Grimm, secretário do Duque de Orléans. Desta forma foram introduzidos no mundo aristocrático parisiense, quando o nome de Mozart já era conhecido pelos reis de França.

Em 1764, Wolfgang e Nannerl, que já haviam visitado o palácio de Versalhes, a convite do rei de França, apresentaram-se durante uma grande recepção à mais alta aristocracia francesa, oferecida pela Côrte, pela passagem do ano. No final do ano de 1764, Wofgang Amadeus Mozart havia composto quatro sonatas para violino e cravo, ou clavicórdio. Em Paris, durante a estada da família, as primeiras obras de Wofgang começaram a ser publicadas.

Depois de terem deixado Paris, dirigiram-se a Londres, onde foram recebidos pelo Rei Jorge III, que ofereceu ao menino partituras de George Wagenseil, Johann Christin Bach, Christian Abel e Haendel, todas muito difíceis para ele, que não os conhecia. Wonfgang executou para o rei todas as peças com perfeição na sua primeira leitura. Depois improvisou no órgão que se encontrava no salão, uma bela variação sobre a ária de Haendel, que acabava de conhecer e de tocar para o monarca. Assim, após inúmeros recitais, a Côrte inglesa rendeu-se ao talento do menino Wolfgang.

Leopold, que se encontrava doente, deixou Londres com os filhos, para repousar em Chelsea, onde Wolfgang conheceu Johann Christin Bach, filho mais novo de Johann Sebastian Bach.

Na próxima postagem, continuaremos com a vida e a obra de Wolfgang Amadeus Mozart.

Para acessar a primeira parte deste trabalho, clicar em MOZART – Parte III

REFERÊNCIAS:

ANSTETT, J. Ph. Galeria de Homens Ilustres. Rio de Janeiro: Laemmert, 1905.

CAMARGO GUARNIERI. Grandes Compositores da Música Universal.Nº 20. São Paulo: Abril Cultural, s/d.

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MOZART – Parte I

2012-01-02T16:55:00.017-02:00

Leopold, Mozart e Nannerl em Paris
Gravura de Carmontelle, 1764

por Pedro Luso de Carvalho

WOLFGANG AMADEUS MOZART, nome que mais tarde o músico passaria a usar. Foi registrado com o nome de Joannes Chrysostomus Wofgangus Theophilus Mozart. Nasceu em Salzburgo, Áustria, a 27 de janeiro de 1756. Filho de Leopold Mozart, músico da Côrte, e de Ane Marie Pertl Mozart. Aos cinco anos de idade, Wolfgang Amadeus iniciava sua carreira de compositor.

Na sua infância e juventude, Leopold Mozart (o pai) morava com a família na pequena cidade de Augsburgo, Áustria. Como seus pais, modestos artesãos, não podiam pagar seus estudos artísticos, estudou por conta própria. Mais tarde foi levado para Salzburgo por seu padrinho, que era cônego, para estudar teologia. Era sua intenção torna-se sacerdote. Por dois anos, estudou na Universidade de Teologia e Lógica. Ao final desse tempo, resolveu levar adiante o seu plano para tornar-se músico, mesmo com o prejuízo sofrido com o corte da mesada, pelo seu padrinho, que ficou desgostoso com essa decisão.

Ao deixar a universidade, o jovem Leopold Mozart conseguiu emprego como secretário do Conde Thurn; com isso, passou a dedicar-se ao estudo da música com seriedade, compondo músicas sacras e uma ópera, que foi apresentada na universidade. Com a repercussão obtida com a sua ópera, Leopold foi contratado para tocar na orquestra do Príncipe Arcebispo.

Leopold também passou a dar aulas de violino para os meninos da capela. Depois, conheceu a filha do administrador do castelo de Saint Gilgen, Anne Marie Pertl, com quem se casou. Daí em diante, passou a ter uma vida estável e com conforto. Do casamento, nasceu Marianne, carinhosamente chamada de “Nannerl”. O casal e a filha formavam uma família feliz.

Foi nesse ambiente alegre e harmônico que nasceu Wolfgang Amadeus Mozart. O menino, esperto e brincalhão, era apenas Wolfgang, ou carinhosamente chamado pelos seus familiares de “Wolferl”. Aos quatro anos de idade, o menino Wolfgang descobriu o cravo. O menino acompanhava os exercícios no cravo, nas aulas ministradas a sua irmã, Nannerl; Nannerl era cinco anos mais velha que Wolfgang. Para ele, a música parecia um agradável brinquedo.

Wolfgang Amadeus Mozart
Retrato de J. B. Greuze, C.1763

O interesse de Wolfgang pela música não passou despercebido por seu pai. Leopold, então, passou a ensinar música ao filho, que aprendia com extrema facilidade e com prazer. Escolhia, para as suas lições, músicas para o cravo. Mas, o inquieto menino não se limitava a elas, e aventurava-se a excutar músicas de sua própia criação. No início, Wolfgang contentava-se com a improvisação, mas, depois, sempre que lhe ocorriam idéias melódicas, fazia anotações.

Não tardou para que Leopold, seu pai e professor, se convencesse de que o filho possuía uma rara musicalidade. O pai já estava certo de que seu filho era dotado de um talento incomum para a música. Também sabia que não podia negligenciar nos estudos musicais do filho. Então, decidiu fazer com que o talento de Wolfgang fosse desenvolvido mais intensamente, e com os métodos que se faziam necessários ao estudo da música mais refinada.

A música, em Salzburgo, era tratada com muita seriedade, mas isso não era o suficiente para que Wolfgang pudesse alcançar o desenvolvimento pretendido pelo pai; este, viu que o melhor caminho para atingir o objetivo que almejava eram as viagens, os professores melhor qualificados e as platéias mais refinadas. Para isso, Leopold entendeu que deveria apressar-se em deixar Salzburgo, com Wolfgang e Nannerl, já que almejava um aprimoramento musical para ambos os filhos.

Leopold não apenas aspirava uma sólida posição na música européia para Wolfgang, mas, também, tinha consciência de que esse desenvolvimento ajudaria a ganhar mais dinheiro e prestígio social, além de outras vantagens. E para colocar seu plano em execução, Leopold abandonou vários de seus afazeres, para fazer com que Wolfgang passasse a estudar sob um rigoroso e sistemático regime.

Também estava nos planos de Leopold, buscar aperfeiçoamento musical para sua filha, Nannerl Mozart, cinco anos mais velha que Wolfgang. Nannerl já era, nessa época, uma instrumentista exímia. O cravo era o instrumento que dominava. Sendo assim, escursões, professores qualificados e grandes platéias abririam caminho para os irmãos Mozart. E satisfazia a ambição de Leopold.

Para acessar a segunda parte deste trabalho, clicar em MOZART – Parte II

REFERÊNCIAS:

CAMARGO GUARNIERI. Grandes Compositores da Música Universal, nº 20. São Paulo: Abril Cultural, s/d.

AUGÉ, Claude. Petit Larousse. Dictionnarire Encyclopédique Pour Tous. 24ª tirage. Paris, 1966.

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COELHO NETO – A Vastidão do Caminho Percorrido

2011-12-21T19:07:00.017-02:00

Coelho Neto

por Pedro Luso de Carvalho

No dia 21 de fevereiro de 1934, o escritor Humberto de Campos, membro da Academia Brasileira de Letras, escreve uma crônica com o título: “O aniversário de Coelho Neto”, que, nessa data, completava setenta anos, na qual diz que Henrique Coelho Neto é o maior escritor do Brasil, e que “Pelo bico de sua pena saiu um mundo para o mundo”.

Humberto de Campos faz, em sua crônica, um apanhado da produção de Coelho Neto: mais de cem volumes de crônicas, de romances, de conferências, de contos, de dramas, de comédias, de ensinamentos cívicos, de discursos políticos e literários.; tudo isso realizado em menos de meio século. Diz Campos, que, nessa altura da vida, “o assombroso trabalhador se detém e estende os olhos cansados pela vastidão do caminho percorrido”. Coelho Neto morreu justamente em 1934, ano em que Humberto de Campos comemora, com sua crônica, os setenta anos de vida do escritor. Coelho Neto falece no dia 21 de fevereiro.

Humberto de Campos não deixaria de passar em branco o dia da morte de Coelho Neto, e escreve outra crônica, esta com este título: “Coelho Neto”. Diz Campos, nessa crônica: “Dorme, desde ontem ao meio- dia, no seio da terra, o meu querido Coelho Neto. E eu escrevo isto de olhos enxutos. Há muitas semanas esperava a notícia terrível, do desenlace fatal. E, ao recebê-la, chorei. Os soluços vieram-me à garganta, e explodiram. Sobreveio, porém, a reflexão. A morte, comparada àquele resto de vida, era um bem, uma esmola de Deus. E recolhí-me a pensar nele, a recordar a nossa estima de vinte e dois anos, e que, durante esse período, não foi toldada jamais por uma suspeita, não sofreu, nunca, um esmorecimento”.

Coelho Neto foi um dos membros fundadores da Academia Brasileira de Letras. Em 1926, passou a presidir a A.B.L. Foi eleito por seus contemporâneos “Principe dos prosadores brasileiros”.

Diz Sergius Gonzaga, professor da Faculdade de Letras da Universidade Federal do Rio Grande do Sul, em sua importante obra, Curso de Literatura Brasileira, 2004, que: “COELHO NETO (1864-1934) é o representante das correntes mais acadêmicas e tradicionais da época, tendo recebido o título de príncipe dos prosadores brasileiros em função do estilo pomposo e solene. Deixou uma obra vastíssima, sendo O turbilhão (1906) e Rei negro ( 1914) seus romances mais apreciados. A prolixidade e o gosto pelo exagero verbal terminaram por obscurecer eventuais méritos de sua ficção”.

Vejamos, agora, mais alguns julgamentos, tanto de críticos literários como de importantes escritores, sobre a obra deixada pelo “Príncipe dos prosadores brasileiros:

Machado de Assis: “É dos nossos primeiros romancistas, e, geralmente falando, dos nossos primeiros escritores”. (A Semana, ed. Jackson, vol. II, pág. 415.)

João Ribeiro: Tenho para mim que Machado de Assis e Coelho Neto são os dois novelistas mais perfeitos da nossa literatura”. (O Imparcial, 25/2/1913.)

Humberto de Campos: “O Sr. Coelho Neto não é, em verdade, apenas um escritor: é uma literatura”. (Crítica, 1ª série, pg. 85.)

Rui Barbosa: “Um dos mais consagrados representantes da nossa cultura”. (Carta a Coelho Neto, em 18/11918.)

Martins Fontes: “O maior dos romancista do Brasil em todos os tempos, o autor de cento e dezoito livros vazados no ouro camoniano”. (Terras da fantasia.)

Luís Murat: “Eu admiro esse trabalhador indefesso e, pondo de parte a íntima amizade que nos une, tenho-o como o nosso primeiro romancista”. (Diario de Notícias, 11/8/1899.)

Júlio Dantas: “Foi um dos mais assombrosos gênios verbais de que se orgulhou, em todos os tempos, a língua portuguesa”. (Discurso na Academia Brasileira de Letras, em 9/8/1941.)

João do Rio: Coelho Neto é no Brasil o que Rudyard Kipling é na inglaterra: o homem que joga com maior número de palavras”. (O Momento Literário.)

Péricles de Morais: O maior escritor brasileiro de todos os tempos” (Carta a Paulo Coelho Neto, em 27/11/1941.)

Nestor Vítor: “Não conheço na literatura brasileira outro que lhe seja superior na faculdade de expressão”. (A Crítica de Ontem.)

João Neves da Fontoura: Discutido, louvado e agredido, ele se fez o mestre da primeira leva de homens de letra da República, que lhe deferiu, como um paradoxo do regime, o principado dos prosadores nacionais”. (Elogio de Coelho Neto.)

Augusto de Lima: Nenhum outro escritor nacional, poeta ou prosador, romancista, teatrólogo ou ensaísta de qualquer gênero logrou a irradiação literária do seu nome no estrangeiro”. (Discurso no Instituto Nacional de Música, 21/6/1928.)

Phileas Lebesgue: “Possui ele a graça na fantasia, a exatidão na abundância e as suas descrições só pode comparar-se às de Ramayana, pela riqueza luxuriante da cor e da vida que as banha”. (Mercure de France.)

Sílvio Romero: “Mont'Alverne, Sales Tôrres Homem, Justiniano da Rocha, Gonçalves Dias, João Francisco Lisboa, José de Alencar, Quintino Bocaiúva, Machado de Assis, Tobias Barreto, Ferreira de Araújo, Joaquim Nabuco, Carlos de Laet, José do Patrocínio, Raul Pompéia, e Coelho Neto. São os nomes dos dezesseis laureados do estilo em nossa terra. Como se está a ver, estão aí em ordem cronológica e enchem o século, a começar em Frei Francisco de Mont'Alverne, o mais fraco em fulgores de forma, até Coelho Neto, o mais imaginoso de todos”. (Evolução dos Gêneros na Literatura Brasileira.)

Josué Montelo: Coelho Neto continua, no silêncio do seu túmulo muito mais vivo do que os vivos que se comprazem em passar-lhe atestado de óbito literário”.

Brito Broca: Quanto a mim, terei alcançado o meu objetivo neste estudo esquemático e despretencioso, em que me esforcei por ser estritamente imparcial, se puder concorrer para que leiam Coelho Neto os que pretenderem doutrinar sobre ele”. (“Coelho Neto Romancista” em O Romance Brasileiro, pág. 243).)

Alceu Amoroso Lima: “Sua língua de opulência enorme, sua imaginação realmente vivíssima, sua capacidade de narrativa extremamente expressiva, fizeram de Coelho Neto um escritor que, combatido a fundo pelos modernistas, há trinta anos passados, hoje ressurge do olvido e recomeça a interesar as novas gerações”. (Quado Sintético da Literatura Brasileira, pág. 61.)

Jorge Amado: “Como todos os escritores de obra numerosa, foi desigual. Tem coisas excelentes – como 'A Conquista' – e outras de importância secundária”. (Enq. De 'Última Hora, em 225/91956.)

Coelho Neto

Henrique COELHO NETO nasceu em Caxias, Maranhão, em 21 de fevereiro, de 1864, e morreu no dia 28 de novembro e 1934, no Rio de Janeiro.

Suas obras mais conhecidas: A capital federal (1893), Miragem (1895), Sertão (1896), Inverno em flor (1897), A conquista (1899), A tormenta (1901), O turbilhão (1906), Rei negro (1914), Mano (1929), Fogo fátuo, (1930).

Segue um trecho do romance de Coelho Neto, Fogo fátuo:

[ESPAÇO DO ROMANCE]

FOGO FÁTUO [Fragmento]

Bivar partira para Paris, como correspondente de A Cidade do Rio, e Anselmo, que residia com ele na sala da frente de uma casa assombradada, na Rua do Riachuelo, pensou em regressar à natureza para praticar a regra de Rousseau, refugiando-se em um cantinho quieto, com árvores de sombra, som de água e vista sobre montes, como gozara no chalé do Andaraí. Mas como os plantões o retinham até as tantas à atulhada mesa da redação de O Diário, onde se empilhavam telegramas e notas policiais da última hora, que tudo ele redigia, interpretando, traduzindo, escoimando, força lhe foi optar por um casarão de cômodos na Rua do Lavradio.

Era um velho prédio maciço, de aspecto senhorial, com um portão de carro imenso, de ombreiras de granito e sólidos batentes de pérolas com almofadas.

No sombrio saguão, lajeado à maneira de claustro e aprofundado em túnel, abrindo sobre um terreno que fora, em tempo velho, jardim pomareiro de árvores raquíticas, uma escada em dois lances, de largos degraus esgaçados, com baulaustrada de bojudas colunas, levava ao andar superior, cuja frente, primitivamente tomada por dois amplos salões de tetos ricos, de estuque, com painéis floridos, fora esquartejada em divisões de tabique, que eram sedes de sociedades políticas, literárias e beneficientes, cujos escudos e emblemas empastelavam as sacadas, hípidas de mastros.

O andar térreo, ao qual se chegava atravessando o negror e a frialdade do túnel, era o seco, esmarrido jardim, que ainda conservava vestígios de canteiros, beirados de fundos de botijas, tufados de matos hirsuto e sujo.

As moradias em renque, de porta e janela e, no interior, saleta e quarto, pareciam achaparrar-se ao peso do sobrado de janelas largas, sempre colgadas de roupas, que trapejavam estabanadamente ao vento.

(Coelho Neto)

REFERÊNCIAS:

CAMPOS, Humberto de. Sepultando os meus mortos. Obra póstuma. Rio de Janeiro: W.M. Jackson Inc., 1941, p. 21, 29.

GONZAGA, Sergius. Curso de Literatura Brasileira. 1ª ed. Porto Alegre: Leitura XXI, 20004, p. 268.

FARIA, Octavio. Coelho Neto. Rio de Janeiro: Agir, 1958, p. 49-50, 126-129.

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GUIMARÃES ROSA – Parte IV (Final)

2011-12-08T20:40:00.007-02:00

João Guimarães Rosa

por Pedro Luso de Carvalho

JOÃO GUIMARÃES ROSA escreveu um único romance: Grande Sertão: Veredas, sua obra mais importante. Como vimos nas partes anteriores deste trabalho, Guimarães Rosa foi autor, também, de outras obras importantes, como, por exemplo, Sagarana. Para a quarta e última parte deste trabalho, sobre a trajetória do escritor, a escolha recaíu justamente sobre a sua obra-prima, Grande sertão veredas.

Na tradição mineira - diz Guilhermino Cesar -, “é que se forma João Guimarães Rosa (1908-1967). Bernardo Guimarães, Afonso Arinos, do século 19, Avelino Fóscolo, Godofredo Rangel e João Lúcio, antes do modernismo, no século 20, Eduardo Frieiro, João Alphonsus, Lúcio Cardoso, Ciro dos anjos, depois do modernismo, são os seus antecessores mais credenciados, na área da ficção”.

No segundo capítulo de Trilhas no Grande Sertão, de Cavalcanti Proença, diz: “Se há necessidade de classificação literária para Grande Sertão:Veredas, não há dúvidas que se trata de uma epopéia”. Sobre essa tese, Proença diz não pretender defendê-la; sente-se confortado apenas com essas anotações: o personagem (Riobaldo), episódios que convergem para a ação principal, o ponto nodal (julgamento de Zé Bebelo).

Sobre a tese de Proença, de tratar-se Grande Sertão:Veredas de uma epopéia, com base nessas anotações, contrapõe-se Donaldo Schüler: “Pergunta-se se estes três aspectos distinguem a epopéia. A resposta é ncessariamente negativa. Protagosnista, episódios convergentes, ponto nodal, estrutuam também o romance bem construído. Se com estes aspectos se pretende definir a epopéia, desaparecem os limites entre esta e o romance e ficamos sem saber porque Grande Sertão: Veredas deve ser classificado como epopéia”.

Mas, o certo é que Donaldo Schüler admite, que Grande Sertão:Veredas contém personagens cujos traços físicos e morais “filiam indubitavelmente o romance à tradição épica. Riobaldo, à maneira de Homero, se refere aos seus heróis como representantes de uma raça deasaparecida, nascida em outros tempos, eram mais fortes do que os homens de agora”.

Apesar de certos epítetos lembrarem a epopéia da Europa medieval, friza Schüler, que “parece-nos incorreto apontar como fontes do romance a Idade Média de além-mar antes de esgotar a nossa própria Idade Média”. E, então, Schüler faz referência a esse período da História, que “no Brasil está vivo nos nossos arcaímos lingüísticos e no folclore do nosso país”.

No que respeita a ser ou não uma epopéia a obra-prima de Guimarães Rosa, Donaldo Schüler, encerra o seu ensaio com este resumo: “Grande Sertão:Veredas tem aspectos épicos em maior número do que os aqui analisados. Estes aspectos épicos enraízam numa importante tradição literária brasileira popular e erudita. Contudo, “Grande Sertão:Veredas não é epopéia. Riobaldo, narrador e personagem central, anda em busca do sentido do mundo e de si mesmo. Esta indagação, que está no núcleo central da obra, faz de “Grande Sertão:Veredas um romance”.

Schüler afirma, no entanto, ser estéril o debate sobre ser ou não, Grande Sertão:Veredas, uma epopéia. Isso não lhe interessa. Para ele o que importa é compreender a obra. Mas, para quem quiser aprofundar-se nessa tese contrária à epopéia, de Donaldo Schüler, encontrará um texto excelente e aprofundado no seu ensaio intitulado O Épico em “'Grande Sertão:Veredas, que integra o livro João Guimarães Rosa (Edições da Faculdade de Filosofia da Universidade Federal do Rio Grande do Sul).

Guimarães Rosa

No que respeita ao ineditismo vocabular e fraseologia eminentemente lúdica, de Guimarães Rosa, a que fizemos referência na primeira parte deste trabalho, pode-se ter uma idéia com estes pequenos trechos, quando o escritor narra a passagem pelo sertão do jagunço Riobaldo, personagem central de Grande Sertão:Veredas, para significar a travessia de todos os perigos do mundo: “(...) a vida é muito discordada. Tem partes. Tem neblinas de Siruiz. Tem as caras todas do Cão, e as vertentes do viver”. E, também, porque “viver é muito perigoso”.

E é justamente essa travessia do sertão, por Riobaldo, com todos os seus perigos, que lhe mostra a sua travessia interior; pelo menos é o que se depreende de sua fala: “Quando foi que eu tive a minha culpa? Aqui é Minas; lá já é a Bahia? Estive nessas vilas, velhas, altas cidades... Compadre meu Quelemén diz: que eu sou muito do sertão? Sertão: é dentro da gente”.

É Riobaldo quem diz, com clareza, no início do romance: “Lhe falo do sertão. Do que não sei. Ninguém ainda não sabe.” Começa aí, no início, a busca, por Riobaldo, para descobrir-se e descobrir o mundo. É nessa travessia que Riobaldo irá conhecer Diadorim; mais tarde, dirá: “Diadorim é a minha neblina”.

NOTA: Para ter acesso ao início deste trabalho, clicar em Guimarães Rosa – Parte I

REFERÊNCIAS

CESAR, Guilhermino. SCHÜLER, Doanaldo. CHAVES, Flávio Loureiro. João Guimarães Rosa. Edições da Faculdade de Filosofia. Universidade Fedral do Rio Grande do Sul. Porto Alegre, s/d, p. 19, 49-51, 79, 80-82, 86.

ROSA, João Guimarães. Grande sertão: Veredas. 3ª ed., Rio de Janeiro, José Olympio, 1963, p. 475, 96, 12.

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GUIMARÃES ROSA – Parte III

2011-11-25T11:06:00.008-02:00

Guimarães Rosa e a esposa Aracy M .de Carvalho

por Pedro Luso de Carvalho

Relembremos um pouco da trajetória de Guimarães Rosa. No ano de 1938, ele parte para Hamburgo. Seis anos foi o tempo que o escritor permaneceu na Alemanha, na condição de cônsul adjunto. Foi nessa sua estada na Alemanha que Rosa conheceu Aracy Moebyus de Caravalho, funcionária graduada do consulado, com quem casou, e com quem viria ter duas filhas.

Durante a Segunda Guerra Mundial Guimarães Rosa e Aracy, protegeram e facilitaram a fuga de judeus do nazismo; essa ajuda, prestada justamente no foco da perseguição aos judeus, levou-o à prisão em Baden-Baden, onde permaneceu por quatro meses. Mais tarde Rosa viria dizer que, além dos milhares de mortos, o que lhe ficou marcado na memória foram os crimes contra a cultura da humanidade.

Aracy, esposa de G. Rosa

De volta ao Brasil, Guimarães Rosa é nomeado chefe de gabinete do ministro João Neves da Fontoura, em 1945. Nesse ano, vai a Paris para participar da Conferência de Paz. Depois, em 1948, vai a Bogotá para, como secretário-geral da delegação brasileira, integrar à IX Conferência Interamericana. De 1948 a 1950 volta a Paris como primeiro secretário e conselheiro da Embaixada, respectivamente.

No seu retorno ao Brasil, em 1951, é nomeado chefe de gabinete do ministro João Neves da Fontoura. Recebe mais duas importantes nomeações: em 1953, de Chefe da Divisão de Orçamento; em 1958, de embaixador.

O espaço de tempo que Guimarães Rosa passa longe do Brasil não o faz esquecer-se de suas raízes. Retorna a Minas Gerais em 1945 para fazer um incursão do interior do Estado com a finalidade de rever a paisagem de sua terra onde passou a infância. Em 1952, excursiona em Mato Grosso, que lhe inspira a escrever uma reportagem poética com o vaqueiro Mariano, cuja publicação foi destinada a poucas pessoas.

Guimarães Rosa publica, em 1956, as novelas de Corpo de baile, na qual dá continuidade à sua experiência em Sagarana. Dos contos, que compõem Sagarana, passa para a novela Corpo de baile, gênero que lhe dá maior espaço para sua narrativa, na qual exibe melhor a força e a riqueza de sua linguagem.

Sobre essa importante obra, Corpo de baile, assim se manifesta Patricia Vessoni Bittencourt: "Corpo de baile é considerado como moderna linha de ficção do regionalismo e posteriormente foi dividido em três livros: Manuelsão e Miguilim, com Campo geral e Uma história de amor; Noites do sertão, com o Recado do morro, Cara-de-bronze e A estória de Lélio e Lina, e No Urubuquaqua, no Pinhém, com Dão-lalalão e Buriti, sem alterar a ordem das novelas".

Guimarães Rosa

Ainda se referindo a Corpo de baile, diz Patricia Vessoni Bittencourt: “A obra possui passagens obscuras, assim como todos os livros do escritor, que busca rodear e devassar o mistério cósmico, a chamada realidade, que é o ser humano, o mundo e a vida”.

Como dissemos na primeira parte deste trabalho, a infância do escritor é transportada para sua ficção, como bem observa Renard Perez: “'Sagarana e Corpo de baile estão cheios dessas recordações. O Burrinho Pedrês, por exemplo, é personagem de infância. Campo geral, a esplêndida novela de abertura de Corpo de baile, também nos traz muito do ambiente de meninice do escritor (...)”.

Quando se fala das suas novelas, Corpo de baile, em Grande sertão:Veredas, único romance do escritor e sua obra-prima, em seus contos, que compõem Sagarana, entre seus outros livros de contos, vale repetir o que se encontra no verbete Guimarães Rosa, do Kogan Larousse, com a Direção de Antonio Houaiss: “Notável pelo ineditismo vocabular e fraseologia eminentemente lúdica. A um só tempo neológica e arcaizante, regional e cultista, mas sempre impregnada de forte carga estética (...)”.

NOTA: para acessar a última parte deste trabalho, clicar em Guimarães Rosa - Parte IV (Final)

REFERÊNCIAS:

VESSONI BITTENCOURT, Patricia. Paulo Cesar Lopes. João Guimarães Rosa. São Paulo: Expressão Popular, 2008, p. 18.

HOUAISS, Antonio. Koogan Larouse. Pequeno Dicionário Enciclopédico. Rio de Janeiro: Larousse do Brasil, 1979, p. 1234.

PEREZ, Renard. Esccritores brasileiros contemporâneos. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1960, p. 179-184.

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GUIMARÃES ROSA – Parte II

2011-11-16T15:26:00.016-02:00

João Guimarães Rosa

por Pedro Luso de Carvalho

Como vimos na primeira parte deste trabalho, formado, Guimarães Rosa iniciou-se no exercício da medicina. Foi dedicado e respeitado pelos pacientes da pequena Itaguara, cidade pobre de Minas, seu Estado. Nesse período, um fato marcou-lhe profundamente: morreu a pessoa que estava sob seus cuidados, e, à vista disso, não sabia que resolução tomar. Ao lado do morto, o padre já esperava para encomendar-lhe a alma, enquanto o jovem médico ainda lhe aplicava injeções e mais injeções como se isso pudesse ressucitá-lo. Passou uma noite terrível. Em casa, mais tarde, muito aflito e sem jantar fechou-se no seu quarto, tomado por preocupações de represálias. Para seu alívio, soube depois que todos os parentes e amigos do morto reconheceram sua luta para salvá-lo.

Deixou Itaguara dois anos mais tarde. De volta a Belo Horizonte ingressou na Força Pública como médico voluntário na Revolução Constitucional de 1932. Posteriormente passou a exercer esse cargo após sua aprovação por concurso público. Tempos depois transferiu-se para Barbacena, na condição de oficial-médico do 9º Batalhão de Infantaria.

Com a vida mais calma e com a segurança que passa a ter com a efetivação no cargo, em 1934, sobra-lhe tempo para dedicar-se também à leitura e ao estudo das línguas, embora não se descuide da medicina. “Estudava línguas para não me afogar completamente na vida do interior” - confessa o escritor. Seus estudos do idioma russo foram aperfeiçoados em Barbacena com um soldado russo da polícia militar de Minas. Depois estudou com cadetes e antigos oficiais do exército tzarista, que faziam parte do Coro dos Cossacos do Juban e do Don, que estiveram nessa cidade.

Nessa época, um amigo seu, que tinha consciência dos seus conhecimentos sobre línguas estrangeiras, sugeriu-lhe: “Se você gosta tanto de estudar línguas, por quê não faz concurso para o Itamaraty?” Depois de pensar sobre esse conselho, decidiu-se a prestar concurso. E, para essa empreitada, comprou livros e entregou-se aos estudos. Assim, em 1934 submeteu-se, no Rio de Janeiro, ao concurso do Itamaraty. Foi aprovado em segundo lugar.

Em que pese os muitos compromissos que tinha nessa nessa época, em nenhum momento deixou de estar atento à literatura. Escreveu contos e versos; estes foram reunidos no livro Magna, com o qual em 1936 concorreu ao prêmio da Academia brasileira de Letras. Obteve boa classificação, mas, por fim, resolveu que não o publicaria. Magna permaneceu inédito por 60 anos, por exclusiva vontade do escritor-poeta. Sua publicação deu-se apenas em 1997, ou seja, 30 anos após sua morte.

No ano de 1937 Guimarães Rosa econtrava-se no Rio de Janeiro, distante de sua terra e tomado de saudade; e foi nessa época que escreveu os contos de Sagarana – o título ainda não definitivo era Sezão -, nos quais mostra seu estilo vigoroso; também neles aparece sua capacidade descritiva quando mostra a beleza selvagem da paisagem mineira. Nesses contos de Sagarana aparecem com a mesma força a vida das fazendas, a vida dos vaqueiros e dos criadores de gado. A gente simples que aparece nos contos, vividas ou imaginadas, estão ligadas à sua infância e mocidade.

Além do estilo da escrita, da descrição da paisagem e da vida na região, a literatura ganha com a riqueza da linguagem desses contos que compõem o livro Sagarana; linguagem essa que se constitui numa marca do escritor; com ela o escritor fala da gente simples do sertão e faz um registro inédito na nossa literatura, que atingirá o seu ápice com Grande Sertão:Veredas. [Não exagerou o poeta Ferreira Gullar quando disse, num programa de televisão apresentado neste semestre de 2011, que qualquer pessoa que pretenda escrever nos mesmos moldes de Guimarães Rosa está fadado ao fracasso.]

Graciliano Ramos

Nesse mesmo ano de 1937 Guimarães Rosa inscreveu-se com Sagarana ao Prêmio Humberto de Campos, instituído na época pela editora José Olimpio; sua intenção era a de ganhar o concurso, mas não apenas isso, queria, também, saber o que pensavam de sua obra, como a avaliavam; para ele a opinião da comissão julgadora era muito importante, já que não conhecia escritores, e assim não tinha o ensejo da troca de ideias. Ainda mais sabendo que dentre os jurados encontravam-se Marques Rebelo e Graciliano Ramos. Em 1938, nomeado cônsul-adjunto em Hamburgo, o escritor segue para a Europa. Aí, recebe a notícia de que Maria Perigosa, de Luís Jardim, fora o livro premiado nesse concurso.

Em 1942, quando o Brasil rompe com a Alemanha, é Guimarães Rosa internado, com Cícero Dias, Cyro de Freitas Vale e outros, em Baden-Baden. Aproxima-se de Cícero Dias, com quem faz amizade, e acaba por lhe mostrar os originais de Sagarana. O pintor gosta do livro, e anima Guimarães Rosa a publicá-lo.

Libertado mais tarde com os outros, em troca de diplomatas alemães, o escritor retorna à América do Sul; depois de rápida passagem pelo Rio, segue para Bogotá, como secretário de Embaixada, de onde volta em 1944. Um ano depois, retoma os originais de Sagarana, e em cinco meses de trabalho árduo e contínuo refaz inteiramente o livro, suprimindo duas histórias. Em 1946, o volume é publicado pela editora Universal, com grande sucesso: recebe o prêmio da Sociedade Felipe d'Oliveira, e é aclamado como uma das mais importantes obras de ficção aparecidas no Brasil nos últimos anos.

NOTA: Para acessar a continuação deste trabalho, clicar em Guimarães Rosa - Parte III

REFERÊNCIAS:

PEREZ, Renard. Esccritores brasileiros contemporâneos. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1960.

VESSONI BITTENCOURT, Patricia. Paulo Cesar Lopes. João Guimarães Rosa. São Paulo: Expressão Popular, 2008.

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GUIMARÃES ROSA – Parte I

2011-11-05T14:35:00.015-02:00

João Guimarães Rosa

por Pedro Luso de Carvalho

JOÃO GIMARÃES ROSA era filho de Florduardo Pinto Rosa, comerciante, e de D. Francisca (Chiquinha) Guimarães Rosa. Nasceu em Candisburgo, Minas Gerais, a 27 de junho de 1908, e morreu no Rio de Janeiro, em 19 de novembro de 1967. No ano de seu nascimento, 1908, morreu Machado de Assis, o nome mais importante da literatura brasileira. O menino João viveu em Candisburgo até a idade de 10 anos, de onde se mudou para Belo Horizonte, para morar com seu avô Luís Guimarães, no Bairro Santo Antonio. Na capital, concluiu o curso primário no Grupo Escolar Afonso Pena, e o secundário no Colégio Santo Antonio, em São João del Rei.

Sobre sua infância, confessou Guimarães Rosa certa vez, numa entrevista: "Não gosto de falar da infância. É um tempo de coisas boas, mas sempre com pessoas grandes incomodando a gente, intervindo, estragando os prazeres. Recordando o tempo de criança, vejo por lá um excesso de adultos, todos eles, mesmo os mais queridos, ao modo de soldados e policiais do invasor, em pátria ocupada. Fui rancoroso e revolucionário permanente, então. Já era míope e nem mesmo eu, ninguém sabia disso. Gostava de estudar sozinho e de brincar de geografia. Mas, tempo bom de verdade, só começou com a conquista de algum isolamento, com a segurança de poder fechar-me num quarto e trancar a porta. Deitar no chão e imaginar histórias, poemas, romances, botando todo mundo conhecido como personagem, misturando as melhores coisas vistas e ouvidas".

Menino João

A infância do escritor é transportada para sua ficção, como bem observa Renard Perez: “'Sagarana e Corpo de Baile estão cheios dessas recordações. "O Burrinho Pedrês", por exemplo, é personagem de infância. "Campo Geral", a esplêndida novela de abertura de Corpo de Baile, também nos traz muito do ambiente de meninice do escritor. O episódio final, da miopia revelada, e o esplendor de um mundo surgido de repente através dos óculos, se entrosa, perfeitamente, com as confissões do escritor na entrevista em questão”.

Guimarães Rosa passou dessa etapa de sua vida escolar para a Universidade, ingressando na Faculdade de Medicina de Minas Gerais, com apenas 16 anos. Formado, trabalhou na Santa Casa de Belo Horizonte, onde conheceu e se tornou amigo de Juscelino Kubitschek, também médico e futuro presidente do Brasil, que, nessa condição, fundaria a cidade de Brasília para tornar-se o Distrito Federal.

No ano de 1929 iniciou a sua carreira de escritor. Escreveu alguns contos para serem publicados pela revista O Cruzeiro, do Rio de Janeiro. Cada um de seus contos rendia-lhe 100 mil-réis. Como ocorre com a maioria dos escritores, seus primeiros trabalhos não chegaram a chamar a atenção dos críticos. Mais tarde, na década de 30, participou de alguns concursos.

Guimarães Rosa casou-se em 1930, aos 22 anos, com a jovem Lígia Cabral Penna (Lili), que na época contava com apenas 16 anos. Doze anos foi o tempo que durou o casamento, desfeito em 1942, antes de sua formatura, na qual representou os formandos como orador. O casal teve duas filhas: Vilma e Agnes.

Guimarães Rosa

O jovem médico começou a trabalhar em Itaguara, cidade pequena e carente do interior de Minas Gerais. Com as frequentes andanças pelo sertão, a desigualdade social com a qual se deparou levou-o a inclinar-se pela literatura. Pessoas que conheceu nesse tempo, como o curandeiro Manoel Rodrigues de Carvalho, inspiraram-lhe a criar os seus célebres personagens; dentre eles, compadre Meu Quelemém, de Grande sertão: veredas. Descontente com o seu trabalho, trocou a medicina pela carreira diplomática.

O escritor que então surgia iria notabilizar-se pela forma de sua escrita, ou, como diz Antonio Houaiss, seria “Notável pelo ineditismo vocabular e fraseologia eminentemente lúdica. A um só tempo neológica e arcaizante, regional e cultista, mas sempre impregnada de forte carga estética. Sua novelística tem sido objeto de numerosos estudos críticos no Brasil e no exterior.”

Na próxima postagem seguiremos com este trabalho sobre a vida e a obra de João Guimarães Rosa.

NOTA: Para ter acesso a parte seguinte deste trabalho, clicar em Guimarães Rosa - Parte II

REFERÊNCIAS:

VESSONI BITTENCOURT, Patricia. Paulo Cesar Lopes. João Guimarães Rosa. São Paulo: Expressão Popular, 2008, p.

HOUAISS, Antonio. Koogan Larouse. Pequeno Dicionário Enciclopédico. Rio de Janeiro: Larousse do Brasil, 1979, p. 1234.

PEREZ, Renard. Esccritores brasileiros contemporâneos. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1960, p. 179-184.

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RUI BARBOSA / No Palco da História

2011-10-25T17:06:00.012-02:00

por Pedro Luso de Carvalho

Rui Barbosa nasceu em Salvador, Bahia, a 5 de novembro de 1849 e morreu em Petrópolis em 1923. O período em que Rui viveu foi talvez o mais significativo e deciso da História contemporânea, como bem observa Gladstone Chaves de Melo, na Introdução que escreveu para o livro Rui Barbosa, Textos escolhidos (Agir, Rio de Janeiro, 1968). No plano histórico, vê-se que na segunda metade do século 19 surgiram, caldearam-se ou contrapuseram-se os fatores de desintegração da sociedade liberal-burguesa. Chaves de Melo dá realce ao fato de que 1848 foi o ano do Manifesto de Marx, tão sem inportância no nascedouro, mas que viria a desencadear um movimento revolucionário expansionista, pan-elavista e ameaçador do mundo inteiro.

Por outro lado, o princípio das Nacionalidades, consagrado no Congresso de Viena, engendera o novo sistema de forças do equilíbrio europeu, dando como consequência a unificação alemã e a unificação italiana, obra de Bismark e de Cavour, respectivamente. A guerra franco-prussiana firmou a hegemonia da Prússia e determinou a fundação do império alemão. Quando Rui concluiu seus estudos superiores já encontrou esse quadro na Europa e suas ressonâncias no Brasil, bem como o início, aqui, de agitações políticas e sociais, a que ele estará profundamente ligado: abolição, República, ditadura, afirmação do poder civil, enfatiza Chaves de Melo.

Na Europa e no mundo sucedem-se acontecimentos que representam a tomada-de-posição para a grande partida de 1914-1918. Além da obra política e unitária de Cavour e de Bismark, ocorreu a expansão colonial inglesa e francesa, a guerra hispano-americana, com a independência de Cuba e a vitória dos Estados Unidos (1898), a guerra dos boers (1900), a vitória de Porto Arthur (1904-1905), a Trípice Aliança, entre a Alemanha, Áustria e Itália, o entendimento franco-russo. Por mais alheada que estivesse a sociedade por mais engolfada que andasse na belle époque, os políticos mais responsáveis sentiam a gravidade da situação e apontavam para as nuvens de borrasca no horizonte.

Ainda um pouco mais desse período em que Rui viveu. A Conferência de Paz em Haia, na qual Rui tomou parte e teve papel destacado e original - como preleciona Chaves de Melo -, foi um esforço inútil, para afastar a catástrofe. Sobreveio a guerra, primeiro ato trágico da liquidação da civilização burguesa. Ainda no caso do conflito aparece a primeira consequência social da tomada-de-consciência das classes oprimidas, a Revolução Russa, logo disvirtuada e transformada em ditadura de grupo. Cinco anos depois, às vésperas da morte de Rui, assumia o poder na Itália Mussolini, marco primeiro da reação totalitária nacionalista e prólogo da guerra de 39.

Nesse período em que viveu Rui, vê-se que, no plano estético, surgiu a renovação simbolista por volta de 70 e, depois, os primeiros sinais da renovação modernista. Tanto de uma como de outra coisa ficou isento Rui, conservando-se fiel ao classicismo, ao parnasianismo e ao purismo, que lhe orientaram o gosto e a obra literária – diz Gladstone Chaves de Melo; e acrecenta:

Viveu, pois, Rui no período crítico do fim de uma civilização, mas não se deviou de seus ideais, reagiu às inovações e lutou bravamente pela preservação das liberdades conseguidas e contra os avanços do absolutismo, que não chegou a ver triunfante, aqui e alhures, sob formas e ideologias novas. Guardou o que de bom teve a Revolução Francesa e a Declaração de 1776, contentando-se em ser um soldado da democracia e um lidador da pureza republicana. Não foi um homem de platéia; esteve no palco da História.

In Rui Barbosa. Textos Escolhidos. 2ª ed. Agir Editora, Rio de Janeiro, 1968.

STEINBECK - Pensamentos a esmo sobre cães a esmo

2011-10-13T21:06:00.011-03:00

por Pedro Luso de Carvalho

Antes de ter lido John Steinbeck, vi alguns de seus romances adaptados por Hollywood. Daí para os livros foi um pulo. Isso faz muito tempo, quando ainda não me encontrava absorvido pelos livros jurídicos, na universidade.

As obras de Steinbeck, adaptadas para o cinema foram: As vinhas da ira, dirigido pelo célebre John Ford e interpretado por Henry Fonda, John Carradine e Jane Dawell; esta recebeu o Oscar de melhor atriz coadjuvante. Ratos do deserto, adptado em 1939, teve como intérpretes Lon Chaney Junior e Burgess Meredith e foi indicada para o Osmar em quatro categorias. Vidas amargas, (ou A leste do Éden) foi imortalizada por uma das poucas atuações de James Dean no cinema e teve como diretor Elia Kazan. O Henry's full house, que se constitui em cinco roteiros independentes, teve cada história apresentada pelo próprio Steinbeck, que sempre esteve distante das câmeras.

A obra de Steinbeck, que retrata os meios populares da California, ainda serve nos dias que correm como modelo da cultura norte-americana e se mantém como um documento social e marco da literatura. Isto se deve ao realismo presente em seus livros, bem como às suas experiências em técnicas de narrativas ricas em simbolismo e uma elaboração mítica com a força da voz naturalista. O pronunciamento de Anders Osterling, em 1962, quando fez a entrega do prêmio Nobel da Literatura a Steinbeck, diz bem sobre a importância desse escritor:

“Entre os mestres da literatura moderna, Steinbeck, mais que nenhum outro, continua ele mesmo independente por sua posição e por sua obra. Há nele uma tendência e um humor macabro que, até certo ponto, compensa seus temas muitas vezes cruéis. Sua simpatia se dirige sempre para o oprimido, o inadaptado, o infeliz; gosta de opor à alegria simples da vida à sede brutal e cínica do dinheiro”.

No Brasil, a Record publicou alguns romances de Steinbeck, quais sejam: A pérola, O menino e o alazão, O curto reinado de Pepino IV, O Vale sem fim, Viajando com Charley, O filho desejado e, mais recentemente, As vinhas da ira, em 1999, já na sua 9ª edição. Com As vinhas da ira Steibenck recebeu o Prêmio Pulitzer. Esse romance já havia sido publicado no Brasil pela Abril Cultura, em 1972, integrando a coleção Os imortais da literatura universal.

John Steinbeck nasceu em 1902, em Salinas, na California. Aluno da Universidade de Stanford, deixou os estudos para se dedicar a empregos variados. Trabalhou em plantações, na rodovia de Big Sur e na indústria de sardinha, cenário de várias de suas obras. Depois de tentar a vida como escritor free lance em Nova York, retornou à terra natal. A popularidade chegou aos 33 anos, com Tortilha Flat – que abriu caminho para o sucesso de As vinhas da ira e Vidas amargas (A leste do Éden) . Foi correspondente na Segunda Guerra Mundial e na Guerra do Vietnã. Recebeu o prêmio Nobel de Literatura de 1962 e morreu em 1968. (Dados biográficos de Jackson J. Benson, autor da biografia John Steinbeck, Writer ganhadora do prêmio Pen West USA de não-ficção.)

english bull terrier

Além dos romances acima mencionados como as principais obras de Steinbeck, outros integram a lista de suas principais obras: Pastagens do céu, 1932; Boêmios errantes, 1935; Luta incerta, 1936; Ratos e homens, 1937; The sea of Cortez, 1941; A longa noite sem lua, 1942; A rua das ilusões perdidas, 1945; Os náufragos do autocarro, 1947; A leste do Éden, 1952 e O inverso de nossa desesperança, 1961.

Segue a crônica Pensamentos a esmo sobre cães a esmo, de John Steinbeck, (In A América e os americanos. Tradução de Maria Beatriz de Medina. organizado por Susan Shillinglaw e Jackson J. Benson. São Paulo: Record, 2004, p. 173-175):

PENSAMENTOS A ESMO SOBRE CÃES A ESMO

Um homem muito sábio, escrevendo recentemente sobre o surgimento e o desenvolvimento de nossa espécie, sugere que a domesticação do cachorro teve a mesma importância que o uso do fogo para o primeiro homem. Pela associação com o cachorro, o homem dobrou sua percepção e, além disso, o cão - dormindo aos pés do homem primordial - permitiu descansar um pouco sem ser pertubado por animais sorrateiros. Os usos do cachorro mudam. Um dos primeiros tratados sobre cães em inglês foi escrito por uma abadessa ou prioresa num grande convento religioso. Ela lista o cão de guarda, o de caçar coelhos, o cão da Espanha chamado spaniel e usado para encontrar aves feridas, o cão "venatório" etc. e, finalmente, diz: "Existem aqueles pequenos cães brancos levados por damas para afastar delas as pulgas". Quanta sabedoria havia aqui. O câozinho de colo não era um enfeite, mas uma necessidade.

O cachorro em nossos dias, mudou de função. É claro que ainda temos cães usados para a caça e os galgos para as corridas, e os pointers, setters e spaniels para suas complicadas profissões, mas em nossa população total de cachorros estes são minoria. Muitos cães são usados como enfeite, mas de longe a maior parte serve de consolo para a solidão. O confidente de um homem ou uma mulher. Uma platéia para os tímidos.Um filho para quem não tem filhos. Nas ruas de Nova York, entre as sete e nove da manhã, a gente vê a lenta procissão de cachorro e dono seguindo da rua para a árvore, para o hidrante, para a cesta de lixo. São de apartamento. São levados à rua duas vezes por dia e, embora seja um clichê, é espantoso como dono e cachorro se parecem. Chegam a andar igual, a ter o mesmo tipo de cabeça.

Nos Estados Unidos, estilos e cães mudam. Há a alguns anos o ariedale era o mais popular. Agora é o cocker, mas o poodle está chegando lá. Há uns mil anos consigo lembrar que havia boxers por toda a parte.

Nos Estados Unidos, tendemos a levar ao extremo raças de cães que não trabalham. Criamos colies com cabeça tão comprida e estreita que não conseguem mais encontrar o caminho de casa. O daschshund ideal é tão comprido e baixo que sua espinha cede. Nossos dobermanns são paranóicos. Desenvolvemos um boston bull com cabeça tão grande que os filhotes só podem nascer por cesariana.

Não é sensato lamentar o cão de apartamento. Sua espectativa de vida é quase o dobro do cachorro do campo. Seu tédio, provavelmente, é muitas vezes maior. Certo dia entrei num taxi e dei o endereço de uma loja de animais. O motorista perguntou:

- O senhor quer um cachorro? Porque eu posso lhe arrumar um cachorro. Arranjo cachorros.

- Não é um cachorro, mas como é isso de arranjar cachorros?

- É assim - disse o taxista. - Sábado à noite, num apartamento, tem um sujeito e a mulher secando uma garrafa de gim. Aí pela meia-noite começam a brigar. Ela diz: "Esse seu cachorro danado. Quem é que limpa a sujeira dele e leva ele pra passear e dá comida, e você só chega em casa e faz um carinho na cabeça dele". E o sujeito diz: "Não fale assim do meu cachorro". "Odeio ele, diz ela. "Tá bom colega", diz ele, "se é assim que você quer... Venha Spot", e ele e o cachorro vão pra rua. O sujeito senta num banco, pega o bicho no colo e chora, e depois os dois vão prum bar e o sujeito conta pra todo mundo que mulher nenhuma pode tratar seu amigo assim. Bem, dali a pouco eles fecham o bar e já é tarde e o efeito do álcool começa a passar e o sujeito quer ir pra casa. Aí ele entra no taxi e dá o cachorro pro motorista. Acontece comigo toda noite de sábado.

Já tive alguns cachorros espantosos. Um que recordo com prazer foi um english setter enorme. Via coisas incompreensíveis. Latia durante horas para uma árvore, mas só para aquela árvore. Na estação das uvas só comia uvas, que colhia da parreira, uma uva de cada vez. Na estação das peras vivia de peras derrubadas pelo vento, mas não tocava em maçãs. Com o passar dos anos foi ficando cada vez mais transcedental. Acho que finalmente acabou desacreditando das pessoas. Pensava que eram um sonho seu. Reunia todos os cães da vizinhança e fazia-lhes conferências ou sermões silenciosos e certo dia concentrou sua atenção em mim por uns bons cinco minutos e depois foi embora. Ouvi falar dele em diferentes partes do estado. As pessoas tentavam fazê-lo ficar, mas num ou dois dias ele partia. Minha opinião era que tinha visões e tornou-se missionário. Seu nome era T-Dog. Muito tempo depois, a mais de cem quilometros de distância, vi um letreiro pintado numa cerca que dizia “T-God”. Estou convencido de que ele trocou as letras de seu nome e desde então saiu pelo mundo para levar sua mensagem a todos os cães.

Tive todos os tipos de cachorro, mas há um que sempre quis e nunca tive. Nem sei se ainda existe. Costumava haver no mundo um english bull terrier branco. Era atarracado, mas rápido. Seu fucinho era pontudo e os seus olhos eram triangulares, de forma que sua expressão era de um riso cínico. Era amigável e nada brigão, mas se forçado a lutar era ótimo nisso. Fazia uma ideia favorável e decente de si mesmo e nunca era covarde. Era um cão pensativo, voltado para si mesmo, mas ainda assim tinha uma curiosidade enorme. Era pesado de ossos e ombros. Seu pescoço fazia um belo arco. Às vezes cortavam sua orelha, mas nunca seu rabo elevado. Era um bom cachorro para um passeio. Um cachorro excelente para dormir ao lado da cama de um homem. Era delicado em seus sentimentos. Sempre quis um deles. Me pergunto se ainda existe no mundo.

(John Steinbeck)

REFERÊNCIAS:

STEINBECK, John. A América e os americanos. Tradução de Maria Beatriz de Medina. organizado por Susan Shillinglaw e Jackson J. Benson. São Paulo: Record, 2004, p. 173-175

STEINBECK, John. O filho desejado. Título original: Burning Bright, 1950. Apresentação. 2ª ed. Rio de Janeiro: Record, s/d.

EDGAR ALLAN POE / Para Helena

2011-10-01T15:38:00.011-03:00

por Pedro Luso de Carvalho

Edgar Allan Poe descende de uma família pobre. Seus pais eram artistas ambulantes. Quando eles morreram o menino ainda não tinha completado três anos. Um casal escocês supriu a sua falta de filhos adotando-o. No registro civil seu nome passou a ser o mesmo de seus adotantes: Allan. Os pais adotivos matricularam o filho num colégio em Glasgow, Escócia. Depois, também no regime de internato, passou a estudar em Londres. Com a mudança da família para os EUA, em 1820, o menino (de volta ao seu país), ingressou numa escola particular de Richmond, Virginia.

Em 1823 ingressou na Universidade de Virginia, em Charlotteville, onde permaneu por apenas um ano. Motivo de ter deixado os estudos: seu pai decidiu que ele não voltaria a estudar nessa universidade em razão de seu comportamento com relação ao vício do álcool e do jogo. A sua situação junto à família tornou-se insustentável. Poe então muda-se para Boston e ingressa no exército (West Point), deixando-o três anos mais tarde.

No ano de 1829 morreu sua mãe adotiva. Nesse mesmo ano Poe lançou a primeira edição de “Tarmelane and other poems”. Após o rompimento com seu pai passou a viver sob a proteção de Maria Clemm, sua tia. Com esta e sua prima, mudou-se para Baltimore. Em 1835 casou com a prima Virgínia, que contava com apenas treze anos de idade.

Após o casamento, Poe tentou distanciar-se do álcool, mas não obteve êxito. Em 1841 sua jovem esposa é acometida de uma grave doença, que, em 1847, a levaria à morte. A partir daí a saúde de Poe passou a debilitar-se ainda mais. E morre em 1849 , com apenas quarenta anos, num triste final que contrasta com a riqueza da obra do escritor, do crítico literário e do poeta: foi recolhido das ruas bêbado e levado a um hospital da cidade.

Poe legou-nos uma obra nesses gêneros de inestimável valor. Seu gênio ultrapassou as fronteiras norte-americanas; na França foi acolhido com grande entusiasmo por Baudelaire, Mallarmé e por fechado grupo de escritores e poetas eruditos de Paris, que se encarregaram de fazer a divulgação de sua poesias e contos na Europa.

Edgar Allan Poe nasceu em Boston a 19 de janeiro de 1809 e morreu em Baltimore a 7 de outubro de 1849. Hoje vemos que o seu gênio foi reconhecido em seu país, na Europa, e, mais tarde, em praticamente em todo o mundo Ocidental. Seu poema mais conhecido: The Raven (O Corvo). Abaixo, transcrevo o poema “Para Helena”, de Poe:

PARA HELENA

Vi-te uma vez, só uma, há vários anos,

já não sei dizer QUANTOS, mas NÃO MUITOS.

Era em junho; passava a meia-noite

e a lua, em ascensão, como tua alma,

nos céus abria um rápido caminho.

O luar caía, um véu de seda e prata,

calma, tépida, embaladoramente,

em cheio, sobre as faces de mil rosas,

que floreciam num jardim de fadas,

onde até o vento andava de mansinho.

Caía o luar nas faces dessas rosas,

que morriam, sorrindo, no jardim

pela tua presença enfeitiçado.

Toda de branco, vi-te reclinada

sobre violetas; e o luar caía

sobre as faces das rosas, sobre a tua,

voltada para os céus, ai! de tristeza!

Não foi o Destino, nessa meia-noite,

não foi o Destino (que é também Tristeza)

que me levou a esse jardim, detendo-me

com o incenso das rosas que dormiam?

Nenhum rumor. O mundo silenciava.

Só tu e eu (meu Deus! Como palpita

o coração, juntando estas palavras!) ...

Só tu e eu... Parei... Olhei...

E logo todas as coisas se desvaneceram.

(Lembra-te: era um jardim enfeitiçado.)

Fugiu a luz de pérola da lua.

Os canteiros, os meandros sinuosos,

flores felizes, árvores aflitas,

tudo se foi; o próprio odor das rosas

morreu nos braços do ar que as adorava.

Tudo expirara... Tu ficaste... Menos

que tu: a luz divina nos teus olhos,

a alma nos olhos para os céus voltados.

Só isso eu vi durante horas inteiras,

até que a lua fosse declinando.

Ah! que histórias de amor se não gravavam

nas celestes esferas cristalinas!

que mágoas! Que sublimes esperanças!

que mar de orgulho, calmo e silencioso!

e que insondável aptidão de amar!

Mas, afinal, Diana se sepulta

num túmulo de nuvens tormentosas.

Tu, como um elfo, entre árvores funéreas,

deslizas, Só TEUS OLHOS PERMANECEM.

NÃO QUISERAM fugir e não fugiram

Iluminando a estrada solitária

de meu regresso, não me abandonaram

como fizeram minhas esperanças.

E ainda hoje me seguem, dia a dia.

São meus servos – mas eu sou seu escravo.

Seu dever é luzir em meu caminho;

meu dever é SALVAR-ME por seu brilho,

purificar-me em sua flama elétrica,

santificar-me no seu fogo elíseo.

Dão-me à alma Beleza (que é Esperança).

Astros do céu, ante eles me prosterno

nas noites de vigília silenciosa;

e ainda os fito em pleno meio-dia,

duas Estrelas-d'Alva, cintilantes,

que sol algum jamais extinguirá.

(Edgar Allan Poe)

REFERÊNCIAS:
Poemas e Ensaios. Edgar Allan Poe. Tradução de Osmar Mendes e Milton Amado. Revisão e notas de Carmen vera Cirne Lima. 3ª ed. revista. São Paulo: Globo, 1999.

[CONTO] TCHEKHOV - Enfermaria nº 6

2011-09-20T20:40:00.021-03:00

por Pedro Luso de Carvalho

Em 1979 a editora Editor:Victor Civita publicou As três irmãs e Outros contos, com a tradução de Maria Jacinta e de Boris Boris Schnaiderman, este, sem dúvida, o melhor tradutor do contista russo. Dentre os contos que foram escolhidos para esse livro encontramos um dos contos mais famosos de Anton Tcheckhov, qual seja, A Enfermaria nº 6.

A história contada por Tchekhov tem como personagem central o médico-chefe de um hospital que acabou sendo internado na Enfermaria nº 6, onde passaria a conviver com doentes mentais. Nessa enfermaria, que ficava anexa ao hospital, cinco pacientes eram supervisionados por Nikita, que os observa com todo o rigor e crueldade.

Um desses pacientes ocupava importante posição social, outro, um judeu chamado Moseika ficou demente aos vinte anos, quando sua oficina foi completamente destruída por um incêndio. Moseika é o único interno que tem permissão de sair do pavilhão e mesmo do hospital. Sai pelas ruas para mendigar, e quando retorna Nikita toma-lhe o dinheiro que recebia como esmola.

Ivan Dmitri Gromov, demente, chega a ser posto a ferros, como ocorria com os degredados. Sofria de mania de perseguição. Examinado pelo Dr. Ranguin, este o encaminha para a Enfermaria nº 6. O quinto paciente a ser internado foi ex-funcionário dos correios, que costumava falar com Gromov das condecorações que dizia ter recebido.

O hospital era dirigido pelo Dr. Ranguin, que aspirava seguir a carreira teológica, mas foi impedido pelo seu pai, também médico, que insistiu para que o filho seguisse a sua profissão, intento que teve êxito. O Dr. Ranguin homem corpulento, com tom de voz baixo, movimentava-se com certa lentidão, e era, em muitos aspectos, uma pessoa contraditória. Não se vestia como médico, e demonstrava indiferença no que dizia respeito à sua aparência. Também achava que o hospital era uma instituição imoral, que em nada contribuia para a saúde dos pacientes.

O trabalho do Dr. Ranguin era extenuante. Sentia-se cansado pelo trabalho e pela monotonia do hospital, que a cada dia era mais monótono. Achava que o seu trabalho como médico era inútil. Num dia atendia 30 pacientes, no outro 35, depois 40, num ramerrão terrível que abrangia meses e anos. Chegou a atender 12 mil pessoas num só ano. O Dr. Ranguin sentia que o seu trabalho era uma fraude.

A vida do Dr. Ranguin, já tomada pelo desânimo, sofre uma mudança expressiva: deixa de comparecer ao trabalho todos os dias, e quando vai hospital defronta-se com os mesmos aborrecimentos que o afligiam ao longo dos anos. Quando volta para casa dedica-se à leitura de obras de filosofia, biologia e história. Em determinado dia faz uma visita à Enfermaria nº 6 para conversar com o interno Gromov, o que viria a repetir-se por vários dias.

O Dr. Ranguin percebe que o doente mental, Gromov, é pessoa muito inteligente, e logo sente ser ele um bom parceiro para conversar. Essas repetidas visitas e as longas conversas como o interno Gromov começa a causar estranheza em todos os funcionários do hospital, até que o Dr. Khobotov percebeu que seu colega não estava bem de suas faculdades mentais. Depois dessa conversa, o Dr. Ranguin começa a notar que o tratam com estranheza.

Uma carta foi entregue ao Dr. Ranguin, que tinha como remetente o prefeito, que o convidava para uma reunião, e que parecia ser importante. Lá chegando encontrou, além do prefeito, o chefe da guarnição, superintendente do distrito escolar, um membro do conselho, o Dr. Khobotov, e um outro médico. O Dr. Ranguin sentiu-se desconfortável ante essa recepção.

O Dr. Khobotov pergunta-lhe qual a data do dia da semana, quantos dias tem o ano; pergunta-lhe, ainda, se é verdade que o interno Gromov é um notável profeta. O Dr. Ranguin responde-lhe que se trata de um rapaz muito inteligente. Nessa altura dos acontecimentos o Dr. Ranguin já tinha percebido que o seu estado mental estava sendo submetido à prova.

Nesse mesmo dia, à noite, o chefe dos correios, vai até a casa do seu amigo, o Dr. Ranguin, para dar-lhe o conselho de que deveria sair de férias, que, segundo o Dr. Khobotov a viagem seria benéfica para sua saúde. Seu amigo não poupou esforços para convencê-lo a acompanhá-lo a Moscou, São Petersburgo e Varsóvia. Na sua volta encontra o Dr. Khobotov ocupando o seu lugar, fato que o levou a procurar outro lugar para alojar-se.

A Enfermaria nº 6, que é um dos contos mais longos de Tchekhov, termina de forma trágica: desempregado, o Dr. Ranguin não tem meios para pagar o aluguel, e seu destino acaba sendo a Enfermaria nº 6, na qual é internado na condição de doente mental. O Dr. Ranguin passou então a usar o roupão azul dos dementes da Enfermaria nº 6. A sorte, no entanto, não o abandonou: um ataque de apoplexia levou-o à morte, um dia após sua internação no pavilhão dos dementes.

[Ver: Anton Tchekhov / Mestre do Conto]

AFONSO ARINOS / Artur Moreira Lima

2011-09-09T16:42:00.005-03:00

Afonso Arinos de Melo Franco

por Pedro Luso de Carvalho

Afonso Arinos de Melo Franco foi escritor, professor, parlamentar, historiador, cientista político, jurista, crítico, ensaísta e poeta. Nasceu em Belo Horizonte, Minas Gerais, a 27 de de novembro de 1905. Filho de Afrânio de Melo Franco e de Sylvia Alvim de Melo Franco. Foi sobrinho de Afonso Arinos (primeiro deste nome), mestre do regionalismo brasileiro. Seus filhos, Afonso Arinos (o terceiro deste nome), diplomata, e Francisco Manoel, engenheiro civil e economista.

A carreira de Afonso Arinos de Melo Franco iniciou-se quando foi nomeado promotor de justiça da comarca de Belo Horizonte; ocupou esse cargo nos anos de 1927 e 1928. Foi professor catedrático de Direito Constitucional nas universidades do Rio de Janeiro, atual Universidade Estadual do Rio de Janeiro, e a do Brasil, hoje Universidade Federal do Rio de Janeiro. Foi deputado federal em três legislaturas (de 1947 a 1958), pelo Estado de Minas Gerais. Foi senador pelo antigo Distrito Federal, hoje Estado do Rio de Janeiro, em 1958. Por duas vezes exerceu o posto de Ministro das Relações Exteriores.

Afonso Arinos de Melo Franco foi eleito em 1958 como membro da Academia Brasileira de Letras, preenchendo a vaga da cadeira número 25, de que é patrono Junqueira Freire, em sucessão a José Lins do Rego. Disputou essa vaga com Guimarães Rosa, que somente seria escolhido para a A.B.L. na segunda vez que se canditou; desta vez, para preencher a vaga aberta com o falecimento de João Neves da Fontoura. Afonso Arinos foi convidado por Guimarães Rosa para recebê-lo na sua posse, em 1964.

Afonso Arinos de Melo Franco foi casado com Anah Pereira de Melo Franco, neta do Conselheiro Rodrigues Alves. Além dos filhos, mencionados acima, o casal teve dez netos. Depois de uma vida operosa como homem público e como escritor, faleceu no dia 27 de agosto de 1990, na cidade do Rio de Janeiro.

No quarto livro de memórias de Afonso Arinos de Melo Franco (Alto-mar maralto, José Olympio, Rio de Janeiro, 1976, p. 91-92), encontramos uma referência feita pelo escritor à visita que fez com sua mulher, Anah, ao excepcional músico brasileiro Artur Moreira Lima, quando este residia com a mulher em Paris. Segue o texto de Afonso Arinos, que integra esse seu quarto livro de memórias:

Afonso Arinos de Melo Franco - Fomos hoje à casa de Arthur Moreira Lima, o mestre brasileiro de piano que mal passa de trinta e três anos.Ele é o marido de Eliana, que conheci criança, filha de meu caro Adauto Cardoso. Foi uma noite rica de emoções. Primeiro por ver aquele inteligente casalzinho tão brasileiro, ele do Estácio, no Rio, ela de Curvelo ou adjacências, em Minas, escondido nos arredores de Viena, junto das filhinhas e de dois pianos. Arthur Moreira Lima tocou para Anah e para mim. Vimo-lo frágil, curvado sobre o teclado que dominava com uma força inesperada naquele corpo exíguo, de carioca fumante e notívago. E como dominava! Chopin e Mozart são especialidades que o prendem desde os anos que passou em Moscou e que, hoje, já o levam aos auditórios da Europa e da América. Trinta e três anos e uma experiência, uma segurança, uma nitidez de técnica sem exaltação de movimentos que logo dizem de sua mestria e madureza. Não lhe via as mãos, pois ele estava de costas, e mal os braços, porque só no necessário afastava-os do corpo esbelto e curvo. Com seus cabelos compridos, lisos e de pontas desiguais, como os que aparecem em certos retratos do tempo da Revolução Francesa, as costas encurvadas, parecia-me uma grande ave pousada na banqueta, o “gavião de penacho” de Afonso Arinos. Enquanto isso a magia do Noturno de Chopin subia das notas, ora em sequências delicadas, soltas como o fumo que se evola, ora em revoada tumultuosa, quando o gênio do romantismoo supersensível espírito passional e contraditório de Chopin mostrava bem aquilo que Madame de Staël, no livro de reconhecimento inaugural do romantismo, chamou com precisão “Sturm und Drang”, por causa da poesia de Schiller. Quando eu era moço, havia, no modernismo brasileiro, desprezo por Chopin e era, mesmo, de bom tom manifestar esse sentimento. Oswald de Andrade tem um poema sobre Paris em que ironiza:

"As filhas dos concierges tocam Chopin

Em pianos alugados".

É que Chopin, em certos momentos, parece que brinca com a música e fá-la acessível ao sentimentalismo, coisa diversa do sentimento. Mas tudo isso é engano, quando se presencia uma interpretação como a de Cartot, que opuvi no Municipal do Rio anos atrás, ou esta, agora, de Moreira Lima. A força desfreada da paixão turbilhona em Chopin num desespero sem retórica, igual aos maiores momentos do Romantismo, aos versos de Baudelaire, Lamartine, Musset, Vigny, Victor Hugo. Digo sem retórica porque ela é diferente da eloquência e é, às vezes, o contrário da cultura. O romantismo das telas de Delacroix, dos romances de Balzac, das Memórias de Chateaubriand, das esculturas de Rude. Essa torrente de gênio francês tão superior ao naturalismo e ao simbolismo.

Quanto a Mozart, a outra especialidade de Moreira Lima, é aquele anjo de sempre. Mozart me dá ideia de angelismo profissional, desatento ao seu luxurioso e frívolo século. Mas, ccom surpresa para mim, que tão pouco conheço de música e história da música, Artur Moreira Lima explica-me que, na vida pessoal, não foi nada angélico. Vivia nos centros viciosos de Viena, compôs canções obcenas, se não estou enganado levou vida tão desregrada que terá contribuído para sua morte prematura. Mas, para mim, é sempre como aqueles anjos de Guido Reni ou de Rafael, que transmitem, por instrumentos mágicos, entre estrelas e raios, as vozes inefáveis do céu.

ALBERTO MORAVIA & Sua Obra – Parte I

2011-08-26T00:23:00.002-03:00

Alberto Moravia

por Pedro Luso de Carvalho

Alberto Moravia nasceu na cidade de Roma, Itália, a 22 de novembro de 1907, onde morreu, em 26 de setembro de 1990. No registro civil recebeu o nome de Alberto Pincherle. Passou parte de sua juventude tratando de uma tuberculose óssea. Como a doença manteve-o de cama durante cinco anos, entre os nove e os dezessete anos, até 1924, seus estudos regulares não passaram de nove anos.

O primeiro livro de Moravia foi Gli indifferenti (Os indiferentes); parte dele foi escrito quando ainda estava de cama, doente. Concluiu o livro em 1925, e o viu publicado em 1929, com vinte e um anos de idade. Na Itália, o livro foi muito bem aceito. Sobre essa aceitação, assim se manifestou Moravia a The Paris Review:

“Foi, com efeito, um dos maiores êxitos de toda a moderna literatura italiana. A maior, na verdade; o posso dizê-lo com toda modéstia. Jamais houve coisa igual. Livro algum, certamente, nos últimos cinquenta anos, foi acolhido com tão unânime entusiasmo e excitação”.

Moravia deu ênfase ao fato de que Gli indifferenti (Os indiferentes) teve uma recepção sem precedentes, e que não houve nenhum outro que a ele se assemelhasse em toda sua carreira – desde essa época -, como não aconteceu a nenhum outro escritor.

Além da grande atenção que o romance Gli indifferenti despertou na Europa, também teve excelente receptividade nos Estados Unidos, na sua segunda tradução; o New York Times disse que Moravia era “um dos escritores contemporâneos verdadeiramente importantes, tão imparcial, observador, nada sentimental, e humano como Stendhal.”

Moravia

O escritor disse que com esse livro (Os indiferentes) não teve nenhuma intenção de reagir contra coisa alguma; já a crítica entendeu que o romance contém um crítica acerba contra a burguesia romana, como dos valores burgueses em geral; Moravia disse que não é nada disso, e que se trata apenas de um romance; se alguma crítica há, não é intencional.

Para Moravia, “a função do escritor não é, de qualquer modo, criticar, mas apenas de criar personagens vivos; não mais que isso. Escrevo para divertir-me, para entreter os outros e para exprimir-me”.

Depois constatamos que Moravia abriu uma exceção ao escrever La Mascherata, peça teatral, que, contrariando o que se constituiu em regra em sua ficção, isto é, de escrever romances, contos ou peça teatral sem qualquer crítica social; La Mascherata, é, na verdade, uma peça crítica. A ideia de escrevê-la surgiu em 1936, quando Moravia esteve no México; o cenário hipano-americano inspirou-lhe uma sátira.

De volta à Itália, a ideia permanceu; em 1940 foi para Capri para escrever La Mascherata. Em Roma, dirigiu-se ao Ministério da Cultura para obter licença para publicá-la, mas a obra foi censurada; logo depois, Mussolini autorizou a sua publicação. Decorrido um mês, o livro foi retirado de circulação, e só voltou às livrarias depois da Libertação, em 1945.

Declarou Moravia não ser moralista, mas, em outro momento, disse: “Uma obra de arte, por outro lado, tem uma expressão representativa e expressiva. Nessa representação, as ideias do autor, seus juízos, o próprio autor, acham-se comprometidos com a realidade. Eu suponho, colocando as coisas dessa maneira, que sou, afinal de contas, até certo ponto, um moralista. Nós todos o somos, todo homem é um moralista à sua própria maneira, mas, além disso, ele é muitas outras coisas”.

O interesse de Moravia pelo teatro começou cedo, quando era jovem. Sempre leu peças teatrais, a maioria delas de Shakespeare, Molière, Goldoni, Lope de Vega, Calderón. Para o teatro escreveu, entre outras peças, uma adaptação de seu primeiro romance, Gli indeppenti, e a peça para o teatro, La Mascherata.

Em suas leituras é atraído pela tragédia, que, para ele, é a maior de todas as formas de expressão artística, como o teatro é a mais completa das formas literárias. Lamenta que não mais exista o drama contemporâneo, que o drama moderno não exista mais – para ele existe apenas nas representações, mas não tem sido escrito.

Ainda sobre o drama, disse Moravia que nenhum escritor moderno criou o drama – a tragédia – no sentido mais profundo da palavra; nem mesmo O'Neill, Shaw, Pirandelo... “A base do drama é a linguagem, a linguagem poética”. Dá realce de que mesmo Ibsen, o maior dos dramaturgos modernos – que se valeu da linguagem cotidiana – não conseguiu criar o verdadeiro drama.

REFERÊNCIAS:

COWLEY, Malcolm. Escritores em ação. Tradução de Brenno Silveira. 2ª ed. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1982.

PATRICK, Julian. Grandes escritores. Tradução de Livia Almeida e Pedro Jorgensen Junior. Rio de Janeiro: Sextante, 2009.

ALBERTO MORAVIA & Sua Obra – Parte II

2011-08-16T15:13:00.000-03:00

Moravia e Pier Paolo Pasolini

por Pedro Luso de Carvalho

Na primeira parte deste trabalho discorri sobre Gli indifferenti (Os indiferentes), o primeiro romance de Alberto Moravia, escrito quando o escritor ainda estava de cama, doente, e que foi concluido em 1925, cuja publicação deu-se somente em 1929, quando contava vinte e um anos de idade. Disse também que Gli indifferenti foi um dos maiores êxitos de toda a moderna literatura italiana; e que o o New York Times disse que Moravia era “um dos escritores contemporâneos verdadeiramente importantes, tão imparcial, observador, nada sentimental, e humano como Stendhal.”

Também fiz referência à peça La Mascherata, escrita por Moravia em Capri, no ano de 1940, obra que foi censurada pelo Ministério da Cultura de Mussolini; e que em seguida o líder facista – Duce, como era conhecido - autorizou a sua publicação, e que, decorrido apenas um mês, o livro foi retirado de circulação, e só voltou às livrarias depois da Libertação, em 1945. Agora, saindo dessas duas obras - o primeiro romance e a primeira peça para o teatro -, o enfoque será o cinema.

Para o cinema, o pouco que escreveu não lhe agradou. Maravia pergunta-se: “até que ponto permitirá o cinema a expressão plena?” Diz que “a câmara é um instrumento menos completo que a pena, mesmo que nas mãos de Eisenstein. Jamais poderá exprimir tudo aquilo, digamos, que Proust era capaz de fazê-lo”. Mas admite ser o cinema espetacular, transbordando de vida.

Para Moravia, o trabalho para o cinema não é inteiramente penoso, mas é exaustivo. Para ele, quem escreve para o cinema não passa de um homem-ideia, ou um cenarista; não passa de um subalterno. Não sente satisfação em escrever para o cinema – o nome do escritor não aparece sequer nos cartazes, depois de executar uma tarefa amarga.

Depois, Moravia fala do cinema como arte impura: “todo o processo não passa de cortar e deixar secar. A inspiração da gente torna-se rançosa, quando se trabalha no cinema – e, o que é pior ainda, a mente da gente se acostuma para sempre a procurar truques e, ao fazê-lo, acaba por arruinar-se, por destruir-se.” Para Moravia, escrever para o cinema sequer vale o que é pago ao escritor, a menos que necessite do dinheiro.

Esse tratamento que o cinema dispensa ao escritor, cujo trabalho é recebido com certo descaso, como se queixa Moravia, não se trata de um caso isolado, ao contrário, ao longo do tempo foi uma constante, como se vê por alguns exemplos dignos de registro. Um desses registros é feito pela escritora norte-americana Dorothy Parker, que também escreveu para o cinema, em entevista que concedeu à The Paris Review, em Nova York:

“O dinheiro de Hollywood não é dinheiro – diz Parker. É neve congelada, derrete em sua mão, e você fica na mesma. Não posso falar de Hollywood. Foi um horror para mim, e é um horror olhar para trás. Não consigo compreender como pude aguentar. Quando saí de lá, não conseguia nem me referir ao lugar pelo nome. “Lá”, eu falava”.

Dorothy Parker diz mais sobre sua relação com o cinema, quando a entrevistadora pergunta se Hollywood destrói o talento do artista: “Não, não. Acho que ninguém no mundo baixa o nível do que escreve. Mesmo que produzam lixo – diz Parker -, os escritores de Hollywood não baixam o nível. Aquilo é o máximo que podem dar. Se você vai escrever, não finja que baixou o nível. Vai ser o melhor que você pode fazer, e é isso que mata.”

Na sua fala sobre a precária situação do escritor que escreve para o cinema, Dorothy Parker, além de falar de seu caso pessoal, cita o que se passou nesse tipo de relacionamento com o célebre Scott Fitzgerald, e diz que o mal de Hollywood são as pessoas – e acrescenta: “Como o diretor que põe o dedo na cara de Fitzgerald e reclama: 'Eu paguei. Então, você precisa nos pagar'”. Parker diz que foi terrível com Scott; “se você o visse, ficaria doente”. Diz que quando o autor de The Great Gatsby (O grande Gatsby) morreu “ninguém foi ao seu enterro, nenhuma alma, sequer mandaram uma flor. (...) Foi nojento o que fizeram com Scott”.

Depois desses exemplos de desconsideração para com o escritor, pela Sétima Arte, o tema sobre Alberto Moravia, é retomado, deixando o cinema e retornando à Literatura. Outro livro famoso de Moravia, o romance La Romana, que se destinava ao gênero conto, que não passaria de quatro páginas, quando Moravia começou a escrevê-lo, em 1º de novembro de 1945. Passado alguns meses sentiu que se tratava de um romance, e quando o personagem da história fugiu de seu controle, sentiu que a inspiração não era autêntica.

E essa mudança ocorreu porque Moravia não se valeu de notas para escrever La Romana. Aliás, o escritor nunca se valeu de anotações para escrever suas obras, o fazia de antemão. “Confio na inspiração, que, às vezes, vem e, às vezes, não. Mas não fico sentado à espera dela. Trabalho todos os dias”.

A história de La Romana deveu-se a uma mulher chamada Adriana, que o escritor conheceu, e que lhe inspirou; nada mais além da inspiração, pois, como disse o escritor, a viu apenas uma vez; então, imaginou tudo, inventou tudo. Moravia escreveu esse livro duas vezes, depois, numa terceira vez, trabalhou o livro de forma minuciosa, com muito cuidado, até o momento em que ficou satisfeito com a obra. A personagem Adriana tornou-se uma das melhores, dentre as personagens que criou.

Segue um trecho do romance de Moravia, La Romana:

[...] Já outras vezes tinha reparado que a cama ficava encostada numa porta de comunicação com o quarto ao lado. Assim que apaguei a luz, vi que os dois batentes da porta estavam separados e deixavam filtrar uma fresta vertical de luz. Levantei-me nos cotovelos sobre o travesseiro, meti a cabeça entre os arabescos de ferro batido da cabeceira da cama e colei o olho na fresta. Não era curiosidade, pois já sabia o que poderia ver e ouvir, mas sim o medo dos meus pensamentos e da solidão que me levavam a procurar, embora espionando, companhia do quarto ao lado. Mas por um bom pedaço, não vi ninguém. Diante da fresta havia uma mesa redonda; a luz do lustre caia do alto sobre a mesa. Atrás da qual, numa sombra fechada entrevia o reflexo de um espelho de armário. Porém, ouvia vozes: eram as conversas de sempre, que já conhecia de cor, as perguntas costumeiras sobre a cidade natal, a idade, o nome. A voz da mulher era tranquila e reticente, a do homem, apressada e ansiosa. Falavam num canto do quarto, talvez já estivessem na cama [...]”

Para acessar a primeira parte deste trabalho, basta clicar em ALBERTO MORAVIA & Sua Obra – Parte I.

REFERÊNCIAS:

COWLEY, Malcolm. Escritores em ação. Tradução de Brenno Silveira. 2ª ed. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1982 p. 84-90.

PLIMPTON. George. Escritoras e a arte da escrita. The, Paris Review. Tradução de Maria Ignez Duque Estrada. Rio de Janeiro: Gryphus, 2001, p. 87-88.

MORAVIA. Alfredo. A Romana. Tradução de Maria Colasanti. 1ª ed. Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 1972, p. 361.

ALBERTO MORAVIA & Sua Obra – Parte III

2011-08-10T14:02:00.000-03:00

Alberto Moravia

por Pedro Luso de Carvalho

Quanto a influência que talvez tenha sofrido em Gli indifferenti (Os Indiferentes), no que diz respeito à técnica da narrativa, Moravia aponta para Dostoiévski, com o que com ele aprendeu na complexidade do romance dramático; Crime e castigo, é um dos exemplos; com Joyce, com o que aprendeu com ele no que respeita ao uso do tempo ligado à ação.

Moravia chama a atenção para que não se confundam imaginação com fantasia, por serem duas ações distintas da mente; e lembra Benedetto Croce e da grande distinção que faz entre elas em seu livro. Para ele todos os artistas devem ter imaginação, e alguns tem fantasia, como ocorre com Ariosto, e na ficção científica. Já Madame Bovary, de Flaubert, é um excelente exemplo da presença da imaginação e ausência da fantasia.

O escritor diz que seus antecessores literários foram Manzoni, Dostoiévski e Joyce. Apreciava os franceses, principalmente os autores do século dezenove: Voltaire, Diderot. Depois desses, Stendhal, Balzac, Maupassant. Dentre os poetas, gostava de Rimbaud e Baudelaire, e de alguns poetas modernos que se assemelhavam a Baudelaire. Quanto aos escritores da lingua inglesa, gostava de Shakespeare, Dickens, Poe, Butler, Thomas Hardy, Joseph Conrad, Stevenson, Woolf.

James Joyce

Quanto a Joseph Conrad, Moravia diz que é um grande escritor; e quanto a Dickens, que está entre os escritores que admira, diz que tal admiração está ligada apenas ao romance The Pickwik Papers, que, para ele, é o único bom trabalho de Dickens; já sobre Stevenson, afirma gostar apenas de alguma coisa do que escreveu.

Para Moravia, que tinha a ambição de escrever um livro cômico - o gênero mais difícil de todos, no seu entender -, dizia que poucos são os livros desse gênero; e menciona quais são eles: Dom Quixote, Rabelais, The Pickwik Papers, O Asno de Ouro, os Sonetos de Belli, Almas Mortas, de Gogol, Boccaccio e o Satyricon”. Esses eram, para Moravia, os seus livros ideais.

Tendo uma formação literária clássica, em sua maior parte, como dizia Moravia de si mesmo, pouco se interesava pelos escritores realistas e naturalistas, embora fosse de seu conhecimento que estes influenciaram de forma indireta a literatura italiana do pós-guerra, principalmente através de Vittorini; sem negar, contudo, que essa influência não deixa de ser americana, aduzindo tratar-se de influência americana vittorinizada. Aduz, ainda, que Vittorini e essa espécie de prosa poética a gente pode encontrar em certos trechos de Hemingway e Faulkner.

Falando sobre os grandes espaços vazios na tradição do romance italiano, Moravia afirma que “a Itália já teve o romance, há muito tempo. (...) mas, desde a Contra-Reforma, a sociedade italiana não gosta de ver-se no espelho. O grosso da literatura narrativa é, afinal de contas, desta ou daquela forma, crítica. (...) os italianos preferem a beleza à verdade”.

Marcel Proust

Sobre o futuro do romance, Moravia disse para The Paris Review, que “o romance, tal como o conhecíamos no século dezenove, foi morto inteiramente por Proust e Joyce”. E acrecenta que eles formam os últimos escritores do século dezenove. “Parece, agora - diz Moravia -, como se estivéssemos caminhando para o roman à idée ou o romance documentário – quer se trate de romance de ideias, ou, então, do romance da vida, tal como esta se processa, sem pressupostos criados, nem psicologia”.

Ainda discorrendo sobre o romance moderno, frisa Moravia que um bom romance pode ser de qualquer espécie, “mas as duas formas que hoje prevalecem são o romance-ensaio e o romance documentário, ou experiência pessoal, quelque chose qui arrive. A vida assumiu duas maneiras em nossa época: a multidão e os intelectuais. A época da multidão é toda ela acidente; a época do intelectual, toda ela filosofia”. E acrescenta: “Hoje não existe burguesia, mas somente a multidão e os intelectuais”.

Encerro esta terceira parte sobre a obra de Alberto Moravia – na próxima postagem, Moravia será ainda o enfoque - com um trecho do último romance que publicou em vida, Il Viajo a Roma, 1988; mais tarde o romance foi publicado no Brasil, pela Bertrand Brasil, em 1991, com o título Viagem a Roma, com tradução de Mario Fondelli; o trecho que segue, do romance Viagem a Roma, está no primeiro parágrafo, do primeiro capítulo, p. 5:

“Durante o vôo abri ao acaso o volume de poesias de Guillaume Apollinaire; os meus olhos pousaram sobre um verso: 'Aqui estás em Roma, sentado embaixo de uma nespereira do Japão', e deixei-me levar pela imaginação: por que uma nespereira do Japão? O que tinha a ver com Roma aquela árvore asiática? E, uma vez que Apollinaire era o modelo e um verdadeiro guia para mim, o que iria representar na minha vida, ao voltar para Roma, a nespereira do Japão?”

REFERÊNCIAS:

COWLEY, Malcolm. Escritores em ação. Trad. de Brenno Silveira. 2ª ed. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1982.

PATRICK, Julian. Grandes Escritores. Trad. de Livia Almeida e Pedro Jorgensen Junior. Rio de Janeiro: Sextante, 2009.

MORAVIA. Alberto. Viagem a Roma. com trad. de Mario Fondell. Rio de Janeiro: Bertrand Brasil, em 1991, p.5.

ALBERTO MORAVIA & Sua Obra – Parte IV (Final)

2011-07-30T21:11:00.000-03:00

por Pedro Luso de Carvalho

Alberto Moravia foi registrado no cartório civil como Alberto Pincherle. Nasceu Roma, a 28 de novembro de 1907, onde morreu, em 26 de setembro de 1990, aos 83 anos. O seu último romance, 'Il Viaggio a Roma', foi escrito em 1988. Foi um dos maiores escritores do século 20. Além disso, foi um defensor intransigente dos direitos humanos, para cujas lutas estava sempre disposto a enfrentar. Embora fosse um homem público, resguardou com rigor sua privavacidade, à qual poucas pessoas tiveram acesso.

Ênio Silveira disse, na apresentação de Il Viaggio a Roma: “Era, como escritor, um dos mais legítimos herdeiros da grande tradição realista, que temperava com os molhos aparentemente antagônicos do marxismo e das teorias freudianas, e também um intelectual militante, sempre disposto a intervir, com grande paixão, nos debates do cotidiano, animado de uma permanente curiosidade cultural que não admitia barreiras nem quaisquer limitações de natureza sectária”.

Obras de Moravia, entre outras: [romances]: Os Indiferentes, Agostinho, A Romana, O Conformista, A Ciociara (Duas mulheres), La Mascherata (A Mascarada), Vidas Vazias, O homem que Olha, 1934, Viagem a Roma. [contos]: A Corça e Outros Contos, Contos Romanos, Novos Contos Romanos, Contos Satíticos e Realistas, A Coisa e Outros Contos [livro de viagem]: A quale tribù appartieni?.

Em agosto de 1986, o jornal literário LEIA publicou (p.12-13) trechos de uma longa entrevista concedida por Alberto Moravia a Jean Montalbetti e publicada pela revista francesa Magazine Littéraire. Nessa data, a entrevista encontrava-se no prelo para ser publicada na íntegra pela Civilização Brasileira. Segue trechos dessa entrevista:

Jean Montalbetti - Moravia, com seu último livro, o Homem que Olha, certamente vão dizer: “Eis mais um romance de Moravia sobre sexo!” Não se trata mais de um romance sobre o poder e a dominação?

Moravia - Eu quis fazer o retrato de um homem idoso julgado por um mais jovem. O filho tem a metade da idade do pai. Este é um homem de poder, um grande burguês; o outro está do lado da moral, é um antigo rebelde de 1968. Pode ser que estes sejam dois aspectos diferentes da minha vida. O poder não é somente um poder social, é também um poder sexual. O sexo em meus romances é uma metáfora, não é sexo puro. Eu coloquei, portanto, de um lado a agressão sexual e de outro a moral. É um romance especulativo. Quanto à relação pai-filho, muito comum no romance europeu, apenas a conduzi até o fim, até a competição sexual.

Há entre este pai e filho um problema de herança; não apenas de um apartamento que deveria passar para o filho com a morte de sua mãe, mas a herança de uma concepção de mundo, ao qual o filho ligou-se contra sua vontade.

Moravia – O filho é que se submete. É um intelectual, e são sempre os intelectuais que se submetem. Fracassou, como professor e como marido. Ele não teve êxito em sua contestação porque não acredita mais. Na Itália, a contestação teve duas épocas: uma constestação individual, que dizia respeito aos costumes, e outra que se exprimiu no terrorismo. Eu fui simpático ao primeiro movimento, mas detesto o segundo. Em 68 me senti, pela primeira vez, de acordo com um movimento político. Eu sou um homem de esquerda, mas não posso ser soviético. Senti um ódio feroz contra Stálin, que foi a ruína do socialismo. Fui antifacista toda minha vida, mas, sendo um intelectual, não podia ignorar que as coisas não estavam boas para os intelectuais na URSS.

Entretanto, como deputado no Parlamento em Estrasburgo, você pertence ao grupo comunista na Assembléia Européia. Por quê?

Moravia - Quando das eleições européias, existiam três partidos aos quais eu podia me integrar: o Partido Comunista Italiano, o Partido Socialista e o Partido Radical. Apenas o PCI pediu-me para figurar em sua lista. Mas, você sabe, a Itália é um país hiperindividualista, cada um pode ter sua própria interpretação, tanto no domínio da fé como no da ideologia. Por outro lado, nenhum partido é bom para um intelectual. O artista busca o absoluto, o político procura o relativo.

Como escritor tem a impressão de ter contribuido para a liberação sexual?

Moravia – A liberação sexual foi uma verdadeira revolução, vivida como conquista coletiva. Eu contribuí modestamente para ela. Acredito de fato, que o sexo pode ser uma conquista do ponto de vista do escritor, quando ele escolhe falar sem tabus. Mas a revolução sexual foi, antes de tudo, anônima. Foram as próprias pessoas que descobriram que podiam se interessar pelo sexo sem cair no pecado.

Seu pai foi a pesonalidade dominante em sua família. Você teve com ele teve relações conflituosas?

Moravia – Não, porque havia uma grande diferênça de idade entre nós. Era um homem do século XIX, nascido em 1863. Tinha, portanto, 45 anos mais do que eu. Meu pai era um homem gentil. Dedicava-se à profissão de arquiteto; não se ocupava da casa e muito menos da família. Durante o dia, trabalhava; à noite, ia ao café. Ele morreu aos 82 anos, em 1944, no hospital. Eu tinha então 37. Não estava ao lado dele porque participava da Resistência. Ao contrário, minha mãe é que era a personalidade dominante da família.

Você sempre foi atraído por mulheres com personalidade dominante? Penso principalmente de suas duas primeiras mulheres, Elsa Morante e Dacia Moraini.

Moravia – Não posso viver com uma mulher que não tenha uma originalidade de artista. Eu detesto, em uma mulher, a determinação social. Uma mulher que fosse o espécime de uma classe seria cômica. Ora, o cômico é inimigo do amor. Minha mãe era uma mulher de pequena nobreza da província, quase uma camponesa, simples, com paixões fortes. Ela estava fora das classes. Casou-se em 1903 porque era a regra, mas ela era muito bovarista. Quanto a mim, é sobretudo o fato de ser um artista que influenciou meu gosto pelas mulheres originais. A civilização é masculina. O homem é perfeitamente integrado. A mulher é historicamente marginal. Tem um pé na sociedade e um pé fora. Ainda faz parte de um universo que é o da natureza. Mesmo hoje, na Itália, ela está apenas semi-integrada. É justamente isto que me interessa em uma mulher.

Ao longo de seu último livro, um tema obsessivo se exprime sob a forma de uma angústia existencial: o da bomba, do cogumelo atômico atrás da cúpula da catedral de São Pedro. Esta é uma grande preocupação sua. Você chegou, inclusive, a desenvolver uma pesquisa, em vários países sobre a ameaça nuclear.

Moravia – Eu sou mais que um pacifista. Sou zoólogo. Interessa-me a salvação da espécie. É por isso que, como deputado europeu, encarreguei-me deste programa antiluclear. Dirigi uma pesquisa no Japão, na Alemanha, na URSS. Interroguei intelectuais, bonzos, militares, políticos. O pessimismo é geral. A espécie humana pode ser aniquilada. Entre os EUA ea URSS existe um estoque de 50 mil bombas. Ora, é suficiente 20% deste potencial para destruir o mundo. As classes dirigentes não sabem o que fazer. O único meio de evitar a guerra é as massas estarem conscientes do perigo. Ora, atualmente, as massas são ignorantes e fatalistas.

A tentatação da morte, você afirma, existe como uma necessidade de vitalidade. Mas para o escritor tudo já estava escrito: o inverno nuclear está no Apocalipse.

Moravia – Eu não gosto do Apocalipse. É o devaneio de uma minoria impotente diante de um mundo antigo. Não aprecio as imagens do Apocalipse porque elas são barrocas. Mas esta imagística barroca exprime uma situação muito real: é uma visão catastrófica sobre o mundo pagão que ele se apressa em conquistar.

Em seu último livro, você trata em diversos momentos, do voyeur. Às vezes dá a impressão de que para você o voyeur é, por excelência, o romancista.

Moravia – O voyeur, sim, é o romancista. E nos dá a visão do buraco da fechadura, do que poderia ser visto de outra forma. Um tipo que era terrivelmente voyeur é Dostoiévski. Ele nos faz assistir à confissão de assassinato de Raskolnikov para Sonia, por intermédio de Svidrigailov, que observa toda a cena através do buraco da fechadura. Da mesma forma, encontramos em Heródoto, o caso mais perfeito de voyeurismo: o rei observa seu cortesão, que observa a rainha. Robbe-Grillet também utilizou o tema do voyeur . Há aí toda uma teoria literária (...).

Mudando de assunto, você pode nos dizer como vive sua velhice?

Moravia – Aos 78 anos, penso que a velhice é uma decadência física. O que me abalou muito é não poder andar mais como antes, quando percorria vários quilômetros. Meus contemporâneos estão mortos. Meus amigos são todos muito mais jovens do que eu – têm entre 30 e 40 anos. Eu não sou um homem que gosta de ter um cortejo em torno de si, como foi o caso de Visconti. Meus amigos me interessam dentro de uma relação paritária. Era, por exemplo, muito ligado a Pasolini, que tinha 55 anos em 1975, quando foi assassinado. Era quase um irmão para mim. Nós tínhamos viajado juntos pela África, Marrocos, Índia. Vivi sua morte como uma catástrofe pessoal. Mas não renuncio. Vivo mais ou menos como vivia quando tinha 20 anos. Casei com Elsa Morante, vivi 20 anos com Dacia Moraini. Acabo de tornar a me casar aos 78 anos. Eu detesto o passado, eu detesto o que não é o presente ou o futuro. Estou para escrever um novo livro cujo título provisório é Mãe, Esposa, Filha.

A mulher permanece para você o modelo de observação por excelência?

Moravia - Eu não nego que tenha um interesse particular pelas mulheres. Elas são a metade da humanidade.

JOÃO CABRAL DE MELO NETO / A Mulher do Hotel

2011-07-18T16:25:00.013-03:00

por Pedro Luso de Carvalho

Entrevistado por uma revista brasileira, há muito tempo, João Cabral de Melo Neto disse, entre outras coisas, que não acreditava em inspiração para escrever poemas; para ele, essa é uma tarefa que exige método e dedicação. Foi nessa entrevista que o poeta pernambucano disse – não sei se pela primeira vez – que escrevia poesia com cinco por cento de inspiração e noventa e cinco por cento de transpiração.

Não é por outro motivo que os críticos e os escritores de 1945 combateram a sua poesia, quer pelo rigor de sua construção, quer pela secura de sua linguagem, que ficava muito distante dos poemas inspirados da época. João Cabral era para eles um poeta racional e sem coração. Não é por outro motivo que é tido por poeta engenheiro.

Em entrevista concedida ao Jornal do Brasil, Caderno B, Rio de Janeiro, em 16 de agosto de 1968, João Cabral respondeu a uma pergunta feita justamente sobre inspiração; eis a resposta do poeta:

Inspiração não tenho nunca. Aliás, como diz Auden, a poesia procura a gente até os 25 anos. Depois, é a gente que tem de procurá-la, inspirá-la. Confesso que desde o início construí minha poesia. Rendimento é uma questão de trabalho e método. De sentar todos os dias à mesma hora. O rendimento dos primeiros dias pode ser menor, mas depois se torna regular.

Em 1958 a José Olympio Editora publicou o livro de João Cabral de Melo Neto intitulado Duas Águas (Poemas Reunidos). Esse volume encerrou as obras publicadas em Poemas Reunidos, Rio de Janeiro, 1954, e estes outros livros: Morte e Severina, Paisagens com Figuras, Uma Faca só Lâmina.

Os Poemas Reunidos citados compreendiam: Pedra do Sono, Recife, 1942; Os três Mal-Amados, 1943; O Engenheiro, Rio, 1945; Psicologia da Composição com a Fábula de Anfion e Antiode, Barcelona, 1947, e O Cão sem Plumas, Barcelona, 1950. Esses livros - editados no volume intitulado Duas Águas (Poemas Reunidos) - sofreram algumas modificações, que o poeta considerou-os definitivos.

Para a edição neste espaço, escolhemos o poema de João Cabral, A Mulher do Hotel, que integra o livro Duas Águas (Poemas Reunidos):

A MULHER DO HOTEL

A mulher que eu não sabia

(rosas nas mãos que eu não via,

olhos, braços, boca, seios)

deita comigo nas nuvens.

Nos seus ombros correm ventos,

crescem ervas no seu leito,

vejo gente no deserto

onde eu sonhara morrer.

Terei de engolir a poeira

que seus cabelos levantam

e pousa na minha alma

me dando um gosto de inferno?

Terei de esmagar as crianças?

Pisar nas flores crescendo?

Terei de arrasar as cidades

sob seu corpo bulindo?

Hei de achar um cemitério

onde em seu pé plantarei.

Vou cuspir nos olhos brancos

desta mulher que não sei.

(João Cabral de Melo Neto)

REFERÊNCIAS:

ATHAYDE, Félix de. Idéias fixas de João Cabral de Melo Neto. 4ª impressão. Rio de Janeiro: Nova Fronteira: FBN; Mogi das Cruzes, SP: Universidade de Mogi das Cruzes, 1998, p. 48.

DE MELO NETO, João Cabral. Duas águas. Poemas reunidos. Rio de Janeiro: José Olympio, 1956, p. 161.

ALDOUS HUXLEY / Arte e Intelecto

2011-07-08T00:18:00.022-03:00

Aldous Huxley

por Pedro Luso de Carvalho

Aldous Huxley nasceu a 26 de julho de 1894, em Godalming, Surrey, Inglaterra. A sua descendência contribuiu, sem dúvida, para que não tivesse muitos percalços na sua caminhada, já que descendia de duas das mais eminentes famílias vitorianas. Também a genética viria contribuir para que Huxley se tornasse um dos escritores mais importantes do século XX: herdou de seu avô, T. H. Huxley, a ciência, e de seu tio-avô, Matthew Arnold, as letras.

Por outro lado, a sua saúde não lhe dava muita margem para dela vangloriar-se. Foi acometido de uma doença nos olhos, ceratite, que o deixou quase cego. Estudou no Eton College e no Balliol College. A falta de visão não lhe permitiu concluir os seus estudos. Retomou-os após alguns anos; munido de óculos, com grossas lentes, ingressou na prestigiada Universidade de Oxford, onde conluiu a faculdade de literatura inglesa.

Um passo importante na vida de Huxley deu-se em 1919, quando se associou com J. Middleton Murry, editor da Athenaeum . E foi justamente nessa época que começou a escrever versos, ensaios e trabalhos históricos. Tais gêneros nunca seriam abandonados pelo escritor. A partir de 1920, a sátira social viria constituir-se em nota especial, e quase sempre presente em sua obra.

Em 1937 Aldous Huxley mudou-se para os Estados Unidos, onde fixou residência em Los Angeles, Califonia, num subúrbio chamado Hollywooland. Aí dedicou-se a escrever mais sobre filosofia, história e misticismo, e menos romances. Escolheu Los Angeles para viver, e aí iria morrer.

Com o seu livro Admirável Mundo Novo (Brave new world), editado nos Estados Unidos em 1932, Huxley ganhou a simpatia de muitos leitores jovens; por muito tempo constituiu-se na leitura favorita dos universitários intrangigentemente agnósticos, que nunca se preocuparam em ler nenhum outro romance do autor, como disse Jacqueline Hazard Bridgeman, no prefácio que escreveu para o livro de ensaios de Aldous Huxley, intitulado Huxley e Deus.

Jachie H. Bridgeman

Jacqueline Hazard Bridgeman escreveu nessse prefácio (trecho): “Nos seus romances e ensaios dos anos 20, Huxley era sarcásticamente cético, descrente da religião e do recolhimento em que viviam fiéis devotos. Seus deuses eram vida, amor e sexo. Desdenhava a religião que negasse essa trilogia. Abominava as colocações de Swift, Pascal, Baudelaire e mesmo São francisco de assis! De acordo com Huxley, eles eram pessoas que odiavam a vida”. [É oportuno dizer que o escritor teve dois casamentos.]

Bridgeman diz, também, que “Os primeiros mentores de Huxley foram os apaixonados amantes da vida - Robert Burns, D. H. Lawrence e William Blake. Usando suas palavras, ele era um adorador da vida. O seu Deus era o Deus da Vida. Ele acreditava na diversidade do ser humano; todos os desejos satisfeitos, mas temperados pela razão. A moderação pregada por Aristóteles. A filosofia da justa moderação era, como Huxley escreveu, uma questão de equilíbrio dos excessos balanceados.”

Místico - diz Bridgeman -, Huxley tornou-se devoto de Prabhavananda, monge da ordem de Ramakrishma, da Índia. Depois que o autor começou a fazer uso de mescalina e de LSD, viu-se obrigado a afastar-se da ordem, porque Prabhavananda não admitia o uso de drogas como atalho para aguçar a percepção espiritual. Prabhavananda dizia que “se o indivíduo se torna tolo quando entra no estado visionário induzido, permanece tolo quando retorna à consciência normal”. Huxley escreveu sobre a mescalina, As portas da percepção (The Doors of Perception), em 1954, que se tornou leitura obrigatória para a cultura emergente hippie e psicodélica dos anos 60.

Depois dessa experiência com Prabhavananda, Huxley foi atraído por Krishnamurt, mais próximo do Zem do que do Vedanta. Antes de ter se aproximado de Prabhavananda, Huxley havia pertencido à Sociedade Vedanta, da qual se afastou, mas continou a escrever seus ensaios para a revista.

Huston Smith, professor de religião e de filosofia da Universidade de Siracusa e da Universidade de Berkeley, USA, conheceu Aldous Huxley quando tinha 28 anos. Quando Huxley morreu, disse Smith: “o mundo perdeu uma inteligência excepcionalmente criativa. Mais concretamente, perdeu uma mente enciclopédica. Quando um importante jornal concluiu que a décima quarta edição da Enciclopédia Britânica devia sofrer uma revisão, ninguém ficou surpreso quando pediram a Huxley que o fizesse”.

O professor Huston Smith realça ainda importantes traços do caráter de Aldous Huxley e seu interesse pela religião: “Mais marcante do que o nível de sua mente, entretanto, eram sua simpatia e interesse. Poucas notáveis inteligências, desde Williams James, foram tão abertas. O respeito de Huxley pelo misticismo era conhecido à força de ser quase notório. O que alguns deixaram de perceber foi o seu igual interesse pelo mundo cotidiano e suas exigências: paz, explosão populacional e conservação de nossas reservas naturais”. (Huxley escreveu a respeito dos horrores da guerra nuclear, O macaco e a essência (Ape and Essence), em 1948).

Malcolm Cowley, responsável pelo prefácio para The Paris Review, deu sua impressão sobre Aldous Huxley: “Nas maneiras e no falar, é muito gentil. Onde se poderia esperar encontrar o satírico mordaz ou o vago místico, a gente, em lugar disso, se impressiona, de um lado, ao ver quão tranquilo e delicado é ele e, de outro, como é sensível e voltado para a terra. Suas maneiras refletem-se em seu rosto magro, cinéreo, emaciado: ele é atencioso, reflexivo e, quase sempre, sério. Ouve, pacientemente, enquanto os outros falam e, então, responde com deliberação”.

Henry James

Nessa entrevista que concedeu à The Pais Review, Huxley falou, entre outras coisas, de religião, do método que usa para escrever seus romances, de suas obras, de crítica, de escritores e de como eles escrevem.

O entrevistador perguntou a Huxley se é um romancista nato, ele responde que não. “Tenho grande dificuldade, por exemplo, em inverter enredos. Certas pessoas nascem com um dom surpreendente para contar histórias; é um dom que jamais possuí. (...) A grande dificuldade, para mim, foi sempre criar situações”. Nessa altura da entrevista, Huxley enaltece Alexandre Dumas: “Santo Deus, como é bom o Conde de Monte Cristo".

Huxley dá realce ao talento de Dumas para contar histórias, mas, para ele, “isso não constitui a última palavra. Quando se encontra um narrador que executa – diz -, ao mesmo tempo, uma espécie de significado que se assemelha a uma parábola (como se tem, por exemplo, em Dostoiévski ou no melhor de Tolstói), isso é algo extraordinário, julgo eu. Fico sempre pasmo quando releio algumas das coisas curtas de Tolstói, como A Morte de Ivan Ilyich. Que espantoso trabalho é esse! Ou algumas das narrativas breves de Dostoiévski, como, por exemplo, as Notas do Subterrâneo”.

Ainda falando à revista The Paris Review sobre os escritores que foram importantes para ele, Huxley disse que quando era estudante lia os romancista franceses, dando destaque para Anatole France, que o considerava antiquado (na época da entrevista), e que não o lia há mais de 40 anos. Disse também lembrar-se de ter lido “o primeiro volume de Proust em 1915, e de ter ficado muito impressionado por ele. Relio-o, não faz muito, e senti-me curiosamente decepcionado”.

Huxley disse também ter lido Gide naquela época. O entrevistador então pergunta-lhe se sofreu influência de Gide e de Proust, e o escritor respondeu: “Suponho que alguns de meus primeiros romances sejam vagamente proustianos. Não creio que jamais torne a fazer experimentos (...)”.

Virginia Woolf

A The Paris Review perguntou a Huxley se ele havia sido muito influenciado por Joyce; e esta foi sua resposta: “Não... jamais o fui muito. Jamais obtive muita coisa com a leitura de Ulisses. Penso que é um livro extraordinário, mas parte muito grande do mesmo consiste em demonstrações um tanto extensas de como não se deve escrever um romance.

O entrevistador perguntou a opinião de Huxley sobre os escritos de Virginia Woolf, e o escritor disse-lhe que “Suas obras são bastante estranhas. São belas, não são? Ela vê com incrível clareza, mas sempre como se o fizesse através de um anteparo de vidro; jamais toca em coisa alguma. Seus livros não são diretos. São bastante intrincados para mim”.

A o entrevistador da revista (The Paris Review) quis saber ainda o que o escritor pensa sobre Henry James. Huxley deu sua opinião de forma bastante sucinta: “James deixa-me bastante frio. É evidentemente, um romancista admirável”.

Além de romances, Aldous Huxley escreveu poesia, teatro, ensaios, livros de viagem, biografia e história. Dentre suas principais obras, destam-se:

ROMANCES: Crome Yellou, 1921; Geração devassa (Antic Way), 1923; Folhas inúteis (Those Barren Leaves), 1925; Contraponto (Point Counter Point), 1928; Admirável mundo novo (Brave New World), 1932; Sem olhos em Gaza (Eyeless in Gaza), 1936; Também o cisne morre (After Many a Summer Dies the Swan), 1939; O macaco e a essência (Ape and Essence), 1948; O gênio e a deusa (The genius and the goddess), 1955; A ilha ( Island), 1962;

NÃO-FICÇÃO: Os demônios de Loudum (The demons of Loudum), 1952; As portas da percepção (The Doors of Perception), 1954; Céu e inferno (Heaven and hell ), 1956.

Aldous Huxley morreu no dia 22 de novembro de 1963, aos 69 anos, em Los Angeles, EUA. No seu leito de morte, a mulher do escritor atendeu ao seu pedido, aplicando-lhe doses de LSD. Nesse mesmo dia ocorreram duas coincidências, o assassinato de John F. Kennedy e a morte do escritor irlandês C. S. Lewis.

REFERÊNCIAS:

HUXLEY, Aldous. Huxley e Deus. Tradução de Murilo Nunes de Azevedo. Rio de Janeiro: Bertrand Brasil, 1995, p. 7-10; 12-13.

COWLEY, Malcolm. Escritores em ação. Tradução de Brenno Silveira. 2ª ed. São Paulo: Paz e Terra, 1982, p. 212- 213; 226-228.

[Crônica] PEDRO LUSO / Malditos Tempos Modernos

2011-06-22T18:48:00.018-03:00

Capa de Elifas Andreato

por Pedro Luso de Carvalho

Eu passeava com meu cão por ruas do bairro onde moro, quando encontrei um amigo que não via há anos. Nossa amizade vem do tempo em que nos preparávamos para prestar vestibular; minha meta era o Direito e a dele a Economia. Naqueles anos de chumbo, falávamos sobre tudo: na música, discorríamos sobre os melhores cantores e compositores da bossa-nova e da tropicália; na política, elegíamos os salvadores do Brasil, como, entre outros, alguns dos nomes que integravam a revista Argumento, que foram: Barbosa Lima Sobrinho, Alceu Amoroso Lima, Érico Veríssimo, Florestan Fernandes, Sérgio Buarque de Holanda, Celso Furtado, Fernando Henrique Cardoso. (Ainda guardo três exemplares da Argumento.)

Nesse encontro, sequer tocamos nesses nomes, como de resto não mencionamos o nome de um único político. Tampouco a Argumento foi lembrada por nós; esta época está muito distante daqueles tempos difíceis da Ditadura Militar. Mas o fato é que a revista foi muito importante para nós, jovens estudantes idealistas; reacionários, para os militares e para muitos de seus admiradores, que fingiam desconhecer as seções de torturas a que eram submetidos estudantes, jornalistas e políticos, dentre eles a jovem Dilma Rousseff, hoje presidente da República – muitos desses torturados foram levados à morte, como foi o caso do jornalista e professor da USP e teatrólogo, Vladimir Herzog.

Hoje, um dia depois desse encontro casual, lembrei-me dos fatos que envolveram o meu amigo e sua família; das sérias dificuldades que ele está passando: da sua separação da mulher, há alguns anos; da sua filha solteira, mãe e desempregada; do filho viciado em drogas, que há mais de uma década abandonou a mulher e dois filhos pequenos; das agressões físicas que meu amigo e sua filha sofrem do filho drogado.

Vejo que esse amigo não é o mesmo que conheci naquele tempo do vestibular e do golpe Militar. Então tive vontade de contar-lhe o que havia acontecido com esses homens que haviam lutado pela democracia com essa poderosa arma que era a revista Argumento, mas desisti da ideia. Inobstante isso, enquanto ele falava do seu desencanto com a vida, do caos que se transformou sua família, das agressões do filho viciado em drogas, voltei minha imaginação, nesse momento, para esses nomes que haviam dado vida a Argumento no início dos anos 70.

E, assim, passei a imaginar que estava narrando ao meu amigo os fatos que estavam relacionados com a revista Argumento, editada pela Paz e Terra, bem como do que, nesse tempo, fizeram seus ilustres colaboradores:

Barbosa Lima Sobrinho foi o primeiro signatário do pedido de impeachment do presidente Fernando Collor, em 1992; Florestan Fernandes foi o orientador nos trabalhos acadêmicos de Fernando Henrique Cardoso, de quem se tornou amigo, amizade que durou até a morte de Florestan; Sérgio Buarque de Holanda foi co-fundador do Partido dos Trabalhadores (PT), com Lula, entre outros, em 1970; Fernando Henrique Cardoso assumiu o Ministério da Fazenda no Governo de Itamar Franco, em 1993, após o impeachment do presidente Fernando Collor, permanecendo até março de 1994; FHC então deu início a implantação do Plano Real, e foi eleito Presidente da República em outubro de 1994, e reeleito em 1998, graças à sua política de estabilidade e de continuidade do Plano Real.

Pensei em continuar falando desses homens extraordinários da Argumento, em minha imaginação, claro, já que o viés da nossa conversa real era a desventura de sua familia, para dizer-lhe alguma coisa mais sobre estes outros colaboladores da revista: Alceu Amoroso Lima (Tristão de Ataíde), Érico Veríssimo, Celso Furtado, Hélio Jaguaribe, Elifas Andreato (editor de Arte), Octávio Paz (o poeta mais importante do México), mas percebi a intenção de meu amigo em retirar-se, até por que deveria estar estranhando minha apatia.

O amigo então estendeu o braço para um aperto de mão de despedida, e disse, como se estivesse completando suas queixas sobre sua família infeliz: “É isso, amigo, essa minha desgraça toda é fruto desses malditos tempos modernos”. Dito isso, deu-me as costas e retomou a caminhada rumo à sua casa. Eu fiquei ali na rua com meu cão, por algum tempo, até ver aquele homem precocemente envelhecido afastar-se no seu caminhar arrastado; caminhar que representava bem o arremedo do que ele foi no passado.

DOROTHY PARKER / Uma entrevista

2011-06-13T01:08:00.007-03:00

Dorothy Parker

por Pedro Luso de Carvalho

Dorothy Parker (Dorothy Rothschild, era o seu nome) nasceu em West End, New Jersey, em 1893. Em 1914, vendeu o seu primeiro poema para a revista Vanity Fair. Dois anos depois foi contratada pela revista Vogue; em 1917 passou a escrever crítica de teatro para Vanity Fair. Os seus contos passaram a ser publicados em 1925 pela The New Yorker, criada nesse ano; para essa mesma revista passou a escrever resenhas de livros em 1927. Dois anos depois ganhou o prêmio O. Henry pelo seu conto Big Blod, que a escritora incluiu nos seus livros de contos: After Such Pleasures (1933), Here Lies (1939) e Collected Stories (1942). Parker seguiu escrevendo contos, poemas e crítica, que foram publicados no seu país nos anos que se seguiram, sempre com grande sucesso, o que não ocorria com o que mais gostava, suas peças teatrais.

Dorothy Parker também escreveu roteiros para Hollywood, dentre eles a Star Is Born (Nasce uma Estrela), com indicação para o Oscar em 1937 (a escritora passou a detestar Hollywood, a ponto de recusar-se pronunciar esse nome, substituindo- por “lá”). A escritora foi amiga e também a contista preferida do erudito crítico literário norte-americano Edmund Wilson, autor de Axel's Castle (O Castelo de Axel).

Quando Dorothy Parker foi entrevistada pela The Paris Review, no pequeno quarto do hotel em que morava, no centro de Nova York, dentre as muitas perguntas, que lhe fez a entrevistadora da revista, uma foi se é vantagem a segurança econômica para o escritor; Parker respondeu-lhe:

"Sim. Ficar dura não faz bem nenhum, a menos que você seja uma espécie de Keats. Os que escreviam bem nos anos 20 tinham uma vida confortável. Quanto a mim, gostaria de ter dinheiro. E gostaria de ser uma boa escritora. Essas duas coisas podem se juntar, e espero que se juntem, mas, se for pedir demais, prefiro ter dinheiro. Odeio quase todos os ricos, mas acho que eu seria adorável. No momento, porém, gosto de pensar na observação de Maurice Baring: “Se você quer saber o que o Senhor pensa do dinheiro, terá apenas de olhar para aqueles a quem Ele o dá”. Sei que não ajuda muito quando o lobo bate na porta, mas é um consolo".

Dorothy Parker morreu de um ataque cardíaco no Hotel Volney, em Nova York, em 1967, aos 74 anos, deixando obras poéticas, contos e crítica literária da maior importância. No Brasil, foi publicado pela primeira vez o livro de contos Big loira e outras histórias de Nova York.

Edmund Wilson, ficcionista e crítico literário famoso, dizia sobre os contos da talentosa escritora da era do jazz dos anos 20 e 30: “Os contos de Dorothy Parker continuam hoje tão agudos e engraçados como na época em que foram escritos." E, para F. Scott Fitzgerald, Dorothy Parker era "A melhor escritora de sua geração."

REFERÊNCIA:

PLIMPTON. George. Escritoras e a arte da escrita. The, Paris Review. Tradução de Maria Ignez Duque Estrada. Rio de Janeiro: Gryphus, 2001, p.86.

EDUARDO COUTURE & Seu 6º Mandamento

2011-05-30T15:19:00.001-03:00

Tribunal de Justiça de Minas Gerais

por Pedro Luso de Carvalho

Dentre as muitas preocupações do advogado, quando se propõe a defender os interesses de seu constituinte, uma delas é aparentemente de pouca importância, qual seja, a de deixar transparecer que é e será fiel a quem o contratou. Particularmente, acredito que essa lealdade ao cliente é a conduta que acaba prevalecendo. Mas, não escondo que nem sempre a conduta de alguns advogados é a de lealdade a quem, mediante pagamento, espera que a lei seja aplicada em seu benefício.

Também sempre senti que o cliente nunca acredita totalmente no seu advogado. Sempre haverá de perguntar a um amigo a um juiz ou a outro advogado se a medida tomada por quem a defende está correta. E mais: se é dele a culpa de o processo estar levando muito tempo para ser julgado de forma definitiva. Não raras vezes ouvi pessoas perguntarem se o seu adversário na lide tem algum conhecido no forum e está intercedendo em seu favor, de forma a prejudicar o andamento do processo.

Já tive a oportunidade de presenciar, em audiência de instrução e julgamento, o modo de agir do advogado que possivelmente está recebendo essa carga negativa de seu cliente, por desconfiar não apenas de sua competência mas também de sua lealdade. E é justamente por isso que, nessas audiências, o advogado fica exposto à critica ao opor-se ao seu colega que aí representa a outra parte, com risos sarcásticos ou interferências verbais desajustadas e contrárias às normas vigentes quanto a atuação desse profisional. Acredito que por esse motivo o jurista Eduardo Couture tenha escrito o 6º Mandamento do Advogado: "TOLERA- Tolera a verdade alheia, como gostarias que a tua fosse tolerada".

Passemos, pois, à transcrição na integra desse 6º Mandamento do Advogado, escrito por Eduardo Couture (in COUTURE, Eduardo. Os Mandamentos do Advogado. Porto Alegre: Sérgio Antonio Fabris Editor), como segue:

6º – TOLERA – Tolera a verdade alheia, como gostarias que a tua fosse tolerada. Esta questão é grave e delicada. Ser ao mesmo tempo enérgico, como o requer a defesa, e cortês, como exige a educação; prático, como impõe o litígio, e sutil, como o reclama a inteligência; eficaz e respeitoso; combativo e digno. Ser, ao mesmo tempo, tão diferente e, às vezes, tão contraditório, em todos os dias do ano e em todos os momentos, na adversidade e na bonança, constitui realmente um porodígio.

E, não obstante – prossegue Couture -, a advocacia assim o impõe. Ai daquele que a exerce com energia e sem educação, ou com cortesia, mas sem eficiência!

Para conciliar o contraste só há um meio: a tolerância. Esta é educação e inteligência, arma de ataque e escudo de defesa, lei de combate e regra de equidade.

Ainda que apareça inacreditável – diz Couture -, o certo é que no litígio ninguém tem razão antes da coisa julgada. Não há litígios ganhos de antemão. Basta, para tanto, lembrar a história de luta de Golias e David. Não há litígio ganho de antemão, devido à singela razão pela qual Golias incidiu em arrogância ao considerar-se antecipadamente vencedor na histórica luta.

O litígio é feito de verdades contingentes e não de verdades absolutas. Os fatos mais claros se deformam, se não se logra produzir uma prova plenamente eficaz; o direito mais incontroverso abala-se no decurso da demanda, ante uma inesperada e imprevisível mudânça de jurisprudência.

Daí porque a melhor regra profissional não é aquela que promete a vitória, mas a que informa ao cliente que provavelmente se poderá contar com ela. Nem mais nem menos do que isso era o que estabelecia o 'Fuego Juzgo', ao cominar a pena de morte ao advogado que se comprometia a triunfar na causa; ou a Terceira Partida que impunha perdas e danos ao advogado que assegurasse a vitória a seu cliente.

As verdades jurídicas, como se fossem de areia, dificilmente se podem conter todas na mão; sempre existirão alguns grãos que, queiramo-lo ou não, nos escaparão por entre os dedos e irão parar nas mãos de nosso adversário. A tolerância nos obriga, por respeito ao próximo e a nossa própria fraqueza, a proceder com fé na vitória, porém sem arrogância no combate.

E se o cliente nos exige garantia de vitória?

Nesse caso – conclui Couture -, apelemos para nossa biblioteca e retiremos dela um escrito singelo, denominado 'Decálogo do cliente', muito comum nos escritórios de advogados brasileiros e mostremos a esse cliente: “Não peças a teu advogado que faça profecia da sentença; não esqueças de que, se fora profeta, ele não abriria escritório de advocacia”

REFERÊNCIA

COUTURE, Eduardo. Os Mandamentos do Advogado. Tradução de Ovídio Baptista da Silva e Carlos Otávio Athayde. Sérgio Antonio Fabris Editor, Porto Alegre, 1979, p. 53-55.

DA CRÍTICA LITERÁRIA – PARTE I

2011-05-21T12:50:00.000-03:00

Afrânio Coutinho (1911-2000)

por Pedro Luso de Carvalho

Dou início a este estudo com algumas observações, digamos assim, não-técnicas, sobre a crítica literária. E a primeira observação que faço está ligada ao desagrado, que, de um modo geral, o escritor sente quando vê sua obra criticada negativamente; já a segunda observação diz respeito à crítica que eleva tanto a obra como o seu autor.

No primeiro caso, o trabalho do crítico é logo desprezado pelo autor do livro, que foi objeto da crítica que não o agradou, enquanto que, no segundo caso, a crítica que enaltece o livro e seu autor é bem aceita, em que pese a sua desconfiança de que o crítico que hoje elogia poderá ser o mesmo que amanhã escreverá uma crítica depreciando o seu novo livro.

O segundo passo deste trabalho é saber onde está colocada a crítica literária no âmbito do conhecimento, por assim dizer, técnico-científico. E aqui abro parêntesis para dizer que sobre essa questão há divergências entre os estudiosos, o que, aliás, em nada diminui a importância do estudo da crítica literária, já que as correntes divergentes neste ou naquele ponto deverão fazer parte do estudo a que me proponho.

Sendo assim, acho interessante começar por um dos nomes mais importantes no que respeita à crítica literária, o professor e membro da Academia Brasileira de Letras, AFRÂNIO COUTINHO: “o que é a Crítica Literária”, pergunta-se Afrânio Coutinho, e logo ele próprio responde: “(...) não é mais que um conjunto de métodos e técnicas para o estudo e a interpretação do fenômeno literário”.

Mais adiante, Afrânio Coutinho diz que “cada grande crítico teve o seu método literário, o seu método crítico. Mas esses críticos, todos eles, estabeleceram o seu método a partir de uma concepção, de uma filosofia da literatura, a partir de uma teoria literária. Por isso, há uma estreita relação entre as teorias literárias e os métodos críticos. Não se pode conceber um método crítico sem estar ligado a uma teoria literária, isto é, de uma maneira de ver a Literatura, de uma maneira de conceber a natureza e a finalidade da Literatura”.

Afrânio Coutinho diz que devemos começar nosso estudo sobre a crítica literária por quem começou a estudá-la, os gregos: “Foi entre os dois grandes Platão e Aristóteles que se iniciou, por assim dizer, a concepção da literatura e, conseqüentemente, a crítica literária”. Esclarece que, desses dois grandes nomes, surgiram os grandes críticos, que optaram pela corrente de um ou de outro (platônica ou aristotélica). Depois dessa introdução, Coutinho passa a analisar com profundidade essas escolas dos dois filósofos.

Por seu turno, o mestre Afrânio Coutinho dá o seu conceito à Literatura: “A Literatura, portanto, é uma arte – a arte da palavra. Na sua natureza, ela tem origem na imaginação criadora, e não em outra faculdade do espírito. Não é sua finalidade ensinar nem divulgar mensagens religiosas ou políticas, ou moralizar. Isso não compete à Literatura”.

E, quanto à crítica literária, diz Coutinho: “De modo que à crítica, a verdadeira crítica, - a crítica literária, a crítica poética, isto é, a crítica que procura estabelecer, interpretar e analisar a obra de arte literária -, compete procurar justamente valorar a obra literária através desses que são os elementos específicos da obra de arte”.

Coutinho fala, como se vê, da crítica que se encontra situada no plano literário específico, fazendo menção ainda dessas especificidade da crítica, em: didática, moralista (ou religiosa), participante (que se ligou aos movimentos revolucionários socialista, comunista e dos partidos totalitários), histórico-sociológica, psicológica, biográfica e impressionista.

Na segunda parte deste estudo serão mencionados os seguidores de Platão e de Aristóteles, com o devido realce sobre a importância que tiveram seus discípulos no que se relaciona à crítica literária, bem como pretendo trazer a opinião de outros estudiosos sobre a matéria em questão, isto é, tanto da análise como da crítica literária.

Também será abordada, nessa segunda parte, a análise literária e sua importância à crítica literária, já que ela, a análise, fornece à crítica os dados necessários e indispensáveis ao juízo crítico - a análise, para Michaud, se constitui na “preparação ou primeira etapa do processo crítico, que termina com o julgamento da obra literária”.

Para encerrar a primeira parte deste estudo, transcrevo uma curiosa declaração de um dos nossos maiores poetas, João Cabral de Melo Neto, sobre a sua inclinação para a crítica literária – confissão colhida dos arquivos do poeta, que se encontra no verbete CRÍTICA, de Ideías fixas de João Cabral de melo Neto, livro de Félix Atayde:

“(...) Eu nunca pensei em ser poeta nem nunca me considerei (e até hoje não me considero) com temperamento de poeta. Eu tenho temperamento de crítico. Meu ideal foi sempre ser crítico literário. Ocorre que, aos 17 ou 18 anos, não se tem cultura nem discernimento para ser crítico. Então, eu comecei a fazer poesia, apenas para produzir alguma coisa, enquanto me preparava para a crítica. Muito pouca gente notou isso, mas a minha poesia é quase sempre crítica. Esse negócio que se chama meta-poesia, poesia sobre poesia, é uma preocupação de crítico. Escrevi uma quantidade enorme de poemas sobre autores, sobre pintores. Talvez o único poema que eu conserve do meu primeiro livro seja um sobre André Masson. Naquele tempo, ninguém no Brasil sabia quem era André Masson”.

REFERÊNCIAS:

COUTINHO, Afrânio. Crítica e Poética. Rio de Janeiro: Livraria Acadêmica, 1968, p. 63-64, 82-86.

ATHAYDE, Félix de. Idéias fixas de João Cabral de Melo Neto. 4ª impressão. Rio de Janeiro: Nova Fronteira: FBN; Mogi das Cruzes, SP: Universidade de Mogi das Cruzes, 1998, p. 24-25.

MOISÉS, Maussaud. A Análise Literária. 17ª ed. São Paulo: Cultrix, 2008, p. 19.

DA CRÍTICA LITERÁRIA – PARTE II

2011-04-17T11:26:00.000-03:00

Hippolyte Taine

por Pedro Luso de Carvalho

Nas outras partes deste estudo, em futuras postagens, entre outras coisas, será dado realce aos seguidores de Platão e de Aristóteles, à importância das escolas platônica e aristotélica, sobre o papel que os seus discípulos representam no que se relaciona à crítica literária. Também será colhida a opinião de estudiosos importantes tanto sobre a crítica literária como sobre a análise literária, esta, aparecendo como coadjuvante daquela, que aparece na sua preparação, já que ela, a análise, fornece à crítica os dados necessários e indispensáveis ao juízo crítico , que - repita-se o que foi dito na primeira parte -, no dizer de Michaud, se constitui na “preparação ou primeira etapa do processo crítico, que termina com o julgamento da obra literária”.

Como o nosso propósito nesta edição é demonstrar o desdobramento das escolas platônicas e aristotélicas, nada melhor que mostrar a forma organizada pelo professor Afrânio Coutinho (in “Crítica e poética”), na sequência de sua abordagem ao pensamento de Platão e de Aristóteles. Houve três correntes – diz Coutinho – de sucessores de Platão:

a) A primeira corrente é a de Horácio, e para ela a literatura só se justifica em termos éticos, é um ensinamento, quando muito um ensinamento agradável. Essa é a concepção didática da literatura, já explorada na Idade Média pela Igreja, mas que iria ser instrumento utilíssimo nas mãos dos adversários do protestantismo, durante a Contra-Reforma, e na dos catequistas e missionários. Os padres da Companhia de Jesus dela fizeram largo uso, haja vista o exemplo da literatura jesuítica.

b) A segunda corrente é a que segue o livro 'Do Sublime', atribuído a um escritor conhecido como Longino. Para os críticos nele inspirados, a literatura resulta de um estado de transe quase místico da alma do autor, um estado de espírito do poeta comunicado ao leitor por intermédio das palavras. E a crítica, segundo tal perspectiva, é de natureza psicológica, uma apreciação da alma do poeta tal como se revela no poema.

c) A terceira corrente é a dos retóricos alexandrinos ou helenísticos, os quais focalizam a atenção crítica nos problemas técnicos e estilísticos da literatura. Sem embargo, eles se colocavam fora da literatura na adoção dos critérios de apreciação e análise, os quais, para eles, eram os critérios universais da linguagem.

Ensina o mestre Afrânio Coutinho, que essas “correntes encontravam o valor literário fora do poema, em algo diferente e situado além da arte”. E diz ainda que a crítica literária, nos séculos que se seguiram ao Renascimento, oscilou da ética para a psicologia, para a estilística e a linguagem. “Uns viam o poema como reflexo da alma do poeta, diz Coutinho, e se interessavam primordialmente pela alma do poeta”. Ensina que foi do prolongamento e da exacerbação dessa linha que nasceu o biografismo contemporâneo em crítica, “para o qual a crítica não deve passar do levantamento da biografia completa dos autores. Não é a obra que lhe interessa. A obra passa a segundo plano, relativamente ao estudo da personalidade do autor”.

Vê-se, já no século XIX, que à crítica importava descobrir o homem, mesmo que fosse através da obra do autor. E isso deveu-se às teorias deterministas que dominavam o clima científico, que passou a acreditar, como diz Coutinho, “numa verdadeira relação mecânica, necessária, determinante, entre o autor, os fatos de sua vida, suas doenças, as circunstâncias financeiras de sua existência, e a obra de arte que produziu”

Sobre essa atividade de pessoas que se dedicaram à crítica literária, ainda dentro do espírito da época em que o autor é que lhe interessavam, e não a sua obra, como deveria ser, Afrânio Coutinho faz esta importante constatação: “E essa preocupação com o autor levou, repito, sobretudo depois dos exageros cientificistas do século XIX e das técnicas da filologia positivista germânica, a situações quase ridículas, como sejam a de certos eruditos que empenham o talento em tarefas inglórias de vasculhar a vida de homens de gênio, nos seus mais mínimos detalhes, convencidos de que a descoberta de um recibo assinado por ele ou da referência a uma de suas moradas até então desconhecida dos biógrafos, explicaria a natureza de sua poesia e ajudaria a compreensão de seu gênio”.

A crítica literária também é vista por Coutinho como um instrumento ou guia de ação moral de outro grupo, didatas da literatura, que ainda no século XIX demonstrou “essa volta à ética através da crítica e de seus principais representantes, como um Shelley e um Mathew Arnold na Inglaterra”.

Coutinho fala também da crítica do seu tempo, dizendo: “Mesmo em nosso tempo, essa concepção da literatura reviveu nas teorias dos críticos marxistas, os quais vêem o valor poético não na obra em si mesma, porém em sua ação sobre o auditório ou público, e sua origem para eles reside na classe a que o escritor pertence, cujo espírito ele interpreta e exprime. Nesse sentido a crítica marxista é de fundo horaciano”.

Da crítica literária de seu tempo, Afrânio Coutinho reporta-se ao século XVIII e o começo do século XIX para falar de outro grupo que se formou nesse período, na “atmosfera espiritual do romantismo e da influência de filósofos alemães, como Herder e os irmãos Schlegel. Madame de Stäel pode ser considerada a figura que divulgou a teoria chamada sociológica da literatura, coisa velha, aliás - realça Coutinho -, mas que só dessa época em diante encontrou sistematização doutrinária”.

Referindo-se à teoria sociológica da literatura, Coutinho lembra que depois de Stäel - que a divulgou -, aparece para representar essa corrente, acima de todos, o filósofo e crítico francês Taine. “Também aqui - diz Coutinho – a literatura é encarada de fora, são os fatores extraliterários os eleitos para explicar o fenômeno literário. As instituições sociais, o ambiente físico, o meio – e Taine procurou resumir sua teoria na famosa trindade raça, meio e momento - explicariam a cultura e as obras primas”.

E foi a partir da teoria de Taine, com suas repercussões e influências, e cuja dominação no estudo da literatura manteve-se até nossos dias, que os problemas literários foram colocados como fatos históricos e não fatos da crítica literária. Coutinho diz que nos últimos cem anos o tivemos menos homens de letras que historiadores literários, já que estes predominavam sobre aqueles.

Daremos seguimento a este estudo sobre a Crítica Literária na nossa próxima postagem. Para ter acesso ao primeiro trabalho, clicar em DA CRÍTICA LITERÁRIA – PARTE I.

REFERÊNCIA:

COUTINHO, Afrânio. Crítica e Poética. Rio de Janeiro: Livraria Acadêmica, 1968, p. 9-14.

DA CRÍTICA LITERÁRIA – PARTE III

2011-04-14T15:33:00.000-03:00

Jorge Luis Borges

por Pedro Luso de Carvalho

A crítica literária foi abordada na postagem anterior, a segunda parte deste trabalho, com o desdobramento das escolas platônicas, e agora, nesta terceira parte, inicio com a teoria que vem de Aristóteles.

O professor Afrânio Coutinho ensina (Crítica e poética, Livraria. Acadêmica, 1968) que Platão não pretendeu criar uma crítica literária. “De modo algum esse objetivo foi o seu. Seu método mesmo o contradiz. O que tinha em mente era mostrar que inclusive a poesia devia fazer parte de um mundo universalmente bom. E para isso seu método dialético era excelente prova. Pois tal método jamais produziria uma crítica literária”.

Diferentemente do método dialético de Platão, Aristóteles lançou na sua obra prima, a Poética, a base de sua investigação teórica da crítica literária. Para Aristóteles a literatura como toda arte, “tem um valor e si mesma - ensina Coutinho -, e a experiência estética possui uma finalidade em si mesma. Para ele [Aristóteles], a literatura deve ser encarada como “poética”, e não como “política” (no sentido em que vêem os platônicos). E a crítica constituirá uma análise e uma avaliação da obra literária como obra de arte, o centro de interesse sendo a obra em si mesma, em seu valor intrínseco, em sua intimidade artística”.

Afrânio Coutinho aconselha aos bons estudantes de letras a ter como obra de cabeceira a Poética de Aristóteles (“à qual se deve juntar a Retórica, aliás, um simples capítulo da primeira”). Na próxima parte deste trabalho ainda serão abordadas as teorias de Aristóteles, expostas na Poética e na Retórica , na forma exposta pelo mestre Coutinho.

Na sequência, Afrânio Coutinho faz menção a R. Crane, que diz: “O fato essencial acerca da compreensão a que aspira o crítico literário é que é uma compreensão de obras literárias em seu caráter de obras de arte”. Coutinho frisa que, para Aristóteles, “A obra é o centro da preocupação crítica, e a obra em sua característica estético-literária”.

De Afrânio Coutinho passo a Élisabeth Ravoux Rallo (Métodos de crítica literária, Martins Fontes, 2005), Introdução à obra por Jean-Claude Gardin: “(...) para compreender a crítica literária deste ou daquele autor, parece importante depreender os princípios nos quais ele se apóia, e a base de dados de sua análise, para depois explicitar sua lógica e sua argumentação, a fim de julgar a validade da conclusão à qual chega esse comentário. Para escolher entre diversas críticas, compará-las, avaliá-las – pois o objetivo delas, quase sempre claramente expresso, é ajudar-nos a entender não só as significações dos textos, mas também do humano -, é preciso indagar-se sobre seus fundamentos e suas limitações”.

Nessa Introdução, Jean-Claude Gardin chama a atenção para o fato de o texto literário ser tão complexo e heterogêneo e que “está tão ligado a representação do mundo que não pode ser explicado globalmente”. Na sequência, Gardin pergunta: “Então será preciso aceitar todas as abordagens?” E diz mais: “O exemplo encontrado em Logique du plausible, com as críticas ao soneto “Les Chats”, de Baudelaire, é eloquente: mais de cinquenta interpretações de um soneto com cerca de cem palavras, fazendo-o dizer coisas diferentes, como uma argumentação que se apresenta como racional.” Gardin pergunta-se, ainda: “Que interpretação (ções) escolher ou preferir? São elas compatíveis, complementares ou, ao contrário, excludentes? As interpretações são todas legítimas, inclusive as que não são feitas por intelectuais e acadêmicos? Caberá aceitá-las do mesmo modo, em nome da liberdade da leitura?” A resposta é dada pelo próprio Gardin: “Trata-se de fazer a avaliação de tudo isso em torno da questão da validação de uma leitura crítica”.

De Élisabeth Ravoux Rallo vamos para Ana Cecilia Olmos (Por que ler Borges, Globo, 2008) que, no capítulo "As Leituras da Tradição Nacional", deixa-nos uma pista importante, no que respeita à escolha de diversas criticas, para, como realça Rallo, entender as significações dos textos e também do humano. Olmos fala do anti-realismo da literatura borgiana, que se configura “a partir de certos procedimentos que, reiterados, definem um particular estilo de narrar”.

E diz mais, Ana Cecilia Olmos: “(...) É evidente que Borges privilegia a invenção da narrativa em detrimento da elaboração dos elementos que a constituem. Prefere, nesse sentido, só apresentar um argumento sem esgotar as possibilidades da história, vale dizer, assinalar a possibilidade de um relato e não desenvolvê-lo. Inclusive, uma vez apresentado o argumento, prefere aludir a hipotéticos episódios do enredo sem chegar a desdobrá-los”.

Ana Cecilia Olmos prossegue falando sobre preocupação de Borges em não dilatar o relato com a configuração psicológica das personagens: “Também opta por não dilatar o relato com a configuração psicológica das personagens; limita-se a desenhar o perfil dos protagonistas identificando neles apenas os traços que são pertinentes à história".

Olmos menciona obras e autores que serviram de exemplo a Borges: "O processo, de Kafka, A volta do parafuso, de Henry James, e A invenção de Morel, de Bioy de Casares, são os títulos que Borges cita como exemplos magistais dessas estratégias narrativas que apontam na síntese e na economia dos recursos. Nesses relatos, ele afirma, o argumento e o ambiente são o essencial, e não as evoluções da fábula nem a penetração psicológica das personagens. Este aspecto da poética do relato explicaria, em alguma medida, as resistências do autor às formas extensas do romance e sua preferência pela brevidade do conto”.

Para a próxima postagem o tema será ainda a crítica literária. [Para acessar primeira parte desse trabalho, clicar em: DA CRÍTICA LITERÁRIA – PARTE I].

REFERÊNCIAS:

COUTINHO, Afrânio. Crítica e e poética. Rio de janeiro: Livraria Acadêmica, 1968, p. 16-17.

RALLO, Élisabeth Ravoux. Métodos de crítica literária. Tradução de Ivone Benedetti. Introdução de Jean-Caude Gardin. São Paulo: Martins Fontes, 2005, p. XIX-XX.

OLMOS, Ana Cecilia. Por que ler Borges. São Paulo: Globo, 2008 – (Coleção por que ler / coordenador Rinaldo Gama).

DA CRÍTICA LITERÁRIA – PARTE IV (Final)

2011-04-11T16:25:00.000-03:00

Aristóteles

por Pedro Luso de Carvalho

Ainda discorrendo sobre as teorias de Aristóteles, expostas na Poética e na Retórica , ensina Afrânio Coutinho (in "Crítica e Poética") que "Houve um lapso no conhecimento da Poética. Apesar de ter havido edições medievais em várias linguas, a influência da Poética nesse período foi diminuta, de jeito a se poder falar em 'descoberta' renascentista da obra (...)".

Mais adiante, Coutinho faz esta observação: "Há, todavia, um ponto importante a acentuar no que tange à interpretação da Poética pelos eruditos do Renascimento, interpretação essa que se prolongou até o século XVIII, dominando a crítica ocidental".

O mestre Coutinho diz que o Renascimento foi mais latino do que helênico, fato que "redundou em ter sido o espírito ocidental completamente imbuído das doutrinas romanas, e, no que concerne à literatura, da doutrina dos retóricos romanos e helenísticos, sobretudo de Horácio, Cícero e Quintiliano". Coutinho dá realce ao fato de que “obras gregas, como a poética, passaram para o mundo ocidental através do veículo romano, no caso do retoricismo horaciano, ao que se deve a deturpação das teorias aristotélicas”.

Coutinho aponta para outro fato importante, qual seja, a falsificação das teorias aristotélicas, em razão do veículo que propiciou essa passagem da Poética para o mundo ocidental, não pelo grego, mas pela condução do romano, com o historicismo horaciano. Também diz que no Renascimento essa fusão de Aristóteles e Horácio propiciou “uma união de doutrinas absolutamente contrária à natureza da cada uma”. Aponta para o ponto pacífico existente entre os os críticos renascentistas: “Horácio seguira Aristóteles, daí a amálgama de princípios que caracterizou a teoria literária do Renascimento”.

Afrânio Coutinho frisa, ainda, que Aristóteles saiu perdendo com essa fusão com Horácio, “pois o colorido predominante era dado pela teoria horaciana da literatura como 'ensinamento agradável', ou teoria didática e moral da literatura. Coutinho faz menção ao que exprimiu um dos críticos renacentista, Piccolomini, quando disse: “A finalidade da poesia é persuadir, aparentando deleitar”.

Lembra ainda que as teorias ética e didática da literatura somente foram destronadas com o advento da Estética, advertindo, no entanto, encontrou defensores durante o século XIX, e até mesmo nos dias que correm. E diz que as bases da ciência da Estética deveu-se ao kantismo. E afirma: “Mas do século XVIII em diante, acompanhando o desenvolvimento da estética, foi criando vulto a concepção estética da literatura”. E enfatiza que “as idéias estéticas foram sendo aplicadas à poesia, desbancando as teorias ética e didática”.

O mestre Afrânio Coutinho diz que a concepção estética da literatura, que foi criando vulto nesse século, e dá relêvo ao surgimento da Estética na Alemanha e na Itália no ano de 1900, enquanto que na Inglaterra a clássica História da Estética é de 1892; realça também que “as idéias estéticas foram sendo aplicadas à poesia, desbancando as teorias ética e didática”.

Daí a possibilidade de se ver, com essas alternâncias, que nada tinha de didática a poética de Aristóteles; e mais: que esse sentido (didática) deveu-se aos horacianos do Renascimento. Então, tornou-se possível conhecer o caráter da concepção aristotélica, e com isso via-se dissociar-se Aristóteles de Horácio.

Coutinho menciona a publicação, em 1895, de uma nova edição da Poética, pelo crítico inglês Butcher, “com uma introdução que ficou clássica e que marcaria essa reinterpretação de Aristóteles consonte às estéticas”. Lembra também que a obra de Butcher teve influência decisiva, principalmente nos países de língua inglesa.

Lembra que a reinterpretação de Aristóteles “ainda está por ser feita nos países de lingua portuguesa, nos quais a literatura é sobremaneira marcada por um tom retórico e ético, devido sobretudo à influência dominante das teorias horacianas, de que não se libertaram completamente, mesmo depois do século XVIII, o grande divisor de águas no particular para as outras literaturas do Ocidente”. Menciona as dezenas de edições da Arte Poética de Horácio em português, enquanto que “só consta a existência de uma tradução, no século XVIII, da Poética de Aristóteles em vernáculo.

O escritor observa que, “mesmo quando conhecido, Aristóteles o era através de Horácio e dos comentadores de cunho horaciano”. E deixa claro que “O verdadeiro sentido do aristotelismo literário, a riqueza de idéias e a profundidade de persectiva, o conteúdo estético da Poética de Aristoteles estão por ser valorizados”.

Lembra que surgiu uma boa edição em português (Poética, de Aristóteles, ed. Eudoro de Souza, Lisboa, Guimarães & Cia. Editores, 1951), “enquanto há diversas edições francesas excelentes, como as da Livraria Garnier e da Associação Guilherme Budé (Les Belles Lettres), inglesas igualmente esplêndidas, como as clássicas de Butcher, Bywater, Hamilton Fyfe, as de Lane Cooper, as da Loeb Classical Library e da Everyman”. Fala ainda da edição italiana, de excelente qualidade, de Augusto Rostagni; e, também, da edição em lingua espanhola da Emece, de Buenos Aires.

REFERÊNCIA:

COUTINHO, Afrânio. Crítica e Poética. Rio de Janeiro: Livraria acadêmica, 1968, f. 20-23.

AINDA: JOÃO CABRAL DE MELO NETO

2011-04-09T23:35:00.015-03:00

João Cabral de Melo Neto

por Pedro Luso de Carvalho

No artigo anterior publicado aqui neste espaço tive a oportunidade de mostrar alguns trechos da obra Idéias Fixas de João Cabral de Melo Neto, escrita pelo poeta e jornalista, Félix Athayde, amigo de João Cabral. Esse livro está dividido em duas partes: “Uma educação pela pedra” (as opiniões do poeta sobre muitas coisas, sempre relacionadas com a literatura) e “Outra educação pedra” (a obra comentada pelo próprio poeta, e com suas opiniões sobre autores, e o que João Cabral comenta sobre seus próprios livros e sobre ele mesmo).

Por tratar-se de uma amostragem das idéias de um dos mais importantes poetas da língua portuguesa, o retorno à obra de Félix Athayde justifica-se plenamente. Sendo assim, veremos a seguir um pouco mais do que o escritor retirou do arquivo particular de João Cabral, que, como ele diz, foi “organizado pela sua falecida esposa Stella Maria Barbosa de Oliveira Cabral de Melo – pessoa excelente de humanidade e arquivista de profissão”.

Sobre o arquivo do poeta organizado por Stella, diz Athayde, é tão amplo e minucioso que nem precisei me valer de outras fontes: ele cobria satisfatoriamente todo o espectro que me propunha. Mais verbetes e seria ampliar o livro com repetições desnecessárias, engordar o volume inutilmente, tornar o livro mais caro comercialmente”.

Athayde explica porque não precisou ampliar o livro : “porque a segunda esposa de João Cabral, poeta Marly de Oliveira, acompanhou com ciência, paciência e experiência acadêmica a feitura deste livro, contribuindo com sugestões e aconselhamento sempre interessantes e desinteressados”.

Para esta segunda postagem sobre Idéias Fixas de João Cabral de Melo Neto, escolhi os verbetes que seguem:

“ARTE – Pode-se dizer que hoje não há uma arte. Não há a poesia. Mas há artes, há poesias. Cada arte se fragmentou em tantas artes quantos foram os artistas capazes de fundar um tipo de expressão original.”

(“Os poetas estão vivos”, Revista Petrobrás, Rio de Janeiro, nº 266, mar./abr. 1974.)

“CRÍTICA - O fato de ter mais de 10 livros sobre mim não é uma coisa que me deixa muito honrado, não. Tem poetas melhores do que eu sobre quem não há livros. São poesias muito melhores, de estruturas mais simples. Mas acontece que eu sinto que a minha poesia presta para um professor brilhar sobre ela. De forma que isso prova duas coisas: que eu sou difícil e sou um escritor para professores.”

(Entrevista a Mônica Torentino, 'O Estado de S. Paulo, Caderno 2, São Paulo, 17 jan. 1989.)

“FORMAÇÃO – Não [não escrevo desde pequeno], inclusive quando era aluno do ginásio eu tinha horror à poesia... Ler, eu sempre li, romance e, depois de certa idade muito ensaio, muita coisa. Agora, poesia, eu tinha verdadeiro horror, porque, naquele tempo, as antologias em que a gente estudava nos colégios só iam até o Parnasianismo, de forma que eu lia poetas brasileiros e portugueses parnasianos, românticos, e aquilo me dava nojo, tinha um verdadeiro ódio à poesia. Ódio é exagero, mas não entendia como alguém podia se interessar por aquilo. Eu me lembro que já tinha deixado o colégio (acabei o colégio em fins de 1935), quando peguei um antologia publicada pela Globo do Rio grande do Sul, de um cidadão chamado Estêvão Cruz. Eu acho que foi a primeira antologia publicada no Brasil incluindo poemas modernos; eu me lembro que tinha “Não sei dançar”, de Manoel Bandeira, Essa nega fulô”, de Jorge Lima, acho que tinha um pedaço de "Noturno de Belo Horizonte”, de Mário de Andrade, de forma que foi o primeiro contato que tive com a poesia moderna, e para mim foi uma revelação: aquilo nada tinha a ver com as coisas de Bilac e Alberto de Oliveira que me davam para ler no colégio”.

(Entrevista ao cineasta Ivan Cardoso, Folha de S. Paulo, Folhetim, São Paulo, nº 533, 24 abr. 1987.)

Quanto a Idéias fixas de João Cabral de Melo Neto, obra de Félix de Athayde, ficamos por aqui, para passarmos para outra obra importante, qual seja, Duas Águas (Poemas Reunidos), de João Cabral de Melo Neto (Rio de Janeiro: José Olympio, 1956).

Dessa obra, Duas Águas (Poemas Reunidos), escolhemos o poema 'A CARLOS DRUMMOND DE ANDRADE', uma homenagem que JOÃO CABRAL DE MELO NETO presta ao poeta mineiro, seu amigo e um dos nomes mais importantes nomes da poesia moderna:

A CARLOS DRUMMOND DE ANDRADE

Não há guarda-chuva

contra o poema

subindo de regiões onde tudo é surpresa

como uma flor mesmo num canteiro.

Não há guarda-chuva

contra o amor

que mastiga e cospe como qualquer boca,

que tritura como um desastre.

Não há guarda-chuva

contra o tédio:

o tédio das quatro paredes, das quatro

estações, dos quatro pontos cardeais.

Não há guarda-chuva

contra o mundo

cada dia devorado nos jornais

sob as espécies de papel e tinta.

Não há guarda-chuva

contra o tempo

rio fluindo sob a casa, correnteza

carregando os dias, os cabelos.

(por João Cabral de Melo Neto)

REFERÊNCIAS:

ATHAYDE, Félix de. Idéias fixas de João Cabral de Melo Neto. 4ª impressão. Rio de Janeiro: Nova Fronteira: FBN; Mogi das Cruzes, SP: Universidade de Mogi das Cruzes, 1998, p. 12, 17, 26,37-38.

DE MELO NETO, João Cabral. Duas águas. Poemas reunidos. Rio de Janeiro: José Olympio, 1956, p. 45-46.

JOÃO CABRAL DE MELO NETO / Espanha e Touradas

2011-03-23T22:44:00.012-03:00

João Cabral de Melo Neto

por Pedro Luso de Carvalho

Félix de Athayde (1932-1995), jornalista e poeta pernambucano – trabalhou no Correio da Manhã, O País, O Estado de S. Paulo, O Pasquim, O Globo e no Jornal do Brasil - é o autor de Idéias fixas de João Cabral de Melo Neto. Athayde diz, no prefácio da obra, que “Este é um livro de amizade e serventia ao mesmo tempo. Da amizade que me une a João Cabral – que conheci aí por 1953, no Recife -, da serventia que suas idéias fixas possam ter para quem escreve”.

Esse excelente livro de Félix de Athayde, Idéias fixas de João Cabral de melo Neto está dividido em duas partes: “Uma educação pela pedra” (as opiniões do poeta sobre muitas coisas, sempre relacionadas com a literatura) e “Outra educação pedra” (a obra comentada pelo próprio poeta, e com suas opiniões sobre autores, e o que João Cabral comenta sobre seus próprios livros e sobre ele mesmo).

Félix de Athayde termina o seu prefácio dizendo: “Finalmente, reconheço que este é mais um livro de João Cabral do que meu. Da minha parte, meu preito ao amigo, conterrâneo e grande escritor – um dos mais perfeitos intelectuais que o Brasil produziu. E Pernambuco”.

Escolhi alguns trechos do livro de Félix de Athayde, Idéias fixas de João Cabral de Melo Neto, nos quais o poeta fala da Espanha, em especial de Andaluzia, que o fascinava [cuja capital é Sevilha], e de touradas e toureiros. No verbete ANDALUZIA (é assim, em verbetes, que o livro foi organizado), transcrevo estes trechos:

“(...) eu sou fascinado por toda a Andaluzia. Mesmo cidades como Córdoba, sendo o contrário de Sevilha, têm a mesma força andaluza (...) É engraçado que, das cidades da Andaluzia, Granada é aquela que menos me interessa. Acho que Granada é uma cidade cenográfica, como a Bahia”.

Ainda nesse verbete, prossegue João Cabral: “É impossível separar as duas coisas [flamenco e Andaluzia]. A própria cidade de Sevilha é flamenca. Conheci a Andaluzia relativamente tarde, na minha carreira diplomática. Antes de servir em Sevilha, estive em Barcelona e em Londres”.

O poeta diz que em alguns lugares de Barcelona podia encontrar quadros flamencos: “Os catalães não gostam de flamenco, mas eu era um freqüentador inveterado desses lugares. E quando fui para Sevilha senti-me um peixe na água...”.

(In Entrevista a Maria Leonor Nunes. JL – Jornal de Letras, Artes e Ideias, Lisboa, nº 448, 05/10 fev. 991).

Podemos ler, ainda, em Idéias fixas, de Athayde, no verbete ESCREVER, mais sobre o que João Cabral sentia pela terra de Cervantes: “A Espanha foi o primeiro contato que tive com uma civilização estrangeira. (...) E aí tudo me fascinou, desde a corrida de touros até ao flamenco...”

João Cabral explica um pouco mais sobre a razão desse fascínio: “(...) Foi só na Espanha que tive o primeiro contato com os clássicos, desde o Poema do Cid a Gonzalo de Berceo e ao Século de Ouro, tudo me impressionou fortemente. E de certo modo me influenciou. Eu não conheço tão bem Gil Vicente, por exemplo, como Berceo, que estudei verdadeiramente anos a fio”.

Sobre essa influência da Espanha, o poeta pernambucano fala, ainda: “Eu recebi mais da poesia espanhola. O que esse pessoal me mostrou, e me impressionou muito, é que não vale a pena escrever para o povo sem usar a forma que ele usa. É por isso que eu utilizo a forma narrativa.”

(In Entrevista a José Carlos de Vasconcelos, Diário de Lisboa, suplemento semanal Vida Literária e Artística, Lisboa, 16 jun. 1966).

Já no verbete MANOLETE, do livro Idéias fixas, de Félix de Athayde, João Cabral fala de toureiros e das corridas de touros: “É, realmente, a corrida de touros é uma coisa extraordinária. Eu cheguei em barcelona em 1947, eu vi Manolete tourear duas vezes. Ele morreu em julho de 1947. Nesse ano, ele ainda toureou em Barcelona duas vezes e ele morreu em julho (...) e ele ainda ia tourear em Barcelona naquele ano e nós tínhamos um amigo comum que me ia apresentar a ele”.

Na entrevista, João Cabral tinha mais ainda o que falar sobre Manolete, um dos maiores toureadores da Espanha: “Eu não conheci Manolete pessoalmente. Essa pessoa dizia que foi uma pena eu não o ter conhecido porque era um sujeito com quem eu ia me entender muito bem. Esse amigo me dizia que eu tinha deixado de conhecer uma pessoa de quem seria, certamente, um grande amigo, por causa do temperamento dele (...) retraído, calado”.

Na sequência dessa entrevista, João Cabral faz ainda outras referências ao célebre toureiro: “Era homem de origem humilde, o pai dele foi um toureiro, de forma que Manolete começou carregando pedra numa estrada. Agora, ele era uma curiosidade intelectual enorme. (...) Ele era um homem extraordinário. (...) Conheci alguns toureiros: Manolo Gonzáles, Julio Aparicio”.

(In Segunda de uma série de três entrevistas a Júlio César Lobo, A Tarde, Salvador, 27 out. 1987.)

Quanto ao livro de Félix de Athayde, Idéias fixas de João Cabral de Melo Neto, ficamos por aqui, para passarmos para outra obra importante, qual seja, Duas Águas (Poemas Reunidos), de João Cabral de Melo Neto , Rio de Janeiro: José Olympio, 1956, p. 45-46.

Dessa obra, Duas Águas (Poemas Reunidos), escolhemos um poema de João Cabral de Melo Neto, que se encaixa perfeitamente no que ficamos conhecendo sobre a sua paixão pela Espanha e pelas corridas de touros, qual seja, “Alguns Toureiros”, poema, escrito em 1955, e que foi dedicado a Antonio Houwaiss, membro da Academia Brasileira de Letras:

ALGUNS TOUREIROS

Eu vi Manolo González
e Pepe Luís, de Sevilha:
precisão doce de flor,
graciosa, porém precisa.

Vi também Julio Aparicio,
de Madrid, como Parrita:
ciência fácil de flor,
espontânea, porém estrita.

Vi Miguel Báez, Litri,
dos confins da Andaluzia,
que cultiva uma outra flor:
angustiosa de explosiva.

E também Antonio Ordóñez,
que cultiva flor antiga:
perfume de renda velha,
de flor em livro dormida.

Mas eu vi Manoel Rodríguez,
Manolete, o mais deserto,
o toureiro mais agudo,
mais mineral e desperto,

o de nervos de madeira,
de punhos secos de fibra,
o de figura de lenha,
lenha seca da caatinga,

o que melhor calculava
o fluido aceiro da vida,
o que com mais precisão
roçava a morte em sua fimbria,

o que à tragédia deu número,
à vertigem, geometria,
decimais à emoção
e ao susto, peso e medida,

sim, eu vi Manoel Rodríguez,
Manolete, o mais asceta,
não só cultivar sua flor
mas demonstrar aos poetas:

como domar a explosão
com mão serena e contida
sem deixar que se derrame
a flor que traz escondida,

e como, então, trabalhá-la
com mão certa, pouca e extrema:
sem perfumar sua flor,
sem poetizar seu poema.

(por João Cabral de Melo Neto)

REFERÊNCIAS:

ATHAYDE, Félix de. Idéias fixas de João Cabral de Melo Neto. 4ª impressão. Rio de Janeiro: Nova Fronteira: FBN; Mogi das Cruzes, SP: Universidade de Mogi das Cruzes, 1998, p. 11-13, 17, 31, 135.

DE MELO NETO, João Cabral. Duas águas'. Poemas reunidos. Rio de Janeiro: José Olympio, 1956, p. 45-46.

PEDRO LUSO / A História do Oficial de Justiça

2011-03-03T18:03:00.024-03:00

Iberê Camargo

[ESPAÇO DO CONTO]

A História do Oficial de Justiça

O circunspeto Romualdo era um bom oficial de justiça. Durante mais de dez anos executou com zelo o seu trabalho. A todos, no Forum, mostrava-se simpático, mas procurava impor certa distância para resguardar sua intimidade. As pessoas que o conheciam - juízes, promotores e serventuários da justiça -, dispensavam-lhe merecida atenção.

Essa pessoa de conduta ilibada, como diziam seus colegas, saiu certo dia, após o almoço, para fazer uma citação a três quadras de sua residência. Antes de acionar a campanhia da casa, onde residia a pessoa que procurava, o oficial de justiça retirou de sua pasta a cópia de uma petição, com o mandado judicial, e viu que iria citar uma mulher de nome Mafalda.

Apertou o botão da campanhia e aguardou um pouco. Uma mulher esguia e sedutora apareceu à porta, fazendo com que Romualdo desviasse o olhar, embaraçado. Disse-lhe qual o motivo de sua visita, e entregou-lhe um documento para que o assinasse. Mafalda devolveu-o assinado ao oficial de justiça, que o colocou na pasta, e depois ao retirar-se, fez-lhe um gesto amistoso como forma de agradecimento.

No dia seguinte, no Forum, Romualdo foi avisado por um colega seu que uma mulher queria falar-lhe ao telefone. Para sua surpresa, era a senhora que citara no dia anterior. Perguntou-lhe no que poderia ajudá-la e Mafalda surpreendeu-lhe: “Queria convidá-lo para tomarmos um cafezinho ou um aperitivo, no final da tarde”. Educadamente, o oficial de justiça recusou o convite.

Mafalda insistiria nesse convite até que Romualdo cedesse, o que ocorreu em menos de um mês. O encontro deu-se na casa de Mafalda, no final do expediente. A partir desse dia, os encontros nos finais de tarde tornaram-se rotineiros. Aos sábados e domingos, Romualdo desdobrava-se em atenção à esposa Eulália, e à filha. Depois de alguns meses, um sentimento de culpa sorrateiro começaria a abatê-lo.

Passados dois anos, Romualdo mal suportava o desgaste emocional pela vida dupla que levava; Mafalda, ao contrário, apegava-se mais e mais ao amante, e a paixão fugia-lhe ao controle, sem suspeitar que o sentimento do amante tomava direção oposta: a paixão que quase o fez enlouquecer não era mais a mesma do início, que agora aos poucos esmaecia.

O oficial de justiça antevia sua volta à vida rotineira: a família, os amigos, os colegas do Forum. Esses pensamentos deram-lhe a sensação da mais completa paz, o que fez com que tomasse a decisão de falar desses sentimentos à amante. Estava decidido a falar-lhe na sua próxima visita, que deveria ser a última. E assim acorreu: Romualdo dispensou rodeios, e, sem olhar nos olhos de Mafalda, disse-lhe que estava tudo acabado. E, de súbito, levantou-se e saiu às pressas.

Mafalda sentiu que iria morrer. Permaneceu por longo tempo sentada, o olhar pétreo, fixo na porta por onde Romualdo saiu. Com o corpo rígido, parecia imantada à poltrona, até que, aos poucos, foi se conscientizando do que se passara. Não derramou uma única lágrima. Simplesmente não aceitou essa ruptura e decidiu que não desistiria do amante. “Ele não tem o direito de me deixar”, repetia para si mesma.

A amante passou a seguir todos os passos de Romualdo: procurava-o todos os dias no Forum, e quando não o encontrava, deixava-lhe recados para serem entregues por seus colegas. Nervoso, lia as ameaças que lhe eram feitas. Em todos os lugares, o oficial de justiça deparava-se com Mafalda: quando saia de casa, quando deixava o trabalho, e até no curso das diligências, que fazia todos os dias, no desempenho de sua função. À noite, as ligações telefônicas não cessavam. Ele mesmo atendia ao telefone, ouvia as queixas de Mafalda, e, sem responder-lhe, desligava o aparelho.

Passados alguns dias, já tomado de absoluta exaustão, Romualdo encontrava-se em casa, no seu pequeno escritório, separando os documentos para as citações que deveria fazer naquele dia, quando a esposa foi lhe entregar um pequeno envelope fechado.

- Um menino acabou de entregar-me - explicou a esposa, um tanto assustada com a reação estampada no rosto do marido.

Romualdo esperou Eulália sair para abrir o envelope. Desdobrou a folha de papel e logo reconheceu a letra de Mafalda. Um sentimento de desgraça deixou-o abatido. No bilhete, a amante dizia que iria à sua casa para contar tudo à esposa.

O oficial de justiça voltou a sentar-se, abalado. Com as costas da mão, afastou os documentos que estava analisando e colocou o bilhete sobre a mesa. Por mais de uma hora ficou ali olhando aquele pedaço de papel branco cheio de rabiscos ameaçadores. Releu o que estava escrito no bilhete, uma, duas, três vezes. Depois, ficou apenas olhando um horizonte imaginário, mal suportando a pressão a que estava submetido.

De repente, tomado de incontrolável fúria, Romualdo apanhou o revólver e saiu em disparada, mal enxergando por onde corria. Corria sem nada ver à sua frente. Tenso, apertava com força a arma, sem parar de correr até chegar à casa da amante, quando, no momento em que a viu, à porta, sentiu uma incontrolável rigidez na mão, seguida pelos contínuos repuxos da arma.

Passado algum tempo - Romualdo não podia estimar sua extensão-, encontrava-se ainda em frente à porta, mal se equilibrando, os olhos ardendo, a camisa encharcada de suor, quando, às suas costas, ouviu os estalidos das algemas que lhe eram colocadas.

(por Pedro Luso de Carvalho)

HORACIO QUIROGA / “Edgar Allan Poe”

2011-02-20T11:41:00.018-03:00

Horacio Quiroga / Edgar Allan Poe

por Pedro Luso de Carvalho

Em novembro de de 2007 publiquei uma matéria sobre a Antologia de Contos de Edgar Allan Poe, ocasião escrevi sobre sua vida e sobre seus poemas, dando destaque tanto à sua ficção como à sua poesia, que o tornaram admirado pelos intelectuais franceses da época, dentre eles Charles Baudelaire, que foi o principal divulgador de sua obra, tanto ficcional como poética, na França e em parte da Europa. Depois disso, fiz a apresentação e transcrição dos seguintes poemas de Poe: Annabel Lee, em janeiro/2008; O Corvo, em julho/2008; Ulalume, em janeiro2010; A Cidade no Mar, em maio/2010; A Marie-Louise Shew, em agosto/2010; Os Sinos, em novembro/2010.

Agora, para esta postagem, escolhi o texto de Horacio Quiroga, denominado “Edgar Allan Poe / A honestidade artística”, in A Galinha Degola e outros contos, seguido de Heroísmos (Biografias exemplares), publicado pela L&PM POCKET, reimpressão em agosto de 2008 (1ª edição em outubro de 2002), com tradução de Sergio Faraco, p. 114-116.

Horacio Quiroga, nascido em Salto, Uruguai, em 1878, e falecido em Buenos Aires, Argentina, em 1937, escreveu cerca de duzentos contos, que foram publicados em revistas, no período que compreende os anos de 1907 a 1921. Foi o responsável pela modernização do gênero literário de narrativa curta castelhano (conto), cujo modelo retórico se impôs.

O crítico literário Pablo Rocca faz a seguinte observação no seu posfácio à Galinha degolada, sobre o modelo retórico de Quiroga: “Trata-se do mesmo modelo que, em inglês, foi pensado e praticado por seus mestres Edgar Allan Poe ou Bret Harte: aquele que elimina os elementos acessórios do relato, sopesando o efeito e a potência expressiva de cada uma das palavras em espaço tão avaro (...)”.

Embora seduzido pelo conto, Quiroga também escreveu bons romances, como, por exemplo, História de uma amor louco ("Historia de un amor turbio"), traduzido por Serio Faraco e publicado pela Mercado Aberto, Porto Alegre, 1998.

Feito esse parêntesis, para a apresentação de Horacio Quiroga, para quem não o conhecia, passo a transcrever o seu texto intitulado EDGAR ALLAN POE / A HONESTIDADE ARTÍSTICA, in verbis:

Ultimamente foram achados documentos – diz Quiroga - nos quais se constata que o trabalho literário de Poe era pago à razão de cinqüenta cêntimos de dólar a página impressa. Se seus contos menos conhecidos tinham, em média, quinze páginas, e os mais famosos apenas dez ou doze, a média geral era de seis dólares por conto, isto é, quinze pesos.

Um dos mais extraordinários gênios que o mundo conheceu, quase sem ascendentes e sem sucessor algum – só e isolado na história literária como um diamante -, este homem de inteligência profunda até a vertigem, vivia, comia, vestia e mantinha suas relações interpessoais à razão de um peso por cada página que escrevesse.

O caso não é único. De Homero a Leonhard Frank, passando por Bethoven (quando vendia sua quinta sinfonia por vinte e cinco pesos), o gênio adquire seus privilégios em detrimento do bem-estar. Se por um lado não causa espécie tal fenômeno, que de certo modo é biológico, surpreende, por outro, a honestidade de Poe, que limitou seus grandes contos a doze páginas, ganhando com eles não mais do que seis pesos, quando lhe teria sido tão fácil aumentá-los para vinte ou cem páginas.

Admita-se que, com seis pesos, matava a fome de seis dias, e que nas noites correspondentes pudesse dormir num colchão de lã. Com Poe tudo é possível. O que não se admite é que essa renda também lhe fosse suficiente para beber o que bebia.

São conhecidas as fraquezas do escritor. Não houve paraíso artificial que não visitasse nem serpente que não lhe devolvesse fielmente as visitas na forma de delirium tremens. Fome de comer e sede de álcool, estroinices desatinadas e o mais que se ignora dessa extravagante criatura, tudo devia ser fatal e mesquinhamente coberto pelos seis pesos de cada conto.

Se para Poe a necessidade de álcool, éter, ópio, era tão orgânica quanto se supõe, poucas torturas teriam sido iguais àquelas que sofria quando a escassez de meios lhe permitia comer e beber, mas não embriagar-se. Nessas horas teria dado uma fortuna, se a tivesse, por uma gota de álcool. Admire-se, por isso, a honestidade mais do que heróica, o pudor mais do que divino do escritor quando, escrevendo um conto, terminava-o no momento preciso, na décima página, ainda que transtornado pela ânsia de beber.

Vontade, confiança, decoro, tudo no grande contista naufragou, menos a honradez artística. Aumentando um pouco aqueles contos de excepcional sobriedade poderia ter alimentado folgadamente a besta do álcool. Ninguém como ele teria facilidade para tanto. Hoje, no entanto – sem pressões ou necessidades, e se a temos basta encompridar um conto, que de conto só tem o nome -, nos lembramos de Poe mais pelas bebedeiras do que pela honestidade.

(by Horacio Quiroga)

[Para acessar meus outros textos sobre Edgar Allan Poe, basta clicar em: Antologia de Contos , Annabel Lee, O Corvo, Ulalume, A Cidade no Mar, A Marie-Louise Shew, Os Sinos.]

MANOEL CAETANO BANDEIRA DE MELLO / Outono Estação de Amor

2011-01-31T22:27:00.019-02:00


Manoel Caetano

por Pedro Luso de Carvalho

O maranhense de Caxias, Manoel Caetano Bandeira de Mello, nasceu a 30 de julho de 1918 e faleceu em 2008, aos 90 anos de idade. Passou sua infância e adolescência em São Luís. Com a idade de 19 anos, o acadêmico de Direito muda-se para o Rio, no ano de 1938. Aí passa a colaborar nas colunas do semanário de letras Dom Casmurro.

Quando Manoel Caetano concluiu o curso de Direito já era profissional da imprensa. Durante a Segunda Guerra Mundial – 1939 a 1945 - trabalhou nas Agências Havas e Reuters. Após esse período, ingressou, mediante concurso público, no DASP, como redator, sendo lotado, depois, na Agência Nacional. Mais tarde, foi redator-chefe da Gazeta de Notícias (1951 a 1955), e, em O Jornal, órgão líder dos Diários Associados, de Assis Chateaubriand, passou a escrever a seção “Semana Internacional”.

E nesta altura, encerramos a lista desses poucos dados pessoais Manoel Caetano Bandeira de Mello, para, agora, falar-mos de sua obra poética, como segue:

No ano de 1987 a Livraria José Olympio publica, em convênio com a Secretaria da Cultura do Estado do Maranhão, ”Outono Estação de Amor”, do poeta Manoel Caetano Bandeira de Mello. Manifestações de acolhimento ao livro são feitas por nomes importantes da literatura brasileira; a esses escritores, poetas e críticos literários, soma-se a contribuição do romancista Josué Montello, membro da Academia Brasileira de Letras, com a brilhante apresentação que faz à obra. Para não nos alongarmos, veremos a seguir o que pensam alguns desses nomes, quais sejam:

ADONIAS FILHO: É possível que os temas, sempre eternos porque integrados na condição da criatura – a morte e o amor -, tenham imposto essa estrutura clássica no sentido do conteúdo universal no fundo do artesanato moderno. Já não aparecem, porém, como uma experiência. Em suas bases líricas, por vezes no plano da reinvenção, a exemplo da configuração valéryana, tudo de tal modo vem da carne e do sangue que a palavra exata é esta: nascida, a poesia nascida.

OCTÁVIO DE FARIA: A forma que alcançou agora, depois de laborioso esforço, é de tal modo nova e forte, tão rica e segura de si, de tal maneira trabalhada e marcante, seus decassílabos são tão firmes e eufônicos, suas quadras marcham com o ritmo tão desenvolto e consciente de si, tão grande é a liberdade das rimas e das elipses, das sugestões verbais e das ousadias silábicas, que nos encontramos diante de um mundo poético, totalmente diverso do que se encontrava entre os pólos extremos, tanto do amor e da morte, como do soneto clássico e do verso livre.

JOSUÉ MONTELLO (trechos da sua apresentação): Manoel Caetano Bandeira de Mello, a quem já defini como poeta de minha geração maranhense, está na fase em que o criador literário tem ao mesmo tempo o domínio de seu ofício e o domínio da vida.

A vida, que é uma adivinhação na juventude - escreve Montello-, constitui um acervo de experiências profundas, sempre que entramos na maturidade. O que, ontem, era intuição, passa a constituir vivência acumulada, que se exprime dispensando a fantasia, para nutrir-se de recordações.

O poeta romântico preferiu a intuição à experiência - prossegue Montello. Não esperou pela vida vivida para recolhê-la à concha do poema. Captou-lhe as vozes líricas, e pôde ser mestre ainda jovem, como Gonçalves Dias e Castro Alves. A imaginação fez o seu ofício, com tal poder de verdade permanente, que a “Canção do Exílio”, escrita aos 20 anos, ajusta-se a todas as idades, sem ter envelhecido com o rolar do tempo.

(...) Manoel Caetano Bandeira de Mello também passou pela fase em que o poeta se deixa conduzir pela intuição da vida. No momento próprio, pôs em versos os seus desencantos de adolescente (...).

Os livros que Manoel Caetano Bandeira de Mello publicou até hoje – enfatiza Montello -, balizando o seu caminho da poesia lúcida, ficariam derrogados, após o aparecimento deste Outono estação de amor, se os livros anteriores não contivessem as raízes deste remate intencional.

Com efeito – diz Montello -, já o poeta de ontem – hoje mais exigente, ontem mais espontâneo. E como a poesia atual é essencialmente técnica, sem prescindir de certa invenção matinal, que lhe confere juventude perene, ocorre que, neste momento, o grande companheiro de geração maranhense, que pretendeu traduzir Milton ao tempo do Liceu, vem dizer-nos com o testamento de seus melhores versos, que o Amor, a primeira matriz da poesia, contemporânea da Primavera, tem no Outono a sua estação adequada.

Com trechos dessa peça rara, que é a apresentação da obra de Manoel Caetano, escrita por Josué Montello, e que ainda vai longe, nós ficamos por aqui, para a seguir mostrarmos os três primeiros sonetos dos trinta e sete que compõem o livro Outono estação de amor, de Manoel Caetano Bandeira de Mello:

I

No outono desta vida recomponho

as horas que de novo viveria

se pudesse voltar aquele dia

que me semelha o espaço deste sonho.

É o passado de volta de seu sono

como o tempo de outrora voltaria.

Unido o cotidiano com a magia

o amor não muda na estação do outono.

Como se fosse outra primavera

a me trazer de novo ansiedade

agora temperada em experiências

que se não faz da gente o que antes era

nos deixa na lembrança a mesma idade

que ilumina de amor tamanha ausência

II

Um encontro de olhares entre vento

e mares e azulejo e velha ilha

cabelos esvoaçantes pensamento

que a alma deste corpo maravilha

Um regresso na escada de outro tempo

as lembranças rolantes das meninas

que não sei se me vêem mas contemplo

ressurgidas diante da retina

Quanto calor de quem tanto à distância

se fascina com a chama que o atrai

e desconhece aonde lhe levam os passos

se para os umbrais de uma outra infância

que das fronteiras de minha alma sai

em viagem na noite dos espaços

III

Olhar de luz a me aquecer a face

quando comigo cruza aquele instante

passageiro, como eu, bem que não passe

amor já tão longínquo quanto o cante.

Naquela tarde luminosa diante

dessa criatura que talvez amasse,

sonho prendê-la em imaginário enlace

mas fujo do seu rosto radiante.

Se nunca ouvi tua voz eu a pressinto

a censurar, quem sabe, o amor covarde

que só em ver de longe se contenta

movido do poder daquele instinto

que ainda hoje como outrora arde

para erguer-me no vôo que sustenta

(by Manoel Caetano Bandeira de Mello)

E. P. PICCOLI - Essas coisas na vida de um guasca

2011-01-17T00:02:00.008-02:00

por Pedro Luso de Carvalho

Conheci o escritor Elbio Prates Piccoli há alguns anos, no apartamento de meu sogro, quando este comemorava seu aniversário. Enquanto as mulheres conversam na sala de visitas, nós, os homens, conversávamos na biblioteca. Na ocasião, o sogro dirigiu-se a mim, e disse: “Pedro, apresento-lhe o Coronel Piccoli”. Após essa apresentação, sentamo-nos, então, para não importunarmos os demais convivas, que aí se encontravam. Logo fui dizendo ao Coronel (esse era o tratamento que os familiares da Taís, minha mulher, dispensavam-lhe – era a sua patente de militar) que já o conhecia de vista, de ouvir falar, e, principalmente, pelos seus livros. Sabia de sua inteira dedicação à literatura a partir de 1974.

Na seqüência dessa conversa, o Coronel Piccoli falou-me de seu interesse pela literatura, que vinha de sua infância, e apontou-me seus escritores favoritos: Guimarães Rosa, Mário Palmério, Anton Tchekhov, Dostoiévski, William Faulkner, e outros que seguiu nomeando na agradável conversa. Contou-me, um tanto constrangido, que estava escrevendo um difícil trabalho sobre a obra de Faulkner, por se tratar de um dos mais importantes romancistas norte-americano.

Não terminamos nossa conversa antes que o Piccoli voltasse a abordar o prêmio Prêmio Jornal de Letras, que recebera em 1975. Disse-me ele que o seu conto premiado foi “Essas coisas na vida de um guasca”, que fora originalmente publicado em Sant'Ana do Livramento, sua cidade natal, no livro 1º Mutirão Literário de Sant'Ana do Livramento, ed. A Platéia, s/d.

No dia seguinte, o escritor telefonou-me para dizer que havia deixado esse livro, com o seu conto (“Essas coisas na vida de um guasca”), no apartamento de meu sogro, em cujo livro escreveu esta dedicatória: “Para o meu prezado amigo Pedro Luso ofereço a modesta participação de fls. 23/30. Piccoli. Poa, 12/nov 82”.

SUAS PRINCIPAIS OBRAS: a) Mealheiros de estórias - 1º lugar no gênero conto do I Congresso Universitário de Literatura, promovido pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul, em 1976, co-edição Editora da UFRGS/Editora Garatuja, Porto Alegre, 1977; b) Momentos - livro de contos, com destaque para o conto Essas coisas na vida de um guasca, 2º lugar no I Prêmio Nacional de Contos, promoção conjunta do Jornal de Letras e da Distribuidora Imprensa, Rio de Janeiro, em 1975, AGE Editora, Porto Alegre, 1996; c) Cara de Bronze – romance, que foi merecedor de Menção Honrosa no “I Prêmio Nacional José Lins do Rêgo” e vencedor do IX Prêmio Guimarães Rosa, em 1983 - Tchê Editora, Porto Alegre, 1988. Piccoli também participou de antologias de contos publicadas em vários centros do Brasil.

A Comissão Julgadora, que concedeu o IX Prêmio Nacional de romance “Guimarães Rosa”, em 1983, Minas Gerais, ao escritor Elbio Prates Piccoli, assim se manifestou: “O romance Cara de Broze afigurou-se à comissão o de mais bem acabada realização. A história do camponês Bertoldo encontra neste romance um trabalho lingüístico e literário pouco comum na moderna ficção brasileira. Este romance, entre nós de difícil e rara realização literária, vive num mínimo de escritos brasileiros (...) resgata a melhor tradição literária vigente entre nós”.

Elbio Prates Piccoli nasceu em Sant'Ana do Livramento, cidade que faz fronteira com o Uruguai, no ano de 1925, e morreu em 28 de novembro 2009, em Porto Alegre, aos 84 anos de idade.

Antes de transcrevermos Essas coisas na vida de um guasca, conto que integra o seu livro de contos Momentos, Porto Alegre, AGE, p. 41-45, vamos ler o que Sérgio Jochyman, romancista e dramaturgo gaúcho, escreveu no jornal Folha da Tarde, em 12.11.1976, sobre Elbio Prates Piccoli: “Ele escreve pela mesma razão que o sabiá canta. É seu modo de ser”.

Segue o conto de Elbio Prates Piccoli, que lhe deu o 2º lugar no I Concurso Nacional de Contos, Prêmio Jornal de Letras/Distribuidora Imprensa, RJ, 1975:

ESSAS COISAS NA VIDA DE UM GUASCA

A enorme cicatriz na cara do guasca – dessas deixadas por lanho de facão que depois de cruzados ferros acima das cabeças, chispando lâmina em lâmina, escorrega e desce, um relâmpago, e rasga desde a raiz da guedelha na fonte, do lado direito, passando entre os olhos, no cavalete do nariz, abrindo sulco na bochecha do lado esquerdo, até embaixo da orelha salvante a carótida, talho de mais de palmo – inturgesceu-se junto com seus pensamentos. Essas coisas na vida de um qüera largado: partir para abrir a cancela do mundo, meter-se em revoluções; gauderiar perdidamente, de cambada e bilotagem com outros cupinudos em pombal de beira de estrada, em farromeiros farranchos; voltar depois, estragado, aperreado, lonqueado, aporreado, vazia dos dobrões e bolivianos a guaiaca, e só uns putas quatis-baianos!... Bateu a binga e pôs fogo no palheiro. A montada quieta, à sombra da reboleira, só espaventando a laçaços de cola, das suas virilhas, importunas varejeiras sequiosas do sudor e dos traços de sangue.

Sob o puxado do rancho, a isso de umas cem braças para dentro do cercado, a mulher lavava roupas na tina. Ele se distraía na espreita, debruçado em forquilha de araçá, qual que estátua de gaúcho assim destroçada da intempérie e dos malevas ladrões, já desfalcado das boleadeiras, permutado o pala por roto bichará, despilchado das doblas da bombacha e dos arreios, restados mesmo de seus o trabuco, o punhal e as esporas. Franziu-se na testa quando, na esteira dos latidos e festejos do cachorro, o pequenote surgiu, encarapitado no pilungo puxador da pipa-de-arrasto, vencendo a dobra do terreno em lançante para o arroio.

A verberação do sol no pedregulho do caminho produziu-lhe alguma cosquilhação nas vistas, porquanto baixou a aba do sombreiro a modo de protegê-las, ou do testemunho de Deus se a imagem nas suas pupilas do guri diligenciando subida da pipa para o jirau. Baforava o crioulo, mordido e babujado, irresoluto entre arrimar-se ou fazer cara-volta, brincando às mãos com uma ponta das rédeas ora de relhaços nas palmas ora nas formigas encarreiradas nos ramos do arbusto.

A mulher movimentou-se para o varal, desentrouxando e estendendo lençóis.

Aí ele decidiu-se. As chilenas iam riscando lento ruído cansado de carretilhas no trilho, passada a porteira, espavorindo gafanhotos e libelinhas, e logo atrás o modorro pisoteio das patas do cavalo. O cusco alertara-se, de orelhas e olfato, e armou a primeira carreira, ladrando; parou, a pouco mais de dois tiros de laço, farejando interrogações; agachou-se, de barriga no pasto; lambia-se, hesitante; afinal, meneando ancas e a cauda peluda, cabeça humildosa, rumou no trotezito ao encontro do recém-chegado.

Recostado à tronqueira do curralete, o viajante viu como ela se afligia de recolher para a casa a dois outros pequeninos. No peito do guasca o coração martelou mais forte; uma desconfiança trincou-lhe dentes de jaguatirica na alma.

Viraçãozinha da banda do nascente fazia olorosas as boninas ao gozo da ressolana, embriagando a passarada no retouço dos ares e do arvoredo. O vestido dela panejava – e ele lembrou-se do estandarte revolucionário – e os cabelos envolviam como pendões de trigal acossado da ventania. Nele, as listas pretas e brancas do poncho dobrado sobre o ombro e as peiteiras abertas do jaleco engolfavam-se em ondulações.

Desencafuando-se do entre-paus, arrastou o gasto solado das botas até onde ela, abraçado a si o ginete do mancarrão pipeiro, esperando. Encorujado no topo de sua estatura, era tronco de coronilha estorricado de raio, parava-se ali, em frente da mulher, estaqueado num espanto, espiava a porta do rancho. No depoisinho, volveu-lhe uma expressão vincada pelo desprezo, prescrutando no fundo dos seus olhos azuis: Isaltina...? Ela desencorajava-se de sorrir, pateta da surpresa, encobria a falta de dentes com a ponta do avental; e inferia, dos trajes farrapentos, do desaprumo dele, os desperdícios provocados por cinco anos de geadas e soalheiras a deus-dará.

As luzes do céu da tarde não eram mais intensas do que a alegria nos olhos dela. - “Anda, Fermininho, a tomá a bênça do teu pai” - “Isaltina!...” - e ele subtraía a mão às tentativas da criança por beijá-la - “...Isaltina, e essas duas? Menino e menina de nem três e quatro!” - e sua voz pautava-se grave, acusadora. “Vai, chê, porquera de ruivo nanico! Desencilha, aguateia e bota pra pastorejá o meu zaino.”

Dela, o gesto de apontar em torno o vazio da campina, apenas povoada pela quincha e a chaminé de lata do casebre, o tímido movimento do braço, pesado de amarga submissão, antecipou sua resposta: - “A gente ficou abandonados, meu marido, sem defesa nestas lonjuras de quem chega com malas intenções. Mulher sozinha, tu sabe, é rês que qualesquer carneia!”

Assoviando nas cristazinhas do capim-forquilha, do alpiste, da carqueja – reclinados em respeitoso cumprimento – fazendo gemerem chorões no banhado, a aragem assentava compressas frias na febre da sua alucinação. Pendia-lhe o mango de um lado, no seguimento do membro inerte, enquanto a mão do lado do revólver amaciava, aflitiva, a borla do barbicacho.

- “Quem sabe tu entra? Descansa. Eu preparo mate e te dou janta. E costuro, prego botões. Aí tu arresolves da nossa vida...” - brotou murmurado suave dos lábios de Isaldina. E ela se voltou, silenciando suas dores, adentrando-se em casa.

A escuridão e os ruídos noturnos do brejal nanavam a três criaturinhas enrodilhadas num catre. Isaltina, pelas tantas e quantas, interrompia os labores de agulha e linha tão-só para espevitar o candeeiro.

Ele, no sossego de couro acolchoado em Santa Fé, circunscrevia memórias pelas taipas – em detenças ligeiras no casco de tatu, na lonca de capivara, na pele curtida de cruzeira, na guampa dependurada – terçando armas em peleia de macho, de brutezas e de morte com o avantesma do seu orgulho. Arreceava-se de esquecer contemplação no perfil dela – o mesmo de oito anos atrás, quando esticara aramados naquela sesmaria de campo, erguera o rancho e a fora buscar na cidade, da pensão da Naná. Isaltina havia-lhe dito que Zeca e Maria do Carmo chamavam-se os dois, pagãozinhos todavia. - “Fermininho!... ah!... sangue mesmo do seu , o tal do campeiraço havia-de.”

Ainda piscava o carijó no poleiro do tapume e ele já encilhando a montada. Isaltina, forneando pão-doce e enrolando cozido para a matula, azafamava-se embaixo do puxado; um descuido e fluíam de pingos na massa lágrimas desconsoladas, de cambulha com gotas de orvalho. Parecia até ela querendo sua saudade viajasse junto com ele. Fermininho ajudando. De correrias com o cachorro as criancinhas. E elas vieram de lá, de bênça-meu-pai, assim ele passava a perna, endireitando-se nos arreios.

Para os lados das grotas, ao longe, por detrás dos contrafortes escuros da serrania, pegara de barrar-se vermelho o firmamento. E as coxilhas espreguiçavam-se da dormilança.

De súbito, o ovelheiro, rosnando no meio da alacridade dos inocentes, denunciou o recorte entre as sombras que se esvaeciam, de três vultos, de a-cavalo, envindo-se no chouto desde a varanda vicinal.

O guasca não se moqueou no brasido da incerteza. Boleou-se, num parpadeio de mocho, entregou as rédeas a Fermininho - “Desarreia o tostado, Ruivo...” - e governou: - “Pra dentro, meus filhos, co'a sua mãe!”

Na altura do palanque, pertinho de em donde a carreta se abandonara capenga, os três chegadiços sofrenaram os rocinantes. Postado, ele alteante, feito mestre de alambrado, aguardava saudações.

Replicou: - “Y santas! Se apeiem nomás. Les mando servir um amargo”.

(by Elbio Piccoli)

[CONTO] CYRO MARTINS / DERROTADO

2011-01-04T23:16:00.006-02:00

Cyro Martins

por Pedro Luso de Carvalho

Importantes homens e mulheres da letras brasileira vêm analisando a obra do escritor gaúcho Cyro Martins - médico-psicanalista por formação-, que se sobressaiu no conto, no romance e no ensaio. Um destes críticos, foi Carlos Jorge Appel, que fez a apresentação do seu livro de ensaios, qual seja, Escritores Gaúchos, que foi publicado pela editora Movimento, em 1981; diz Appel: “Cyro Martins, lançando-se em 1934, teve não só a força de revisar, reestruturar todos os seus romances e livros de contos, como ainda conseguiu, 'no rabo das horas', como costuma dizer, analisar a obra de muitos contemporâneos seus”.

Carlos Jorge Appel menciona os muitos nomes desses escritores da geração de 30: Érico Veríssimo, Dyonélio Machado, Nogueira Leiria, Lilla Ripoll, Mário Quintana e Raul Bopp. E conclui Appe1: “Mais que uma devoção que nutre por todos eles, como reconhece o próprio Cyro Martins, mais que um depoimento ou reminiscências criativas, deve-se reconhecer em Escritores Gaúchos o que propõe a epígrafe de Augusto Meyer: Cada palavra impressa esconde um espelho de mil facetas, onde a nossa imagem pode multiplicar-se até a tortura dos indefiníveis".

O livro de contos Campo Fora foi a estréia de Cyro Martins, em 1934.Sobre essa obra, escreveu o também escritor e crítico literário Guilhermino Cesar: Campo Fora troxe ao gênero uma perspectiva social que todos os seus críticos têm valorizado; e sob este ângulo é que, no futuro, será ainda lembrado, quando todas as “modas” de hoje estiverem esquecidas. Mas, a meu ver, há nele um traço que o singulariza entre seus companheiros, tão importante, afinal, como sua temática: o modo de narrar”.

Cyro dos Santos Martins nasceu em 5 de agosto de 1908, em Quaraí, RS, e faleceu a 15 de dezembro de 1995, em Porto Alegre.

Segue o conto Derrotado, de Cyro Martins, que integra o seu livro de contos Campo Fora, sua obra de estréia, publicado em Porto alegre pela editora Movimento, em 1991, p. 32-33:

DERROTADO

Isidoro Palma vinha derrotado.

Esfalfados, ele e o cavalo, a expressão de caiporice estampada no semblante, e um ar triste de derrota nos gestos.

Descia o Caverá. Ao tranco, que o montado não dava para mais.

Na estrada não havia rasto de ninguém. Os aramados em extensões enormes deitados no chão, o pasto quebradiço e branco, e as lavouras sem viço, minguadas, davam uma desolada impressão de abandono.

Meia tarde. Sol de dezembro castigando a terra. A cintilação áspera das distâncias cegava. E na encosta dos cerros, e no fundo das baixadas, o abrigo da sombra das restingas. Mais adiante, à beira-estrada, quietas e sós, raras árvores franqueando-se buenas ao andante estafado para uma sesteada de alívio.

Havia um ano atrás, bem justo, passara ali mesmo.

Mas que brutal mudança! Daquela vez, que alegria solta! Nos companheiros, nos campos, nos cerros, nas árvores, nos animais! E ele, fanfarrão, alteando a estampa moça, era decerto o mais feliz na gaiatice geral. Tinha motivos demais para tamanha alegria.

Trazia aquilo bem vivo na memória. A troca cruzara ali de manhã. Os pingos recém-potreados, alarifes e graxudos, resvalavam os cascos brutos naquela fartura de capim ainda molhado da serenada grande. E os índios levavam dentro do peito ímpetos xucros de carga. E o capitão Isidoro Palma, à frente do seu grupo guapo, mais resolvido do que nunca pra que viesse, perna estaqueada no pingo arpista, era a esperança da coluna.

E agora? Tudo mudado!

Era funda a mágoa do gaúcho caipora, vendo a mesma paisagem gloriosa de outro tempo estirar-se hostil aos seus olhos cansados.

Quando o sol entrou, já vinha longe do Caverá.

Atravessava agora a várzea do Cantagalo. Sempre ao tranco, como se não levasse pressa. Alheio à instinção da paisagem. As vistas varando a meia luz do horizonte quase morto, rumo a um rancho no garupá. Lá, enlaçando o busto na procura do que vinha nas distâncias, uma chinita esperava impaciente o dono do seu coração. Aquela noite, devagar mesmo, havia de chegar.

O cavalo parou. O índio o convidou de leve com a espora. Nada. O montado não dava mais.

Isidoro Palma apeou, fronte franzida num pressentimento. E sem queixa,sem maldições, com muita cautela, com muito mimo, com muita pena desencilhou o pobre pingo, para não judiar do flete companheiraço.

O gaúcho, estirado nos arreios, integrou-se na paz daquele chão.

Longe, num estirão de léguas, subindo de trás do Jarau uma montoeira de nuvens afogueadas. E no céu alto e aberto, na rasura dos planos e nas árvores perdidas, o jeito pesado das coisas imóveis.

Quando acordou no outro dia, vinha apontando o sol. De pé, varreu a várzea num golpe de vista. A meia légua, um piquete guerreiro.

A perseguição aos derrotados continuava.

Endereçou-se ao cavalo, ainda espichado na grama miúda. Chegou cauteloso. Amimou-lhe a anca, o lombo, as crinas. Levou o buçal com cuidado. E a custo se convenceu que lhe morrera o pingo.

Recalcando a crua mágoa, ficou tempo parado diante do flete companheiro de muitas noitadas de amor, de incontáveis carreiras de peleia e tava, de muita corrida braba de boi, e de brutais arriscadas na guerra.

O piquete inimigo vinha perto.

Reluziam ao sol os dentes rilhados do animal. E os olhos vidrados pareciam fixar o perfil acabrunhado do guerreiro.

Os perseguidores galopearam. O tropel se espraiou longínquo alarmado no descampado. Um grito e mais outro e um berreiro estalou. Luziram espadas contra o sol nascente. Lenços e palas revoaram sacudidos pelo vento.

Isidoro Palma tinha ainda a sua adaga fiel.

Caiu hirto, em golpe duro, como um pau sobre o cavalo morto.

[Poesia] LUIZ DE MIRANDA / A esse amor

2010-12-24T19:40:00.033-02:00

Luís de Miranda

por Pedro Luso de carvalho

Passei a conhecer a poesia de Luiz de Miranda quando dava os meus primeiros passos no exercício da advocacia. Posso afirmar que desde que li os seus primeiros poemas, passei a comprar os seus livros, sempre que os editava; na maioria das vezes, fazia-o na Feira do Livro de Porto Alegre, a maior feira de livros a céu aberto da América do Sul.

Pessoalmente, conheci Luiz de Miranda quando fui por ele procurado em meu escritório, para resolver um pequeno problema ligado a imóveis. Depois que minha secretária o anunciou pelo interfone, logo ela apareceu acompanhada pelo poeta, para abrir a porta da minha sala, e conduziu-o à uma cadeira em frente de minha mesa. Ali estava, pois, à minha frente, o ainda jovem Luiz de Miranda com sua barba e cabelos compridos, parecendo-se muito com a clássica figura de Shakespeare. Disse-me que vinha ao meu escritório por recomendação do escritor Sergio Faraco, seu amigo dileto. Acomodou-se calmamente na cadeira e estendeu o braço trazendo na mão o seu último lançamento: Estado de Alerta, (in Editora Movimento, Porto alegre, 1981). Folhei-o em seguida para ver se havia alguma dedicatória, e de fato havia:

“Ao Pedro Luso de Carvalho, o poema como esperança. O abraço amigo, Luiz de Miranda. Porto alegre, abril de 83”.

Agradeci ao poeta pelo livro e pela dedicatória e logo passamos a tratar do assunto para o qual me procurou.

Vejamos, a seguir, o que dizem sobre a poesia de Luiz de Miranda, alguns nomes importantes da literatura brasileira (in Antololgia de Poemas):

CARLOS DRUMMOND DE ANDRADE: “Poesia aberta, comunicante, como um sopro de vida e insatisfação”.

FERREIRA GULLAR: “No caso de um poeta como Luiz de Miranda, as soluções formais resultam da necessidade de formular o vivido e sentido, emoções e idéias que são expressão de um compromisso claro com seu país e o seu tempo. A poesia de Luiz de Miranda fala de nós todos”.

RAUL BOPP: “A poesia de Luiz de Miranda revela a sensibilidade do verdadeiro e grande poeta. É um contribuição definitiva à literatura brasileira”.

ALCEU VALENÇA: “A poesia de Miranda é o vento Minuano que passa em voz alta e nos marca para sempre”.

GUILHERMINO CÉSAR: “De qualquer modo, penso que Memorial assinala uma vertente; reúne-se ao que de melhor existe no Brasil”.

NELSON WERNECK SODRÉ: “Luiz de Miranda sabe que a solidão é provisória e decorre de derrota, exílio, distância, saudade. Escreveu longe e perto. Sua poesia se junta a de alguns, uns poucos, que souberam ver o que viu, sentir o que ele sentiu. A época, amarga e opaca e escura, é atravessada por essa poesia como um relâmpago. Sua luz denuncia auroras. Do provisório, entrevemos o definitivo”.

JOSÉ ÉDIL DE LIMA ALVES: “Poeta comprometido com a realidade do seu país e de seu continente, ele trilha os caminhos percorridos por um Pablo Neruda, um Atahualpa Yupanqui, um Ferreira Gullar, com seu canto enérgico de protesto”.

Passemos ao poema A ESSE AMOR, de Luiz de Miranda (in Antologia Poética, Porto Alegre, Mercado Aberto, 1987, p. 67):

A ESSE AMOR

        Luiz de Miranda
                    a Alice de Salles

Chegarei a esse amor
pelo próprio destrato
que ele me empresta
pelo seu avesso, o reverso
pela porta menor, retrato
de luz aquecida

Chegarei a esse amor
amando o lado opaco
que se infiltra e bruxuleia
nas quietudes mais cerradas
pelo círculo de giz, pacto
por onde renasço da cinza

Chegarei com o hálito antigo
a calça de brim
o chinelo, a bombacha
na mala da memória
e a palavra, irmã de insônia
                   cisma
que habita o desatino
com seu sopro alumbrado

Chegarei a esse amor
sem explicações ou fórmulas
com o coração aberto
na manhã de sombra

Um pouco mais da vida e da obra do poeta gaúcho, Luiz de Miranda, pode ser lido em Wikipedia: http://pt.wikipedia.org/wiki/Luiz_de_Miranda

JOSÉ ALBANO / CANÇÃO A CAMÕES

2010-12-11T22:01:00.016-02:00

por Pedro Luso de Carvalho

Abordaremos a poesia de José Albano não apenas nesta edição, mas também em outras, que serão apresentadas de forma intercaladas. E em cada um desses futuros textos daremos a conhecer a posição de poetas igualmente importantes e de críticos literários, no que respeita a obra do poeta. Podemos antecipar, inclusive, alguns nomes que abordam a obra (e a vida) de José Albano; são, entre outros: Alfredo Bosi, Manoel Bandeira, Agripino Grieco, Antônio Sales, Tristão de Athayde, Braga Montenegro.

Cumpre fazermos de plano a presentação do poeta, para os que não o conhecem, e então passarmos à sua poesia. José Albano é um dos mais importantes poetas brasileiros, embora pouco conhecido em sua pátria. Entre os poetas neoparnasianos, José Albano foi o mais aristocrático.

Filho de família cearense abastada, e neto de barões pelo lado paterno, não encontrou dificuldades em sair do Brasil aos onze anos de idade para estudar em colégios ingleses, austríacos e franceses, tendo o privilégio de receber uma apurada formação humanística. Volta ao Brasil - Fortaleza, sua cidade natal -, já na adolescência, e tenta cursar Direito, mas a doença o impediu de continuar os estudos. Então, com ajuda do Barão do Rio Branco, seu amigo e protetor, retorna à Europa, para, depois de visitar alguns países, fixar-se na França. Aí morre o poeta no dia 11 de julho de 1923, na localidade de Montauban.

Um dos nossos mais importantes críticos literários, Tristão de Athayde (pseudônimo de Alceu Amoroso Lima), “num assomo de entusiasmo”, como observa Alfredo Bosi, manifestou-se sobre a obra do poeta no seu importante ensaio, Poesia Redentora, in José Albano, Rimas. 3ª ed., Rio de Janeiro, Graphia Editorial, 1993, p. 220.221:

"A figura de José Albano é das mais indiscutíveis desse período pré-modernista, entre 1900 a 1920, em que escreveu o principal de sua estranha e puríssima obra poética, agora de novo revelada ao grande público, pela coragem editorial dos irmãos Pongetti e pela independência e bom gosto literário de Manoel Bandeira. As Rimas (Pongetti Editores, 1948) compreendendo essa deliciosa Comédia Angélica, esses maravilhosos quatro sonetes em inglês, o Triunfo que é uma obra-prima e os Dez sonetos escolhidos pelo autor, que são seguramente dos mais belos que jamais foram escritos em nossa língua e mesmo em qualquer língua humana – representam um imenso drama interior – uma incomparável realização de poesia pura''.

Além de Rimas, o primeiro livro de José albano, publicado em Barcelona, em 1912 (no Brasil a sua edição deu-se em 1948, por Pongetti Editores), e Comédia Angélica, publicada em 1918 (quatro sonetos em inglês com tradução portuguesa, com argumento religioso e forma clássica), o poeta também publicou Antologia Poética.

Em outras oportunidades, como dissemos acima, continuaremos com a abordagem da obra de José Albano. Agora, passemos ao poema CANÇÃO A CAMÕES, que integra o seu livro Rimas, p. 113-115:

CANÇÃO A CAMÕES

Co'uma espada de prata e lira de ouro
Claríssimo Camões, me apareceste
No cimo do Parnaso alcantilado;
E eu, posto num enlevo duradouro,
Gravei na mente essa visão celeste
Que em numeroso verso aqui traslado;
Estavam ao teu lado
Duas Musas de cândido semblante,
Calíope que sopra na canora
Trombeta retumbante
Cujo clangor os ecos apavora;
E Euterpe que da rude e agreste avena
Tira uma melodia pura e amena.

Esta afina o instrumento donde parte
Um longo e suavíssimo gemido
Cuja tristeza eu também sinto e entendo,
E de improviso Amor vem a esta parte
E traz nas mãos teu coração ferido
Donde vermelhas gotas vão correndo.
Com ele vem o horrendo
E escuro Fado que jamais se cansa
De atormentar um generoso peito,
Alevantando a lança
Que atravessou teu coração desfeito -
E enquanto lentamente vão passando,
Ri-se o Fado cruel, geme Amor brando.

Emudecendo a frauta, eis se derrama
O som da horrível tuba que o repouso
Subitamente rompe do ar vizinho;
E eu vejo o Capitão Vasco da Gama,
Aquele grão Lusíada famoso
Que descobriu das Índias o caminho;
E (ó destino mesquinho!)
Vejo a mísera Inês tão meiga e amante,
Longe de Pedro, saüdosa dele,
Lamentar-se diante
Del-rei que ao duro sacrifício a impele:
De Vasco o Tejo está lembrado ainda,
Chora o Mondego a Inês lânguida e linda.

Eis se alça Adamastor fero e iracundo,
Como uma nuvem negra aparecendo
À frota, do naufrágio ameaçada.
Treme nos fundamentos todo o mundo,
Quando ele em tom altíssimo e tremendo
Blasfema, grita, brama, ruge e brada.
Eis surge a sublimada
Vênus superna que nasceu da escuma;
De flores se matizam as campinas,
A aragem se perfuma
E serenam as ondas neptuninas:
Protege a deusa o peito lusitano,
Conquistador da terra e do oceano.

Cessa o clangor e eu vejo ainda em sonho
Descer do empíreo angélica figura,
De ouro tingindo as nuvens e de rosa.
E no semblante plácido e risonho
Leio a felicidade branca e pura
De quem muito sofreu e agora goza:
É Natércia formosa,
Ó bom Luís, exemplo de amadores,
É tua alma gentil, encanto e vida,
Amor de teus Amores,
Sempre adorada e nunca possuída,
Ei-la que vem da luminosa parte
Para verdes mirtos coroar-te.

Da baixa terra também sobe a ver-te
Outra figura, envolta em negro luto,
Que no passado mais ditosa viste.
Do longo caminhar cansada e inerte,
De lágrimas o rosto nunca enxuto,
Suspira e nenhum peito lhe resiste:
É Lusitânia triste,
É tua ingrata mãe que ânsia secreta
De saüdades sente dentro da alma,
Mas vendo-te, ó Poeta,
A mágoa se lhe um pouco abranda e acalma.
E para que o remorso menos doa,
De imarcescíveis louros te coroa.

Canção, voa ao Parnaso
E ao Mestre amado meu que lá de cima
Me ouve cantar em venturoso enlevo,
Entrega o verso e rima
Que em tributo ofereço do que devo.
E se durares qual lhe dura o nome,
Fico que nunca o tempo te consome.

(by José Albano)

REFERÊNCIAS:

ALFREDO BOSI. A Literatura Brasileira. O Pré-modernismo. Vol. V. São Paulo: Ed. Cultrix, 1966, p. 19-24.

ALBANO, José. Rimas, 3ª ed., Rio de Janeiro, Graphia Editorial, 1993 , p. 220.221.

EDGAR ALLAN POE / OS SINOS

2010-11-28T16:48:00.008-02:00

Edgar Allan Poe

por Pedro Luso de Carvalho

Quando publicamos o nosso primeiro trabalho sobre a obra de Edgar Allan Poe, qual seja, ANTOLOGIA DE CONTOS, falamos da importância de Poe na literatura, na poesia. E também isto: Charles Baudelaire lera algumas das suas histórias, e mais tarde dissera, ao lê-las, que “experimentara estranha emoção”. Nas revistas que chegavam dos Estados Unidos a Paris, Baudelaire procurava pelos contos e pelos poemas de Poe. Baudelaire escreveu certo dia em seu diário, que, dali em diante, iria orar todas as manhãs a Deus, ao seu pai e a Edgar Allan Poe (in Antologia de Contos - prefácio de Brenno Silveira -, Rio de Janeiro, Civilização Brasileira, 1959). A sedução e o fascínio que Poe exerceu sobre Baudelaire levou o poeta francês a traduzir os contos e os ensaios do autor de A Queda da Casa de Usher. Depois dessas traduções, Baudelaire juntou-se ao célebre Mallarmé, que o ajudou a divulgar a obra de Poe, razão pela qual teve plena aceitação pela avant garde literária de Paris.

Os poemas de Poe, que publicamos aqui no blog Panorama, foram: ANNABEL LEE, em setembro/2008; O CORVO - o poema imortal do poeta -, em julho de 2008; ULALUME, janeiro/2010; A CIDADE NO MAR, em maio/2010; A MARIE-LOUISE SHEW, em agosto/2010. Para esta publicação escolhemos o poema OS SINOS (in Edgar Allan Poe - Poemas e Ensaios, tradução de Oscar Mendes e Milton Amado. 3ª ed. São Paulo: 1999, p. 64-67).

OS SINOS

I

Escuta: nos trenós tilintam sinos
argentinos!
Ah! que mundo de alegria o som cantante prenuncia!
Como tinem, lindo, lindo,
no ar da noite fria e bela!
Vão tinindo e o céu inteiro se constela,
florescente, refulgindo
com deleites cristalinos!
Dão ao tempo uma cadência tão constante
como um rúnico descante,
com os tintinabulares, pequeninos sons, bem finos,
que nascendo vão dos sinos,
sim, dos sinos, sim, dos sinos,
saltitantes, bimbalhantes, dentre os sinos.

II

Escuta; em núpcias vão cantando os sinos,
áureos sinos!
Quantos mundos de ventura seu tanger nos prefigura!
No ar da noite, embalsamado,
como entoam seu enlevo abençoado!
Tons dourados, lentas notas
concordantes...
E tão límpido poema aí flutua
para as rolas que o escutam, divagantes,
vendo a lua!
Volumoso, vem das celas retumbantes
todo um jorro de eufonia
que se amplia,
“O futuro é belo e bom!”
- clama o som,
que arrebata, como em êxtases divinos,
no balanço repicante que lá soa,
que tão bem, tão bem ecoa
na vibrante voz dos sinos, sinos, sinos,
carrilhões e sinos, sinos,
no rimado, consonante som dos sinos.

III

Escuta; um longo alarma bradam os sinos,
brônzeos sinos!
Ah! que história de agonia, turbulenta, se anuncia!
Treme a noite, com pavor,
quando os ouve em seu bramido assustador,
Tanto é o medo que, incapazes de falar,
se limitam a gritar,
em tons frouxos, desiguais,
clamorosos, apelando por clemência ao surdo fogo,
contendendo loucamente com o frenesi do fogo,
que se lança bem mais alto,
que em desejo audaz estua
de, no empenho resoluto de algum salto
sim! Agora ou nunca mais!),
alcançar a fronte pálida da lua!
Oh! Os sinos, sinos, sinos,
De que lenda pavorosa, de alarmar,
falam tanto?
Clangorantes, ululantes, graves, finos,
quanto espanto vertem, quanto,
no fremente seio do ar!
E por eles bem a gente sabe – ouvindo
seu tinido, seu bramido -
se o perigo é vindo ou findo.
Bem distintamente o ouvido reconhece
pela luta,
na disputa,
se o perigo morre ou cresce,
pela ampliante ou decrescente voz colérica dos sinos,
badalante voz dos sinos,
sim, dos sinos, sim, dos sinos,
do clamor e do clangor que vêm dos sinos!

IV

Escuta: dobram, lentamente, os sinos,
férreos sinos!
Ah! que mundo de pensares tão solenes põem nos ares!
Na silente noite fria,
quando a alma se arrepia
à ameaça desse canto melancólico de espanto!
Pois em cada som saído
da garganta enferrujada
há um gemido!
E os sineiros (ah! essa gente
que, habitando o campanário
solitário,
vai dobrando, badalando a redobrada
voz monótona e envolvente...),
quão ufanos ficam eles, quando vão
tombar pedras sobre o humano coração!
Nem mulher nem homem são,
nem são feras: nada mais
do que seres fantasmais.
E é seu Rei que assim tange,
é quem tange, e dobra, e tange.
E reboa
triunfal, do sino, a loa!
E seu peito de ventura se intumesce
com o hino funerário lá dos sinos;
dança, ulula, e bem parece
ter o Tempo num compasso tão constantes
qual o rúnico descante,
pelos hinos lá dos sinos!
Ah! Dos sinos!
Leva o Tempo num compasso tão constante
como um rúnico descante,
pela pulsação dos sinos,
a plangente voz dos sinos,
pelo soluçar dos sinos!
Leva o Tempo em tal compasso, tão constante,
que a dobrar se sente, ovante,
bem feliz com esse rúnico descante,
com o reboar que vem dos sinos,
a gemente voz dos sinos,
o clamor que sai dos sinos,
a alucinação dos sinos,
o angustioso,
lamentoso, lutuoso som dos sinos!

(by Edgar Allan Poe)